villabrowna. livres anciens.

«C’est vrai, ils ont peu donné d’encre. Mais tout leur sang»

2012-01-17T11:38:00.004+01:00

JUSTE QUELQUES LIGNES POUR CEUX QUI SONT PRESSÉS. (C’est dommage : dans la suite du texte Péguy hurle : « Tirez, nom de Dieu »...)

« Des riches, des pauvres, des faibles, des forts, des rêveurs, des chercheurs de bagarre » forment selon Dorgelès l’aréopage des « écrivains tombés à la grande guerre [… qui] acceptaient la souffrance et la mort mais non l’oubli [et dont] on ne connaît plus que les illustres». « Cette injustice révolte [Dorgelès]. [Il] voudrait les sauver de l’oubli, ces infortunés, comme on relève un blessé entre les lignes pour l’aider à se trainer jusqu’au poste de secours ». L’idée fait son chemin et en 1954, bien que Dorgelès ait déjà et à plusieurs reprises largement payé son tribut littéraire aux poilus, il recrute une fois encore son ami et complice André Dunoyer de Segonzac, illustrateur de ses Croix de Bois, pour ériger un vibrant Tombeau des poètes tout en papier, que Jacques Vialetay éditera avec tact en 1954.

QUELQUES LIGNES SUPPLÉMENTAIRES POUR CEUX QUI N’ONT PAS NON PLUS LE TEMPS (mais qui le prennent).

L’inventaire de leurs noms, vous le trouverez en bas de cette lorgnette, 58 ans après l’exhumation pratiquée par Dorgelès et Dunoyer. Très étrangement, le texte de l’écrivain n’a pas été réédité depuis et ne se retrouve dans aucun projet de numérisation en ligne. Dorgelès avait eu l’intuition de ce silence posthume : « même en choisissant dans leur léger bagage les meilleurs de leurs vers, je crains de n’y point parvenir. […] « J’avais bien mieux dans le cœur » disait amèrement l’un d’eux dans le testament qu’il remit à son père en partant ». « C’est vrai, ils ont peu donné d’encre. Mais tout leur sang » confirme Dorgelès. A qui la faute ?

Rimbaud, en 1871, avait ouvert la voie à ces poètes en puissance en affirmant travailler à se rendre « voyant », et c’est comme autant de voyants qu’il faut considérer ces poètes aux « yeux morts grands ouverts », selon la formule frappante de Jean l’hiver. Mais « [leurs] voix de 20 ans ne pouvaient porter si loin… » en tous cas, certainement pas jusqu’à la postérité. Seuls leurs compagnons d’avant-guerre, certains frères de tranchées, quelques anciens combattants vieillis et une poignée de nos contemporains allaient connaitre leurs vers, les relire, les réciter, les diffuser.

Le boulot de Dunoyer de Ségonzac, en se basant sur les croquis de ses carnets de guerre, fut de donner un corps à leurs voix éteintes. Il grave des vues d’ensemble, des tranches de vie de tranchées, des croquis de soldats et surtout un « portrait » de jeune homme aux yeux déjà morts, déjà voyants. Homère rode. La palette des couleurs qu’il emploie est parfaitement comprise par André Salmon pour qui « les scènes de guerre [de Dunoyer] sont aux couleurs de la boue qui, dans la guerre, l’emporte sur le sang ». Vous y êtes ? Vous voyez le tableau ? Vialetay fait ajouter au corpus des 50 gravures, la décomposition d’une planche couleurs qu’il présente sur du papier Japon mince permettant de jouer les superpositions. C’est une façon – certes métaphorique mais efficace – d’entrainer le lecteur dans les replis du cœur des poètes disparus, dans la meurtrissure profonde de la terre piétinée, dans l’empreinte qu’a laissé cette guerre jusque dans les mots et les traits des deux anciens combattants que furent Dorgelès et Dunoyer de Ségonzac.

Pourtant, de la lecture du Tombeau des poètes, émane une envie de sur-vivre, une gaité potache, un sang bouillonnant. Dorgelès nous en décrit quelques instantanés : épluchant le « Bulletin des écrivains » qui annonçait la mort des plumitifs de tous poils, Dalleré rigolait : « C’est une publicité qui ne me tente pas ». Il mourra cependant en 1916. Gendreau, « par admiration [pour Edmond Rostand], portait comme lui la moustache en crocs et se coiffait d’un feutre aux ailes souples » avant de le remplacer par le casque réglementaire. Dorgelès se souvient aussi du «sourire indulgent et moqueur » de Charles Müller, se rappelle Louis de La Salle, ce « joli garçon, brillant causeur, bon épéiste, grand faiseur d’épigrammes », Richard de Burgue « narquois jusqu’au bout ». Le sens de l’humour est chevillé à leurs tripes. Le gringalet Jean Arbousset, surnommé « Quinze grammes » publia coûte que coûte un facétieux petit journal polycopié, Percot de Quinze grammes. Quand on sait qu’en argot-de-poilu, percot signifiait en argot-de-civil, bobard… Chez Müller, cet humour le quitta quasiment après la vie. Mortellement touché à la tête, secouru, il s’aperçoit au poste de secours que « sous l’effet de la blessure, son corps s’est vidé. Alors, s’efforçant de sourire il dit au major : « Vous savez, ce n’est pas « avant » que ça m’est arrivé ».

Touché à la tête ? Mais « la tête, c’est par là que meurent les poètes » claironnait Apollinaire non plus enturbanné de gaze mais plus virilement ceint d’une courroie qui maintenant un cabochon également en cuir. La table que Franconi avait fait tourner avant guerre ne lui avait-elle pas prédit: « tête tranchée ». A l’époque, ses amis pseudo-spirites avaient ri, l’avaient soupçonné de tricherie polissonne. Ne se présentait-il pas en anarchiste et poseur de bombe, ce beau parleur très inoffensif ? On est aussi marqué – n’en déplaise à Guillaume – par le nombre d’entre eux touchés à la poitrine. « Ah ! frappe-toi le coeur, c'est là qu'est le génie » avait dit Musset qu’ils suivirent un peu trop à la lettre.

Les nombreux poèmes qu’a fait reproduire, souvent dans leur intégralité, Dorgelès dans son Tombeau sont parfois des poèmes d’avant-guerre, parfois des poèmes de tranchées. L’écrivain ne semble pas faire de différences entre eux. Sans doute, veut-il insister sur la qualité intrinsèque de ces poètes en herbe fauchés, réfutant en partie l’idée que la guerre crée de toutes pièces la poésie. Si un souffle et le prétexte guerrier court évidemment sur le Rāmāyana, l’Illiade, l’Enéide, et que certains, à l’instar de Jean Bacon dans ses Saigneurs de la guerre, ont soutenu que la guerre de 14-18 avait généré « une production épico-lyrique […] véritablement phénoménale [au point qu’on eut dit] qu’il y avait un poète en puissance sous la capote de chacun des combattants », Dorgelès considère au contraire que cette première guerre totale a ruiné un élan poétique déjà existant.

Les poèmes du front, pour leur part, s’accompagnent assez souvent d’une tonalité mystique mais gardent des accents de lucidité. Vous n’avez qu’à lire par exemple et entre les lignes cette strophe de Jean l’Hiver : « Le sacrifice est fait, Seigneur. Prenez mon corps / Mes nerfs trop délicats, l’océan de mes rêves /Faites que la minute angoissante soit brève /Que je ne sente pas longtemps venir la mort». Permettez-nous de trouver les mêmes accents mélangés à un soupçon de fatalité antique et ricaneuse dans la dernière parole prononcée d’une voix forte par Péguy à ses gars : « Tirez, nom de Dieu »... Quant à cette strophe de Trouffleau, alors cantonné en Champagne, elle célèbre cette terre sur laquelle ils combattent et qui restera le témoin éternel de leur passage et de leurs mots. L’être humain est pressé une seule fois au contraire de la vigne. « Buvez à eux, qui ont tout sacrifié à cette terre chérie, et dans le jus de la vigne qui a mûri sur les coteaux où ils tombèrent, oh ! trempez ardemment vos lèvres comme pour leur donner un baiser ! »

Beaucoup de ces poèmes furent transmis de bouche à oreille, diffusés à leurs frères d’armes par le fruste procédé de la polycopie ; quelques-uns eurent la félicité d’être lus à l’arrière ; peu se frottent aux lecteurs d’aujourd’hui. Miraculeusement les poèmes de Quinze grammes furent édités à 25 exemplaires chez Crès et Cie en 1917 sous le titre de Livre de quinze grammes, caporal. A 25 exemplaires aussi, Apollinaire fit tirer à la gélatine sur papier à lettre quadrillé Case d’Armons. Il n'y a pas de quoi démarrer un feu de joie.

La Ville de Mirmont dont « les contes ironiques et subtils » ne furent guère remarqués à leur sortie avant guerre n’en avait gardé nulle amertume : « la notoriété s’acquiert […] par des procédés dont je me sens incapable. On lance un livre de la même manière qu’on lance une marque de pastille ou de cacao, je manque des qualités nécessaires ». Il sut cependant prendre courageusement le chemin des dames et y laisser sa peau en novembre 1918. L'Horizon chimérique, son recueil de poèmes posthume, a connu, fait rare, une reconnaissance pérenne. Il fut mis en musique par Gabriel Fauré et plus récemment par Julien Clerc sur l'album Si j'étais elle.

La quintessence de cette poésie qui disparut au rythme des offensives se concentre dans un unique poème Rendez-vous avec la mort (I have a rendez-vous with Death). Il a suffi à Alan Seeger, jeune journaliste américain travaillant en France, d’un seul chant pour se procurer la gloire littéraire que la plupart de ses compagnons d’infortune n’effleureront même pas. En faisant le tour des Etats-Unis dès sa parution et en ayant été un des poèmes préférés de J.-F. Kennedy, il est devenu l'étendard de ce bataillon de poètes. A la Légion étrangère, dès août 14, le jeune homme s’était engagé pour défendre sa terre d’adoption qui finit par recevoir son corps le 4 juillet 1916 non loin de Belloy-en-Santerre. « J’ai un rendez-vous avec la mort / Sur quelque pente meurtrie d’un col écorché / Quand revient le tour du printemps, cette année / Et paraissent les premières fleurs des près. » Le voyant combattant, l’apprenti-poète ne s’était en définitive trompé que d’une saison.

In memoriam : Adam, Alain-Fournier, Apollinaire, Arbousset Quinze grammes, Bernard, Bertrand, les frères Bonneff, Bouignol, Burgue, Canudo, Carrau, Chadourne, Cottineau Jean l’Hiver, Dalize, Dalleré, Despax , Dispan, Drouot, du Fresnois, du Roure, Dumas, Foulon, Franconi, Gasquet, Gendreau, Guillot, Hourcade, Jordens, La Salle, La Ville de Mirmont, Leveque Jean, Magnard, Monier, Müller, Péguy, Pellerin, Pergaud, Puget, Rolmer, Royé, Seeger, Trouffleau.

LE LIVRE QUI NOUS A PERMIS D’ÉCRIRE CETTE LORGNETTE est actuellement en vente à la librairie:

[Dunoyer de Segonzac], Dorgelès, Roland. Tombeau des poètes.
Paris, Vialetay, 1954.

In-folio en feuilles, sous chemise bleue imprimée et emboitage cartonnés. 240 pp.
Edition originale. Tirage limité à 180 exemplaires numérotés et signés par l'auteur, le peintre et le graveur. Celui-ci, un des 30 exemplaires sur pur chiffon de Rives, deuxième papier, comprenant la décomposition de couleurs d'une planche et une suite en état définitif. L’illustration de Dunoyer de Segonzac comprend 50 bois en noir et couleurs gravés par Jacques Beltrand : 3 doubles pages, 9 hors texte en couleurs, 38 bandeaux dans le texte et culs-de-lampe. La décomposition d’une planche couleurs est tirée sur papier Japon mince permettant de jouer les superpositions. Témoin conservé. Parfait état dans sa boite de transport.
n°11 de la liste de liste de livres illustrés proposée actuellement à la vente. Pour en savoir plus, commander, ou recevoir la liste : envoyez-nous un e-mail!

Et Kupka créa Gina Lollobrigida

2011-10-27T11:00:00.011+02:00

JUSTE QUELQUES LIGNES POUR CEUX QUI SONT PRESSÉS COMME DES LAVEMENTS.
(C’est dommage : il est même question de Gina Lollobrigida dans la suite du texte...)

33 ans, l’âge du Christ mort et ressuscité. 33 ans, l’âge de Frantisek Kupka en 1904, année de sa rencontre avec Eugénie Straub, sa future femme ; année encore de sa première approche du Cantique des cantiques.
Progressivement dès 1909 Kupka s’éloignera de la ligne figurative pour aboutir aux compositions abstraites qui sont représentatives de son œuvre. Pourtant de 1904 à 1931, inlassablement il va rester fidèle à la courbe féminine en retravaillant et repensant ce texte sacré. C’est un peu comme si ce premier travail d’artiste du livre, cristallisé par sa rencontre amoureuse, voulait prouver au monde que « quand on aime on a toujours 20 ans » et que cet amour rend immuable ce qui l’entourait alors. Or, en ce début de XXème s., Kupka est encore sous emprise viennoise et on voit ici et là des lignes à la Klimt, des cheveux à la Mucha.
Les marges aérées du papier très blanc laissent courir autour d’elles une large guirlande florale monochrome, rose, bleue, verte ou grisée qui diffuserait presque un parfum capiteux et oriental, juste accompagnement de la lecture ce texte sensuel et sacré revisité par un Kupka inspiré.

LE LIVRE Cantique des Cantiques qui est Sur Salomon. Traduit littéralement et remis à la scène par Jean de Bonnefon. A été joué pour la première fois à Paris le 22 mai 1905.
Paris, Librairie Universelle, s.d. (1905).
In-folio broché sous couverture illustrée d’une illustration noire et ors. Dos fragile, couverture légèrement brunie.
82 pp., table. Certains des ornements ont imprégné d’une auréole la page qui les précède.
Rare premier tirage de la première série d'illustrations de Kupka pour le Cantique. Exemplaire numéroté sur Hollande. Couverture en deux tons, cinq illustrations à pleine page et une à mi-page en noir. Guirlande florale monochrome en encadrement de chaque page.

QUELQUES LIGNES SUPPLÉMENTAIRES POUR CEUX QUI N’ONT PAS NON PLUS LE TEMPS ( mais qui le prennent ).

Or, il n’y a pas que sur Kupka que le Cantique des Cantiques ait fonctionné. On pourrait même finir par croire que ce texte agit mieux qu’un philtre d’amour sur les artistes qui l’approchent. Envouté Chagall, envoutés Matisse, Edy-Legrand, Lobel-Riche et Woda. Ce livre tiré de la Bible va tenir au corps František Kupka (1871-1957) près de 25 ans, jusqu’en 1931 quand les éditions Piazza soutenues par Jindrich Walde, génial inventeur tchèque du bouton pression et de l’épingle à nourrice lui permettront de publier la quintessence de ses recherches.
Si durant cette longue période, il griffonne, esquisse et aquarelle le Cantique, Kupka prend également le temps de se documenter pour alimenter son imaginaire. On découvre au fil des six illustrations un environnement oriental plus proche de l’Assyrie que de la terre promise. Outre les guirlandes luxuriantes qui encadrent chaque page, un roi les cheveux frisés qui tombent sur les épaules et la barbe longue taillée au carré de certaine illustration permet du premier coup d’œil de reconnaître l’antique mode assyrienne. La forme et le drapé de la robe du monarque s’y réfèrent également et le tissu imprimé de lions en majesté mais dociles appuie cet emprunt. Le lion, symbole de la nature sauvage est en ce temps l’image favorite de la force et de la prédominance des civilisations mésopotamiennes qui le matent et l’emploient.

Kupka, attiré par les découvertes archéologiques reste néanmoins les deux pieds dans son époque. On a déjà évoqué pour les lecteurs pressés, les références à la sécession viennoise, à Klimt, à Mucha. Il ne faut pas non plus négliger l’influence que Gustave Moreau a pu avoir sur sa réflexion esthétique : à confronter sa Sulamite rencontrant Salomon à l’aquarelle de Moreau intitulée Apparition (1876) on ne peut d’ailleurs qu’en crever d’envie : si jambes et bras de Salomé sont tendus alors que ceux de l’Aimée se replient, ils participent pourtant les uns et les autres à un mouvement de torsion vers l’avant qui amorce le mouvement de recul des deux jeunes femmes. Leurs corps se dérobent et leurs regards se soustraient dans une inclinaison de visage qui leur permet d’échapper à la tête en gloire de Jean-Baptiste pour l’une et au roi Salomon pour l’autre.

Enfin, bien que la directrice du Musée d'art et d'histoire du judaïsme à Paris, Laurence Sigal, affirme dans une interview qu’ « il est clair que Kupka a eu une approche absolument pas religieuse de ce texte, mais une approche que l'on ferait d'un poème amoureux et sensuel », il faut noter qu’une dimension sacrée subsiste bel et bien dans le travail de Kupka. Elle ne réside pas tant dans la présence d’un chandelier à sept branches sur une des illustrations que dans le traité d’une lumière filtrée par des vitraux. Dans trois des gravures en effet, le vitrail joue un rôle capital. Ils se multiplient dans l’une, hommage aux rosaces multiples de la cathédrale de Chartres ; dans une autre, il annonce les compositions contemporaines de vitraux, du géométrisme de la chapelle de Ronchamp réalisées par Le Corbusier au milieu des années 1950 à la répétition linéaire de Soulages pour l’abbaye de Conques (1987-1994).

Je sens que vous trouvez tout ça un peu trop sérieux. Préféreriez-vous imaginer que la Sulamite de Kupka a pu inspirer l’Esmeralda de Jean Delannoy. Qu’à cela ne tienne et je vous fais juges ! Qu’en pensez-vous madame Lollobrigida ?

Une aquarelle originale de Robida, cerise sur les contes drolatiques de Balzac

2011-09-19T11:14:00.008+02:00


Robida. Aquarelle originale pour les Contes drolatiques

Balzac se prit un bide sidéral avec ses Contes drolatiques qui, c’est le moins qu’on puisse dire, ne firent pas rigoler ses contemporains. Pourtant il avait mis le paquet dans cette entreprise qui dans son esprit, aurait du comporter dix dixains de dix contes - un décaméron en quelque sorte - mais qui se solda par la seule parution de trois dixains en 1832, 1833 et 1837. Il avait présenté son projet par une charmante formule adressée en 1834 à la non moins charmante mais potelée madame Hanska : « Sur les bases de ce palais [que sera la Comédie humaine], moi enfant et rieur, j'aurai tracé l'immense arabesque des Cents Contes drolatiques ».

Il eut beau se mettre sous la gaillarde protection de Rabelais et à la mode du roman historique dont Walter Scott était prophète et pape, rien n’y fit. Ce fut un « succès négatif ! » dit Werdet, l’éditeur-créancier de Balzac, résumant par cette exclamation lapidaire l’avalanche des réactions et critiques qui fusèrent à la publication des dixains. Plus de vingt ans s’écoulèrent avant qu’un certain monsieur Caro, en 1859, passant outre la mauvaise première impression, se sentit« tenté de comparer le cerveau de Balzac à une vaste auberge où se rencontrent les hôtes les plus disparates. Là seulement peuvent s'attabler ensemble Rabelais et Swedenborg, Pantagruel et saint Martin:

Doré. Contes drolatique de Balza

et si la salle est obscure, si le cerveau est mal éclairé, ne vous en étonnez pas trop. Il est rempli des fumées d'une double ivresse, l'ivresse de la dive bouteille, versée à flots par Pantagruel, et l'ivresse de l'azur mystique dont Swedenborg sature ses tristes convives ». Le retour en grâce vint aussi de Barbey d’Aurevilly qui n’hésita pas à écrire en 1860 que « Balzac eut l'incroyable puissance de se planter sur les épaules la tête de Babelais, et même d'un Rabelais supérieur à Rabelais de toute la force de l'idéalité et du pathétique, que l'auteur du Pantagruel n'avait pas! ».
Il n’en restait pas moins que la grivoiserie persistante des sujets, la crudité des propos, le parti-pris d’écrire dans un français pseudo-médiéval fantaisiste avaient freiné la bienveillance des lecteurs habituels de Balzac.

Et c’est peu d’affirmer que rarement travail d’illustrateur n’eut plus d’importance dans la redécouverte d’un texte littéraire que ceux de Doré et Robida dans la renaissance des Contes drolatiques.

Robida. Contes drolatiques de Balzac

Mais ils y mirent le temps. Honoré cassait sa pipe en 1850 et ce ne fut qu’en 1855 que Gustave Doré entreprit de mettre sa plume au service des contes mal aimés. Le résultat est bouillonnant et truculent. Il est dans la lignée de l’œuvre des sculpteurs du Moyen-âge qui surent au fil des tympans, linteaux et chapiteaux expliquer la Bible aux fidèles qui maniaient mieux la binette que la plume d’oie. Or, Gustave avait un suiveur de qualité dans la personne d’ Albert Robida. Il se trouvait si bien sous l’ombre Dorée qu’il décida quelque temps plus tard de se mesurer non seulement à son maitre mais aussi à Honoré si plein, si entier que Rodin avait voulu le sculpter dans sa nudité créatrice avant d’être expressément obligé de voiler d’une robe de chambre fatiguée l’écrivain en gloire.

Il faut dire que dans le club très privé des bourreaux de travail, Balzac et Robida figurent en bonne place. A la Comédie humaine de l’un répondent les 60 livres écrits, 200 livres illustrés, la participation active à environ 70 revues de presse et les près de 60 000 dessins de l’autre. Cela dit – pour ceux qui auraient des velléités de comparer leurs productions à la sienne, avant qu’ils ne se mettent la tête dans les mains et le canon sur la tempe, je tiens à rappeler qu’il n’avait ni téléphone portable, ni ordinateur, ni iPad, ni réunions parents-professeurs, ni jolies jambes de jeunes fille à reluquer puisqu’elles portaient long les jupes et qu’il était myope comme une taupe. De surcroit, il avait à nourrir une famille très nombreuse dont il fuyait les bavardages et les chahuts en s’isolant pour travailler.

Paradoxalement attiré par le roman d’anticipation et par les récits médiévaux, il sut ménager la chèvre, comme nous le montrent La vie électrique ou le Voyage de fiançailles au XXe siècle, et le chou en réitérant en 1884 l’exploit de Gustave Doré (1872) d’illustrer avec brio l’œuvre de Rabelais. C’est donc tout

Robida. Cocquesigrues drolatiques

naturellement qu’il se frotta à l’interprétation pullulante et noire que fit Doré des Contes drolatiques. Il en donna une lecture plus aérienne bien qu’aussi fourmillante. Il dessina moins de faces grimaçantes que son ainé, mais plus de visages lisses de jeunes femmes polissonnes. II répondit à l’outrance du texte par des foules agglutinées, des chevaux élégants contrebalançant la balourdise des hommes et des bestioles échappées des tableaux de Jérôme Bosch.

Comme la cerise sur le gâteau basque, l’exemplaire que nous présentons contient une aquarelle originale de Robida, composition non retenue pour le conte intitulé La mye du roi. Sur celle-ci, on voit une très jolie jeune femme défendre sa vertu à l’aide d’un poignard que le roi lui a donné. Celui qu’elle repousse n’est autre que son mari au soir de sa nuit de noces. L’époux échaudé, s’arrache par poignées entières les cheveux qu’il a visiblement déjà commencé à perdre. C’est malicieux de la part de Robida. En effet, la nouvelle de Balzac s’achève sur une touffe arrachée par le mari trompé à la toison de celle qu’il croit être son ingrate mais légitime épouse. Elle s’avère n’être que celle sa chambrière (très au fait de la chose la chambrière, entre nous soi dit), mais brune alors que sa maitresse est blonde. Le pauvre bougre s’en apercevant est éconduit par la fidèle soubrette en ces termes: « — Mais, fist-elle d'un air de mespris, ne scavez-vous poinct, vous qui scavez tout, que ce qui est desplanté meurt et se descolore... ! ».

ACTUELLEMENT EN VENTE, LES LIVRES QUI NOUS ONT PERMIS D’ÉCRIRE CETTE LORGNETTE :

Albert Robida

[AQUARELLE ORIGINALE], [Robida], Balzac, Honoré de‎. ‎Les contes drôlatiques colligez ez abbayes de Touraine […]

Paris, Tallandier, s.d., (1927-1929).

3 vols in-4 brochés sous chemise et étui, dos ornés rouge et or, couvertures ornées. (6) ,IV, 262 pp. / (6), VI, 252 pp. / (6), VIII, 252, (2) pp.

Exemplaire enrichi d’une belle et fraiche aquarelle de Robida illustrant le conte La mye du roi, celle-ci ne figurant pas dans les illustrations retenues. Ouvrage illustré de 600 dessins de A. Robida in texte en noir et pleine page en noir et en couleurs.Un clic pour acheter ou se renseigner

Gustave Doré

[Doré], Balzac, Honoré de‎. ‎Les contes drôlatiques colligez ez abbayes de Touraine […]

‎Paris, Garnier Frères, s.d. (deuxième moitié du XIX^ème s.)

Fort in-8, reliure d'époque, Reliure d'époque, demi chagrin rouge, dos à nerfs, reliure signée V. Krafft. XXXI-614, (2) pp.

425 illustrations de Gustave Doré. Un clic pour acheter ou se renseigner

BIBLIOGRAPHIE :

E. Caro in la Revue Européenne, 1^ère année, 1859.

J. Barbey d'Aurevilly Les romanciers Paris,Amyot, 1860.

« Je ne déforme, ni n’invente, je suis un miroir ; je réfracte ! » du Audiard? Non! Du Forain.

2011-06-28T15:47:00.012+02:00

Forain et Caran d'Ache par Sem

Jean-Louis Forain (1852-1931) traina ses guêtres rue Campagne-Première qui abrita ses roupillons et ses beuveries partagés avec Arthur Rimbaud, au café Guerbois des Batignolles, Q.G. de Manet et des impressionnistes, à Médan alors encerclé par Zola, Maupassant et Huysmans, dans la cave d’Ambroise Vollard, les coulisses de l’Opéra, sur les pelouses des champs de courses sur lesquelles il fut surpris par Sem, discutant crayon et chiffon avec Caran d’Ache, dans les tranchées boueuses de 14-18 et les boudoirs capiteux de la jet-set d’après-guerre. A chaque fois, il garda ses quinquets grand’ouverts et imprima sur ses rétines les exactes images de l’air du temps.

« Je ne déforme, ni n’invente, je suis un miroir ; je réfracte ! » clamait-il. On aurait dit du Audiard avant l’heure. Or, c’était pourtant là, l’exacte vérité. On a pu s’en apercevoir lors de la rétrospective que le Petit Palais vient de lui consacrer et qui a permis d’envisager cet artiste sous le jour de son siècle. Passe-partout, il croqua les petits rats de l’opéra à la manière de son grand ami Degas à qui il chipa pastels et contrechamps ; il fut intronisé benjamin des impressionnistes avec lesquels il exposa quatre fois entre 1879 et 1886 ; il succomba comme Vuillard aux appâts de la peinture mondaine qui lui fit exécuter le portrait d’Anna de Noailles, « la seule ombre qu'en mourant (elle aurait voulu) laisser sur le mur de l'univers ».

Il fut surtout le fils naturel de la Littérature et de la Peinture qui en cette seconde partie du XIXème siècle filaient le parfait amour, liant la plume au pinceau et l’œil au verbe. Surnommé Gavroche en 1872 par Verlaine et Rimbaud alors que les Misérables parus en 1862 ne faisaient pas encore figure de monument national, il sera divinement comparé en 1914 par Apollinaire : « aucun homme sinon Molière ne sut s'élever comme Forain à ce sublime comique qui ne va pas sans amertume ». Mais c’est la grande amitié qu’il le lia à J.-K. Huysmans (1848-1907) qui illustre encore le mieux ce voyage de noces de l’encre et de l’huile. Il vanta et lança le jeune Forain, lui fit illustrer en duo avec Raffaëlli en 1880 ses Croquis parisiens, accrocha ses dessins de petites femmes nues aux murs qu’il remplaça plus tard par des images chastes et pieuses et continua sa vie durant à le recevoir à diner le dimanche soir avec d’autres intimes. C’est à cette table que l’abbé Mugnier ne put s’empêcher de s’exclamer : « [Forain ?] On a dû le baptiser au vinaigre !» Ses bons mots cinglaient en effet autant que ses caricatures qui savaient aller là où cela faisait mal, en d’autres mots, à l’essentiel. L’immédiateté de lecture de ses dessins cachait farouchement l’observation continuelle, l’analyse poussée, le travail parachevé du dessinateur. Interrogé sur le temps passé pour exécuter un dessin apparemment troussé sur un coin table, il répondit par une pirouette évocatrice: « Cinquante ans !»


Forain :: Comédie parisienne

Si l’exposition du petit Palais n’est plus visitable, actuellement en villégiature à la Dixon gallery de Memphis aux Etats-Unis, nous pouvons nous consoler en nous mettant sous la dent ses dessins de presse réunis en recueils. Sa Comédie parisienne réduite en 1892 par les éditions Charpentier à 250 dessins remplit parfaitement son dessein de « conter la vie de tous les jours, montrer le ridicule de certaines douleurs, la tristesse de bien des joies. » On y passe derrière le rideau de l’Opéra, on collectionne les lits défaits, les amateurs de grisettes, on oppose le gris bourgeois au rose petit peuple, on se moque gentiment de Zola, on sourit sonore. Seul le sexe faible semble se tirer de toutes les situations, même les plus scabreuses ou médiocres. J.-K. Huysmans, dans Certains en 1889 résumait le phénomène par cette formule : « M. Forain a voulu faire ce que Guys révélé par Baudelaire, avait fait pour son époque, peindre la femme où qu'elle s'affirme ». Dans Doux pays, Forain réussit l’exploit posthume de nous intéresser aux présidences de Carnot, Casimir Perier et Félix Faure, en pointant les mauvaises

Forain :: Doux pays

manières politiques, encore en vigueur aujourd’hui, en révélant la face cachée des événements officiels et en montrant les conséquences supportées par le quidam français. Ainsi, interpellée par un monsieur aux souliers crottés qui lui demande « où est le cireur de botte », une vieille vendeuse de journaux appuyée au comptoir de son kiosque lui rétorque impassible : « On vient de le nommer sous-préfet ».

Le XIXème siècle finit par passer l’arme à gauche et on entra dans la première guerre mondiale. Enrôlé à soixante ans bien tassés dans les ateliers de camouflage militaire, il s'arma de mines de crayon et de pierres lithographiques. Deux tomes de dessins, De la Marne au Rhin, en sont le fidèle témoignage. En raillant les politiques en veston cravate et les planqués de la côte d'Azur, en éclairant le flegmatisme des petits gens de l’arrière, en griffonnant les icônes à venir de cette première guerre totale, au nombre desquelles figure Verdun, Forain y fit montre d’une acuité qui ne s'émoussa pas avec la vieillesse et le tourbillon des années folles.

Forain :: Verdun

C’est d’autant plus frappant qu’en 1931, au jour de ses funérailles, Paul Léon (1874-1962), longtemps directeur Général des Beaux- Arts, qui avait fait entrer après-guerre Forain au musée du Luxembourg, acheva l’éloge funèbre de l’artiste par ce raccourci lumineux: « Cet ironiste était un tendre, ce sceptique un patriote, ce désabusé un croyant ».

LA LITHOGRAPHIE ET LES LIVRES QUI NOUS ONT PERMIS D’ÉCRIRE CETTE LORGNETTE, actuellement en vente à la librairie:

[Lithographie] Sem, Caricature de Forain et Caran d’Ache.

Sem caricature ici deux illustrateurs phare de l’époque.

Sont représentés, discutant sur le champ de courses Jean-Louis Forain et Caran d’Ache [Emmanuel Poiré], (1858 - 1909) fut un célèbre dessinateur humoristique et caricaturiste français. En 1898, Caran d'Ache et Forain co-fondèrent, le journal Psst… hebdomadaire satirique antidreyfusard qui connut 85 livraisons. 46 x 32 cm (hors encadrement). Lithographie encadrée. En savoir plus ou commander : envoyez-nous un e-mail!

Jean-Louis Forain La comédie parisienne

Paris, Charpentier et Fasquelle, 1892.

In-12, broché, couvertures illustrées en couleurs.

Edition originale, mention de septième mille. 250 dessins en noir accompagnés d'une légende assassine. En savoir plus ou commander : envoyez-nous un e-mail!

Jean-Louis Forain Doux Pays

Paris, Plon, 1897.

In-12, demi-chagrin, couvertures illustrées en deux tons conservées.

189 dessins en noir dont certains en planches dépliantes repassent les présidences de Carnot, Casimir Perier et Félix Faure, et pointent des mauvaises manières politiques en vigueur aujourd’hui encore. En savoir plus ou commander : envoyez-nous un e-mail!

Jean-Louis Forain De la Marne au Rhin. Dessins des années de guerre 1914-1919.

Paris, Editions Pierre Lafitte, collection des grands humoristes, 1920.

2 volumes in-8 brochés, couvertures illustrées.

Exemplaires sur grand papier du tirage de tête de l’édition originale numérotés et paraphés par le dessinateur à la mine de plomb. En savoir plus ou commander : envoyez-nous un e-mail!

En ce qui concerne l’exposition Jean-Louis Forain:

à la Dixon Gallery http://www.dixon.org/eventdetail.aspx?pid=5&eid=68

et anciennement au Petit Palais http://petitpalais.paris.fr/fr/expositions/jean-louis-forain-1852-1931

« La nature m’émeut parce que je n’ai pas peur d’avoir l’air bête lorsque je la regarde » reconnaît Jules Renard.

2011-04-19T12:44:00.015+02:00

Toulouse-Lautrec, Vallotton, Bonnard sont aux cimaises des plus grands musées, accrochés non loin les uns des autres pour cause de génie et de contemporanéité. Ils partagent l’autre point commun d’avoir fait des Histoires. Entendons-nous bien, il ne sera pas fait ici état de chamailleries ni de pinaillages mais de l’illustration des Histoires naturelles de Jules Renard. De grands artistes du livre se plièrent aussi à l’exercice avec la même réussite, au nombre desquels André Collot et Benjamin Rabier.

C’est Auguste Roubille qui s’y colle dans l’exemplaire ici présenté, spécialement imprimé en 1928 pour madame Jules Renard et protégé par une étonnante reliure verte estampée à froid d’une branche d’arbuste à laquelle s’accroche une toile d’araignée et sa belle locataire toute en courbes stylisée. La tonalité verte des bandeaux que Roubille dessina pour chacun des 85 textes, souligne avec peut-être plus de clairvoyance que ses condisciples, l’œuvre de Renard qui écrivait dans son Journal : La nature m’émeut parce que je n’ai pas peur d’avoir l’air bête lorsque je la regarde. Comme en écho, Henri Bachelin, son ami et biographe, dans l’étude littéraire qu’il lui consacra en 1909, faisait remarquer qu’il ne connaissait de lui aucune description de Paris. Dans Poil de Carotte en revanche, on sent bien que la campagne dut être le refuge de son enfance meurtrie et on peut imaginer qu’il s’y adonna à une contemplation toute pastorale. Il fallait au moins ça pour arriver à voir dans les gouttes de pluie, des « mouches d’eau » qui savent chasser celles qui colonisent le mufle des vaches ; une lune sans aiguille qui favorise la rêverie ; l’espoir chlorophylle qui colore la campagne. Roubille a su lire entre les lignes et instaure un vert Renard aussi significatif que le bleu Klein saura l’être plus tard. Ce vert magnifie d’un coup la peau rose du cochon, teinte l’eau de pluie, amortit le pas doublement boiteux des canards.

Or, s’il on veut rire beaucoup avec les Histoires naturelles, on doit accepter de se laisser par instants envelopper par un voile de nostalgie et de petites souffrances. Quand la Brunette meurt, sans un meuglement de plainte, le narrateur ne sait pas vraiment ce qui l’a retenu de dire au sonneur de l’église : « Tiens voilà cent sous. Va sonner le glas de quelqu’un qui est mort dans ma maison ». Sans doute encore cette peur d’avoir l’air bête face à son semblable. Face au reste de la création en revanche, cette retenue disparaît et une bouffée de d'humour reconnaissant secoue l’œuvre. Renard croque le meilleur ami de l’homme, sa plus belle conquête, l’oiseau joli, le cerf, l’abeille ou l’écureuil, mais il s’attarde également à chanter le cafard noir et collé comme un trou de serrure, le serpent, la chauve-souris, le dindon, la pintade, le cochon ou le ver de terre. Pour ce faire, il ne se sert d’aucune échelle de valeur, préférant enfiler sa vieille peau de Poil de Carotte plutôt que revêtir l'habit amidonné de Buffon ou de Darwin.

Tous les animaux arrivent premier ex-æquo sous sa plume. La seule espèce qu’il relègue en seconde et dernière position, c’est l’homme. Certaines des formules les mieux senties le sont à nos dépens : pensionnat des dindes, dents d’anglaise, escargot qui bout comme un nez plein. Nos méchancetés sont simplement décrites, pas même évaluées ni critiquées. Le morceau de sucre accroché au cou d’un petit garçon puni qui gratte et qui cuit la peau, la boulette empoisonnée donnée au chien Dédèche aimé mais vraiment trop incommodant, le cochon qu’on force à se vautrer, une réclame d’armurier « On tue net, on tue loin » nous remettent à notre place. C’est terriblement efficace. On baisse la tête.

Mais il y a toujours ce tendre vert Renard, ces illustrations douces comme des dessins aux crayons de couleurs que les enfants d’aujourd’hui boudent, ce trait tout en courbe, ces gros plans inédits. Ces partis pris de l’illustrateur nous réconfortent, servent le texte et ouvre une ultime piste de lecture. Ils nous montrent l’écrivain sous son véritable jour. Athée – il sera enterré civilement – Jules Renard se révèle pourtant grand prêtre...de l’animisme hexagonal. Les gouttes de pluie jouent les justicières, les herbes parlent, certains arbres ne se méfient pas, d’autres se mettent en colère, l’abeille veut passer chef de rayon , l’arrosoir a des accents dictatoriaux ( Si je veux, il pleuvra ), le cerf écoute et flaire les paroles de Jules Renard. Il doit avoir appris à lire en douce, le cerf pour avoir compris le but que s’était fixé l’écrivain dans le préambule de son recueil : Moi, je voudrais être agréable aux animaux mêmes. Je voudrais, s'ils pouvaient lire mes petites Histoires naturelles, que cela les fît sourire.

C’est en bon disciple de Pan, qu’il couchera par écrit dans son Journal le 10 décembre 1899 la supplique suivante : Faites à ma statue un petit trou sur la tête afin que les oiseaux y viennent boire.

Une statue a bien été érigée ; elle existe toujours, plantée sur une place de Chitry les Mines mais on n’y devine aucun abreuvoir. Le seul trou post-mortem qu’on fit à Renard, c’est celui que ménagea Marinette dans son Journal qu’elle censura allègrement avant de le laisser publier et dont elle fit ensuite un feu de joie. Ces dizaines de cahiers d’écolier partis en fumée, elle respira.

Agonisant, il lui avait soufflé : Marinette, pour la première fois, je vais te faire une peine, une très grosse peine... Elle, c’est aux lecteurs qu’elle a fait un très gros chagrin. Jules avait écrit que Tout le monde ne peut pas être orphelin, il aurait pu ajouter que tout écrivain ne peut pas mourir veuf ou célibataire. On remerciera juste, du bout des lèvres, Marinette Renard d’avoir pieusement conservé son exemplaire des Histoires naturelles illustré par Roubille que nous venons avec bonheur de feuilleter.

LE LIVRE QUI NOUS A PERMIS D’ÉCRIRE CETTE LORGNETTE est actuellement en vente à la librairie:

[Roubille], Renard, Jules. Histoires naturelles. Lithographies en couleurs de A. Roubille.
Paris, édit. d'art Manuel Bruker, 1928.
[4], faux-titre, frontispice, titre, [2], 201 pp., [15] pp. dont table et justification du tirage.
In-4, demi-maroquin vert, plat estampée à froid d’une branche d’arbuste à laquelle s’accroche une toile d’araignée et sa belle locataire toute en courbes stylisée, dos à nerfs orné de la même araignée. Reliure non signée. Dos légèrement passé. Couvertures et dos conservés.
Tirage limité à 230 exemplaires. Exemplaire nominatif de madame Jules Renard. Frontispice et 85 lithographies en couleurs par Auguste Roubille. En savoir plus ou commander : envoyez-nous un e-mail!

Le grand-oncle de Tintin s'appelait Narcisse Nicaise; celui de Milou, Pierrot.

2011-03-17T12:08:00.016+01:00

J’ai rencontré l’autre jour un ami qui, d’un air navré m’a confié qu’il allait fêter des soixante-dix-sept et que par conséquent, son temps était compté.

Évidemment, je me suis récriée, j’ai argumenté, blagué et ai fini par lui lancer, consternée par ce visage que je n’arrivais pas à dérider : « Et puis vous savez, si ça se trouve je passerai l’arme à gauche avant vous ». A ces mots, une franche hilarité a pris mon bonhomme. Je tâchai de savoir si c’était mes lamentables efforts ou bien la perspective de me mettre dans le trou qui l’avait ainsi mis en joie. Que nenni ! Je n’y étais pas du tout : c’était la perspective sinistre de ne plus avoir le droit de lire Tintin dans quelques semaines, qui le minait ainsi.

Et de me demander en moi-même, ce qui en effet, arrivait lorsqu’on enfreignait cette loi implacable édictée en 1947 par l’équipe du journal Tintin et que l’on retrouve au dos d’anciennes éditions des albums de Casterman. Avait-on le cou piqué par une fléchette de poison-qui-rend-fou ? Était-on abandonné aux mains des sbires du général Tapioca, aux cordes vocales de La Castafiore, aux seringues de Krollspell, au fox terrier rouge et démoniaque de Milou ? Haddock vous refilait-il son horripilant morceau de scotch ?

Ça avait dû ficher une sacrée trouille à Hergé lui-même puisque, né en 1907, il se débrouilla pour mourir en 1983 à… 76 ans. L’affaire était grave. Alors j’ai dit : « Général, ne vous en faites pas ; trinquons plutôt. Resservez-moi une larme de votre ti’punch maison ; et Manuia comme on dit à Tahiti »! Restait qu’il fallait que je fasse diversion et comme la culture c’est comme la confiture, moins on en a, plus on étale, j’ai étalé : il devait relativiser, se rappeler qu’après tout Hergé n’était pas le deus-ex-

machina de la ligne claire ! Tomasi et Deligne n’avaient-ils pas relevé de possibles emprunts dans leur Tintin chez Jules Verne ; un certain Frank Madsen dans A Search for the Inspirational Sources of Hergé ne recensait-il pas de multiples inspirations littéraires et cinématographiques, avec en tête des hommages visuels aux Marx Brothers et à Charlot.

Nombreux furent ceux qui, étant tombés petits dans les ondes hergiennes, tentèrent, une fois devenus grands, de mettre leur pierre à l’édifice. Pierre qui prit l’allure d’un bloc de granit chez Numa Sadoul, qui ressemble à un petit caillou chez d’autres : « Tenez ! Moi par exemple ! J’ai trouvé l’autre jour un volume en percaline rouge qui a éveillé mon attention. Il s’agit des Aventures périlleuses de Narcisse Nicaise au Congo publiées chez Charavay en 1890 par Armand Dubarry (1836-1910), un écrivain et journaliste fort en vogue à son époque. Pour vous la faire courte, Narcisse Nicaise, naufragé sur les côtes du Congo, tente de retrouver coûte que coûte la civilisation, accompagné dans cette quête et comme l’affirme Seillan dans ses Sources du roman colonial, d’un « caniche bavard qui annonce celui de Tintin ». Et en effet, si Milou n’est pas avare de conseils et de petites phrases bien senties, il tient furieusement en cela de son modèle littéraire Pierrot, le toutou de Narcisse Nicaise, qui ponctue leurs éprouvantes expériences de commentaires ad hoc. Nous noterons que ces apartés sont également parfaitement compris des lecteurs. Quand le « caniche se [met] à aboyer d’une façon menaçante, et de l’air d’un gaillard qui braille « arrière, vile multitude ; place au vainqueur des crocodiles, des buffles et des lions ! » ou lorsqu’il « lui [adresse], dans son langage de chien, des compliments enthousiastes », on pige aussi bien que lorsque Milou ironise dans L’oreille cassée : « Encore un peu et il se croira l’égal de Sherlock Holmes ».

L’attachement de Narcisse et Tintin pour leur chien apparait identique. Au péril de sa vie, Nicaise blottit Pierrot dans ses bras et traverse une rivière infestée de crocodiles ; A la suite d’une attaque violente de mandrills, « ne voyant ni près de lui, ni ailleurs le cher caniche, il [sent] les sanglots lui monter à la gorge. « mon pauvre ami ! »...balbutia-t-il ». A son exemple, le jeune reporter pleure la disparition de Milou dans le Pays des Soviets et encore dans Vol 714 pour Sydney, alors même qu’il est lui-même séquestré et promis à un avenir bien sombre. On n’est pas loin non plus du rapt de Milou par un condor dans le Temple du Soleil, quand Narcisse voit un aigle-épervier « [enfoncer] ses serres dans la peau du chien, [et battre] des ailes », avant de le laisser retomber. Il avait eu les yeux plus gros que le ventre, plus solides que les ailes.

Vous me direz, et vous aurez alors fait preuve d’un brillant sens de l’observation, qu’un caniche n’est pas un fox-terrier. Soit. Cependant « Pierrot qui devait son nom à la blancheur de sa toison, était doué d’autant de cœur que d’intelligence […] Gai, dévoué, instruit, il était, pour son maître, un agréable et fidèle compagnon ». C’est le portrait craché de Milou, ça ! Vous n’êtes pas convaincus ? Et bien apprenez, lecteurs de peu de foi, que Pierrot commence sa mue en fox-terrier dès la p. 44 du roman de Dubarry puisqu’il est alors amputé de sa queue de caniche et qu’il continue sa traversée du Congo avec une queue…de fox-terrier.

Quant au Congo…parlons-en! La comparaison avec Tintin au Congo devient évidente lorsqu’on prend la peine de lire attentivement ce mélange de narrations picaresques, de fourvoiements zoologiques, clichés impérialistes et gags pré-cinématographiques. Cette parfaite illustration de la réplique de Molière : « Mais qu’allait-il faire dans cette galère ? », au fil de la lecture, se révèle en effet bourrée de références réinjectées dans l’album d’Hergé. Énumérons : Narcisse et Pierrot tout comme Tintin et Milou partagent la même cabine de bateau. Le héros tire un coup de fusil à bout portant dans la gueule d’un crocodile comme le fera Tintin. Pierrot se jette dans la gueule d’un boa constrictor qui doit se chauffer du même bois que celui qui avale Milou en 1930. Ils en réchapperont tous les deux, Milou en créant le premier serpent à pattes de la Création. En deux coups de fusil de Narcisse, cinq oiseaux tombent ce qui visuellement, n’est pas sans rappeler le carnage des gazelles de Tintin. Nicaise et Tintin blessent chacun à leur tour un éléphant qui devenu forcené déclenche une cascade de rebondissements. Nicaise se retrouve à cheval sur le dos d’un rhinocéros. Tintin en même position, chevauche un buffle furibard. Pierrot est élevé avec son maître au rang de fétiche comme le sera Milou dans l’album, qui snobera le temps de quelques cases son maitre bien aimé.

Car Milou n’est pas irréprochable et la couardise de Pierrot qui abandonne son maitre lors d’un pugilat dans un village d’indigènes fait fortement écho à la sienne quand, au Tibet, il pétoche devant un yak qui gentiment mâchouille l’écharpe de Chang enroulée autour du cou de Tintin qui manque alors d’être étouffé.

N’en jetons plus, la cour est pleine. Ces ressemblances factuelles peuvent difficilement être contredites. On ne verrait d’ailleurs pas quel intérêt on aurait à le faire. Car enfin, c’est parfaitement touchant d’ajouter un livre à la bibliothèque du jeune Georges Rémi qui devenu Hergé confiait en mars 1957, à l’hebdomadaire Femmes d’aujourd’hui : « J’ai très peu voyagé, sinon dans les livres ».

« Général, vous n’êtes pas d’accord avec moi ? … Général ? ». Mon septuagénaire se tait et arbore un sourire sardonique qui ne me dit rien. Il me prépare un coup… qu’il assène enfin : « C’est très joli vos explications. Mais voyez-vous, pendant que vous soliloquiez, je me suis souvenu que Benoît Peeters assurait que nous étions tous les « éternels fils de Tintin ». Du coup, je crois que je vais gentiment tuer le père en lui désobéissant. Et que le grand cric me croque si sa statue de commandeur vient m’arracher à mon album ». © texte et photos villa browna

LE LIVRE QUI NOUS A PERMIS D’ÉCRIRE CETTE LORGNETTE est actuellement en vente à la librairie:

Dubarry, Armand. Aventure de Narcisse Nicaise au Congo

Paris, Charavay, Mantoux et cie, s.d.

In-8, demi-veau. 245 pp.

Nombreuses illustrations pleine page en noir de Kauffmann étayent ces aventures picaresques qui par de nombreux côtés annoncent celle de Tintin. En savoir plus ou commander : envoyez-nous un e-mail!

[Lorgnette écrite par Valentine del Moral.]

BIBLIO // Tomasi et Deligne, Tintin chez Jules Verne Lefrancq Littérature, 1988.

Frank Madsen A Search for the Inspirational Sources of Hergé: Examples of Contemporary Inspiration in Hergé's Work. http://www.tintinologist.org

Jean-Marie Seillan, Aux sources du roman colonial (1863-1914): l'Afrique à la fin du XIXe siècle. Karthala Editions, 2006.

Benoît Peeters, Hergé. fils de Tintin, Paris, Flammarion, collection « Grandes Biographies », 2002.

Savez-vous jouer au chnif chnof chnorum ? Non? Vous préférez remplir une grille de loto? Mauvaise pioche!

2011-01-26T12:10:00.011+01:00

Savez-vous jouer à Berlurette ? à Combien vaut l’orge ? à J’aime mon amant par A. ? aux Ciseaux croisés ? Non ? Au jeu des paquets ? à l’anguille ? à l’esclave dépouillé ? Non plus ! Quelle tristesse ! Vous êtes bon pour des voyages en voiture interminables, des après-midi maussades par la faute de Darty qui n’a pas pu livrer à temps votre nouvel écran plat, des goûters d’anniversaire en ronde autour de la Wii, des empoignades familiales salées et un Alzheimer carabiné.

Pour combattre tous ces maux, il suffirait cependant de brandir un petit volume d’à peine 15 centimètres sur 8, benoitement intitulé Les soirées amusantes mais précisément sous-titré Entretien sur les jeux à gages et autres, qui peuvent amuser les jeunes personnes, tant à la ville qu’à la campagne, surtout dans les soirées un peu longues. On est, dans ce curieux petit livre, comme dans le scénario originel du Prisonnier, cette série de télévision culte des années 60 dans laquelle un agent secret britannique se retrouve captif d’un village idyllique et esthétique dirigé par des drôles de numéros.

Il se trouve qu’en guise de numéro, Huvier des Fontenelles nous en fait un de charme en décidant pour sa part d’enfermer dans une charmante propriété, une brochette de personnages enragés des jeux. Il leur donne des noms hautement bucoliques : monsieur et madame de la Rivière, madame et mademoiselle de la Haute Futaie, madame du Bois et son fils, mesdemoiselles du Ruisseau, du Gazon et Rose, sœurs de leur état, madame du Ruisseau, madame du Frêne et son fils, mademoiselle du Bocage, monsieur des Jardins, monsieur de la Forêt, les abbés Printemps et des Agneaux, le chevalier Zéphir. Or, loin d’être une bluette pastorale et bien que chacun y aille de sa promenade quotidienne, l’ouvrage qu’écrit Huvier est une mine de renseignements sur les jeux de cette seconde moitié de XVIIIème s. et une ébauche de psychologie du joueur.

Il s’appuie pour bien faire sur un certain séjour qu'il fit « dans la maison de campagne de M.B*** située à Montevrain (localisable dans la partie de l'île de France que la révolution nommera bientôt Seine-et-Marne ). Des jeunes gens y jouèrent à cinquante de ces petits jeux qui s’échappent de la mémoire, et dont on voudrait souvent se souvenir dans l’occasion. On ne peut pas toujours danser, faire de la musique et tenir des cartes ». C’est précisément pour se les rappeler et pour en donner les règles qu’Huvier livre son souvenir en un dialogue amusant qu’on jurerait avoir inspiré la comtesse de Ségur.

Dans cette « maison ludique », l’auteur fait donc jouer ses cobayes à de nombreux jeux de salon qui leur auront été au préalable expliqués par le fringant abbé des Agneaux, pas aussi doux que son patronyme pourrait le faire croire. A son exemple, les autres protagonistes apparaissent eux aussi plus rugueux et moins champêtres que prévu. Ainsi, madame du Bois affublée d’un fils assez haïssable et réfractaire aux jeux d’esprit, est une farouche adepte du loto, qui « est à la portée de tous les joueurs [… et qui ne lui] demande pas de contention de l’esprit ».

A l'opposé, Huvier prône les petits jeux à gages dont quelques-uns sont encore aujourd’hui bien connus tandis que certains autres mériteraient de renaitre de leurs cendres. Il n’est pas contre non plus une joyeuse partie de quilles, de volant ou de Cherche une épingle au son du violon, jeu trivialement nommé de nos jours Cache-tampon. Je t’en ficherai du Cache-tampon, tiens ! Moi, je réclame du Colin-maillard à la silhouette (parfait pour mettre le feu à la baraque), du jeu du coton qu’on souffle (efficace pour éloigner un empêcheur de jouer en rond), du Répondez-moi sans E. (remis au gout du jour par Georges Perec dans sa Disparition), du Frère Pancrace êtes-vous mort ? (bien mieux que le rendez-vous à la piscine pour se rendre compte de la plastique de son amoureux), du Untel n’aime pas les os ; avec quoi le nourririez-vous ? (qui fera se fâcher tout rouge les plus mauvais joueurs), et pourquoi pas à la Poussette puisque Huvier a « entendu dire que des personnes de la plus haute distinction & du plus grand génie avaient joué à la poussette, où les enfants disent : digue, dogue, savatte ; (il est vrai qu’ils y jouaient avec des louis) ». Ah le jeton ! Ah ! le gage! Ah ! le louis enfin, qui saurait faire rentrer le Chnif chnof chnorum au casino de Deauville ! Vive les nerfs de la guerre ludique!

Et pourtant ! Il restera toujours des mauvais coucheurs à l’exemple de la grosse madame du Bois. Cette dondon grognon a beau entendre dans le salon d’à côté où elle boude, les hôtes de Montevrain s’exclamer dans de grands rires, commenter les règles avec esprit, jouer dans la bonne humeur, elle ne daigne apparaître que pour présenter son petit du Bois, jeune freluquet qui ne passe pas l’examen de l’assemblée joyeuse. Et mademoiselle Gazon de conclure : « comme il a l’air niais, pour un jeune homme de seize ans ! Qu’il est gauche ! Le pauvre garçon, il a bien fait d’être riche ! » Le reste du temps, madame du Bois raille ces « jeux enfantins » et n’en démord pas : le loto, ya que ça de vrai. On lui répond philosophiquement que « tout le monde joue au loto, parce qu’il ne faut à ce jeu que du bonheur, & que tout le monde a des prétentions au bonheur.» comme « tout le monde juge des ouvrages de littérature, les uns bien, les autres mal, parce que les uns ont de l’esprit & que les autres n’en ont pas ». Ce à quoi un des abbés ajoute avec malice qu’« on lit quelquefois des petits ouvrages de littérature [seulement dans l’idée de] se désennuyer »…

La messe est dite : je n'irai pas faire valider ma grille d’Euromillion (ça risque d’être dur) et je ne lirai pas le dernier Pancol (ça tombe bien, je n’y comptais de toutes les façons pas).

Par contre, je vais filer acheter un paquet de cartes, du coton en vrac et quelque rubans, en répétant sans fourcher chnif, chnof, chnorum ; chnif, chnof, chnorum ; chnif, chnof, chnorum !

LE LIVRE QUI NOUS A PERMIS D’ÉCRIRE CETTE LORGNETTE est actuellement en rayon à la librairie:

[Huvier des Fontenelles, Pierre-Marie-François]. Les Soirées amusantes, ou Entretien sur les jeux à gages, et autres, Qui peuvent amuser les jeunes personnes, tant à la Ville qu'à la Campagne, sur-tout dans les soirées un peu longues.

Paris Veuve Duchesne, rue S. Jacques, au Temple du Goût, 1788.

XVI, 291 pp., table, (1)f. de pl.

Petit in-12, plein veau marbré, dos lisse orné, pièce de titre. Tranches marbrées. Quelques légers frottements. Un petit manque à la coiffe supérieure.

Édition originale bien complète de la planche présentant deux tables de biribi. L'auteur est identifié par Barbier. Antoine Huvier, frère de l’auteur, dans son troisième journal daté de 1823, écrit que P.-F. Huvier des Fontenelles, « par son esprit original et un peu caustique sans méchanceté, il étoit l'âme de nos réunions de famille et en faisoit tout l'agrément. Il avoit fait de bonnes études au collège de Juilly et joignoit, à beaucoup de facilité pour faire des vers, des connoissances en littérature ».

Bibliothèque champenoise, 407, « Les exemplaires en sont devenus bien rares ». Barbier, Dictionnaire des anonymes III, 265 et 266. En savoir plus ou commander : envoyez-nous un e-mail!

[Lorgnette écrite par Valentine del Moral.]

Tous saints ! Y compris les saints en veston et en pull-over.

2010-11-02T11:12:00.006+01:00

Ainsi donc, cette année encore la Toussaint avec sa kyrielle de saints a terrassé Halloween avec sa tripotée de gamins grimés et moches. Si en France, on avait gobé jusque là et sans broncher le chewing-gum, les traductions yé-yé des tubes américains et le menu Big Mac (avec une grande frite s’il vous plait), on résiste étonnement à la mascarade d’Halloween. C’aurait pu devenir le combat des Dracula, Miss Tic et Dark Vador du coin contre tous nos saints de partout. C’aurait pu. Mais comme le remarquait déjà en 1962 dom Philippe Rouillard avec un sens certain de la prémonition ou plutôt avec un petit coup de pouce de l’Esprit-Saint : « il est heureux que notre temps ait découvert, entre autres choses, que l’habit, qui ne fait pas le moine, ne fait pas non plus le saint [… et que cela] se traduit par de nombreuses canonisations de saints de tous les jours, de saints en veston et en pull-over, de saints en blouse blanche ou grise, de saints en blouson kaki, bleu ou noir, et plus seulement de saints en mitre, en cornette ou en capuchon ». Déjà au tournant du siècle dernier, en 1899 et 1900, à Notre-Dame du Travail dans le 14ème arrondissement de Paris, le peintre Uberti avait mis en pratique les futurs propos de dom Rouillard. Sous l’impulsion du père Soulange-Bodin, il avait figuré les saints de corporation, Eloi pour les métallurgistes, Joseph pour les charpentiers, Luc pour les ouvriers d’art. Il était plus facile de prier ces saints de tous les jours plutôt que, au hasard, Saint Papoul dont « on a oublié la vie, mais [dont on] ne risquait pas d’oublier le nom », Chérémon, « ermite au désert d’Egypte au IVe siècle : sa vie est malheureusement quelque peu ensablée » ou même Dydime « soldat en garnison à Alexandrie, [qui] tira sainte Théodora d’une fâcheuse posture et eut la tête coupée pour s’être payé celle de son colonel ».

N’empêche que ces saints-ci ne sont pas moins aimables et que le Dictionnaire des saints publié par Robert Morel en 1963 nous les fait aimer plus encore. Leurs biographies expresses brossées avec un sens aigu du raccourci par dom Rouillard, ont, en même temps, été marquées de l’imprimatur de Gérard Huyghe, évêque d’Arras et placées sous le sceau du jeu de mot et de l’humour. Les faits, avérés bien que sacrément dépoussiérés, donnent à la consultation de ce dictionnaire des allures de lecture buissonnière : on va de saint Loup qui « succéda à saint Ours (sic) comme évêque de Troie » à Clotaire dont la sainteté est « une forme qui consiste à ne rien faire d’extraordinaire », en passant par Oreste, « médecin, atteint de l’amour du Christ de façon incurable. Une opération…de police ne put qu’en faire un martyr ». Il est à parier, qu’à l’exemple de Saint Laurent et sa grille, saint Cécile et sa harpe, saint Jérôme et son lion, Oreste ait hérité d’un attribut qui nous permette de le reconnaître. Serait-ce un gyrophare ? On douterait à moins. On pourra toujours s'en assurer en filant jeter un œil à une publication toute récente des éditions De Vecchi, le Guide des saints et de leurs attributs . Reconnaître et identifier plus de 600 figures chrétiennes par Bertrand Galimard Flavigny. Au format de poche, ce qui est bien pratique pour arpenter les églises parisiennes ou les musées des beaux-arts de province, cet opuscule à double entrée permet astucieusement, une recherche par nom de saint et une autre par attribut. Or, Oreste ne figure pas à l’index. Mais que sont 600 élus dans la "foule immense [d'élus], que personne n'aurait pu dénombrer, de toutes les nations, tribus, peuples et dialectes" évoquée par saint Jean dans son Apocalypse! Pour tout l'or du monde, on ne se serait pas mis à la place de l’auteur qui dut trancher dans le vif du calendrier en implorant sainte Rita d’un côté et en abhorrant le format du bouquin de l’autre. A sa décharge, le nom d’Oreste au premier abord évoque plutôt le fils d’Agamemnon, le faible frère d’Electre, le meurtrier de Clytemnestre sa man-man, la proie favorite des sœurs Erynnies avec en guest-star Mégère. Ah les furies! Ce serait peut-être marrant de se faire une tête de Mégère apprivoisée et d’aller tourmenter le 31 octobre prochain les voisins enchainés à leur tantalesque télévision . Ce serait peut-être marrant. Lorgnette écrite par Valentine del Moral.

LES LIVRES QUI NOUS ONT PERMIS D’ÉCRIRE CETTE LORGNETTE sont:

actuellement en rayon à la librairie :
Dom Philippe Rouillard Dictionnaire des saints de tous les jours. Suivi d'une étude sur les miracles par Pierre Teilhard de Chardin.
Haute Provence, 1963.
In-16 toilé éditeur, plats encollés.
361 p. dont faux-titre et titre.
Edition originale numérotée.

dans toutes les bonnes librairies:
Bertrand Galimard Flavigny Guide des saints et de leurs attributs - Reconnaître et identifier plus de 600 figures chrétiennes.
Paris, De Vecchi, 2010.
191 pp.
In-12 broché, couvertures illustrées.

La méchante bébête à bon dieu du Gévaudan

2010-10-14T15:25:00.013+02:00

L’abbé Pierre Pourcher (1831-1915), enfant de Lozère, abbé du Gévaudan, revint un beau jour les bras chargés d’une presse à bras, d’un lot de caractères d’imprimerie, de rames de papier, de pots d’encre. Il avait décidé de devenir curé-éditeur.

A parcourir les titres des volumes parus, on constate que ses goûts le portèrent très vite vers les êtres malfaisants en commençant par l’idole des affreux, l'antéchrist. Il fait paraître en 1880, son édifiante radiographie sous le titre Antéchrist, son temps et ses œuvres d’après l’écriture sainte et les saints pères. Néanmoins, ce seront les apostats régionaux qui bientôt monopoliseront son attention. Il y aura d’abord Matthieu Merle, une brute convertie au calvinisme qui s’auto-bizuta en s’acharnant sur les prêtres catholiques de sa campagne. A tel point, qu’en février 1581, il régnait par la terreur sur tout le Gévaudan, donnant à Pourcher matière à composer et imprimer un saignant Merle et seize cents prêtres massacrés.

Toutefois c’est surtout à la starlette du coin que le bon abbé destina sa meilleure huile de coude. Il se passionna en effet des années durant pour une méchante bébête à bon dieu, la Bête du Gévaudan, véritable fléau de Dieu, comme il la nomma. Consciencieusement, le brave homme compulsa les ouvrages de la bibliothèque Nationale, les articles de MM. André père et fils parus au Bulletin de l’Agriculture, les archives de l’Hérault, les registres paroissiaux. Il parcourut des kilomètres de caillasse pour aller à la rencontre des descendants des victimes afin de recueillir scrupuleusement leurs témoignages. Pourcher avait beau faire ses recherches dans les années 1880, soit plus de cent ans après les faits qui s’étalèrent de 1764 à 1767, le souvenir des carnages était encore vif dans les mémoires. Si on voulait ne citer qu’une seule preuve, on évoquerait le témoignage d’un écossais de passage, un certain Robert-Louis Stevenson, qui en 1879, renvoyait à la popularité de la bête, dans le récit de son Voyage avec un âne dans les Cévennes, précisément quand il vint à brosser le portrait de « deux véritables petites pestes qui ne pensaient qu'à jouer de mauvais tours. L'une [lui avait] tiré la langue, l'autre [l’avait] invité à suivre le chemin emprunté par les vaches ; toutes deux ricanaient et se donnaient de petits coups de coude. Dans les environs, la Bête du Gévaudan [avait] dévoré près d'une centaine d'enfants ; l'animal [lui] devint vite sympathique ».

Mais revenons à nos moutons…à notre âne… à notre Bête plutôt, et concentrons-nous sur son hagiographe. Il se trouve en effet, que l’abbé était lui-même un des descendants de ceux qui approchèrent la calamité à poil. Rares sont ceux qui ont relevé le fait. Il est vrai qu’on l’apprend presque par hasard, en lisant les documents exhumés des archives de l’Hérault : « Un jour du mois d’octobre, Pourcher Jean Pierre, le père de mon aïeul, […] avait fait battre des gerbes toute la journée […] dans la grange au delà du village [de Julianges là même où l’abbé naquit]. Il n’était pas nuit et la neige couvrait tout. [Par une petite fenêtre, il vit quelque chose]. Une espèce de frayeur le saisit. […] Presqu’aussitôt il lui arrive une bête qu’il ne connaît pas, c’est La Bête se dit-il. […] il fait le signe de croix et lui lance un coup de fusil. La bête tombe, se relève, se secoue et sans bouger de place, elle regarde furieuse autour d’elle. Le père de mon grand père lui lance un second coup de fusil, cette fois-ci elle tombe et jette un cri sauvage, se relève, se secoue, et part faisant un bruit semblable à celui d’une personne qui se sépare d’une autre après une dispute. »

Pas besoin d’être Bettelheim ou bien Freud pour comprendre le pourquoi du comment de cette enquête magistrale qui va être publiée à une petite centaine d’exemplaires. Pour bien faire gémir ses presses, l’émule de la Bible et de Gutenberg aurait paraît-il opté pour des caractères d’imprimerie taillés dans le buis. Etant donné la monstruosité du bestiau, on se serait attendu à l’emploi de l’érable, du frêne, de l’aubépine ou du tremble, préconisés dans la fabrication des pieux spéciaux « cœur de vampires ». Mais non, c’est le buis qui fut choisi, le même qui constitue les rosaires, le même qui entre dans les maisons au dimanche des Rameaux. Il faut dire aussi que c’est une essence qui sied particulièrement au travail d’imprimerie. Donc, en 1889, l’abbé commence à imprimer sa somme. Il y met assez d’amateurisme cependant pour que quelques pages bavouillent gentiment sur le papier, que d’autres semblent atteintes d'une phtisie galopante tant elles sont pâles et peu encrées, que certaines lignes aient tendance à se faire la malle en prenant une pente douce mais sans appel.

Cependant, rien ne peut arrêter le lecteur, une fois qu’il a entamé ces 1040 pages. On y suit pas à pas les fringales de la bête et les espoirs déçus des chasseurs régionaux ou royaux, français ou européens. On lit des témoignages totalement saugrenus comme celui d’un piqueur de M. le comte de Montesson, tiré d’une lettre à son maître du 26 avril 1765. Après avoir résumé les lamentables chasses passées, le brave homme confie à son seigneur que ses « six chiens se portent bien » mais que le temps est exécrable plein de « neiges, grêles, foudres, vents et pieds mouillés » et il le prie, s’il n’est pas encore « parti pour le Gévaudan, d’oublier ce voyage, car c’est un pays abominable : très mauvaise nourriture […] que des bouillons rafraichissants faits de mauvais beurre. On ne trouve point de bœuf dans le pays »… En revanche des loups, il y en a des tripotées. De nombreux spécimens sont tués qui ne sont pas la Malebête. On finit par se demander si c’est vraiment un canis lupus que l’on doit traquer. Les colporteurs diffusent alors des images sur lesquelles la bête du Gévaudan prend l’apparence d’une panthère, d’une lionne, d’un singe ou d’un monstre hybride ; les chasseurs tirent souvent dans le mile mais les balles semblent ricocher comme repoussées par une cuirasse ; des témoins la voient rire et se dresser sur les pattes de derrière, les fixer insolemment. Et puis il y a les victimes, quasi-uniquement des femmes, des jeunes filles et de très jeunes garçons. Et puis, il y a ces têtes décapitées, ces corps tués et abandonnés sans avoir été ne serait-ce qu’un peu dévorés, ces vêtements pliés à côté d’une jeune beauté nue et froide. Et il y a toujours ce regard frondeur qui ressemble si peu au regard d’un animal sauvage. Plusieurs ont été pour y voir un pré-serial-killer, au premier rang duquel Grand Papa Pourcher qui sans paraître se rendre compte de l’énormité de son propos, compare l’animal à une « personne qui se sépare d’une autre après une dispute ». Les plus hardis se sont risqués à donner un visage au tueur en série. Il se serait appelé Jean Chastel, aurait été garde-forestier, aurait connu des protections haut placées, se serait trouvé à de nombreuses reprises à proximité des lieux des attaques et surtout aurait été emprisonné en 1765 durant la seule vraie période de latence de la bestiole. Il aurait également été… le tueur de la Bête le 19 juin 1767. On suppute un terrible dressage secret, on imagine des complicités actives, on regrette la police scientifique.

Il reste que l’abbé Pourcher s’en tint obstinément au présupposé que la bête était un Fléau de Dieu. N’empêche. N’empêche qu’il acheta le fusil du fameux Chastel. C’est un monsieur Mouton - ça ne s’invente pas - qui se porta acquéreur pour son compte de l’arme célèbre qu’il paya 22,50 francs, somme à laquelle il fallut ajouter le prix de l’envoi au presbytère de Saint-Martin de Boubaux. Et si, malgré lui, le doute s’était insinué lentement dans son esprit. Comme si, ce qu’il avait entendu raconter enfant prenait tout son sens au moment de l’écrire : « quand la Bête lui arriva, Chastel disait les litanies de la Sainte Vierge, il la reconnu[sic] fort bien, mais par un sentiment de piété et de confiance envers la Mère de Dieu, il voulut finir ses prières. Après il ferme son livre, il plie ses lunettes dans la poche et prend son fusil et à l’instant tue la Bête, qui l’avait attendu. C’est de ma pauvre Tata, Agnès Pourcher, sœur du Tiers-Ordre, que je tiens ces détails que Chastel lui-même avait révélées à son père, mon aïeul. » Ben voyons ! La Bête broutait paisiblement pendant qu’il s’abimait dans la lecture de son livre de piété ; la Bête se léchait mignonnement les coussinets pendant qu’il refermait son opuscule ; la Bête se grattait derrière l’oreille quand il plia ses lunettes ; la Bête se roula de contentement sur le sol quand il prit son fusil ; la Bête offrit enfin son poitrail quand il tira ses deux balles bénites… Mais c’est bien sûr ! Finalement, Pépé Pourcher, Tata Agnès et Monsieur le curé n’auraient-ils été les gardiens involontaires de la clé du premier et mystérieux fait divers mettant en scène un serial-killer ? Jack l’éventreur doit se retourner de dépit dans sa tombe.[rédigé par Valentine del Moral]

LE LIVRE QUI NOUS A PERMIS D’ÉCRIRE CETTE LORGNETTE est actuellement en rayon à la librairie :

Abbé Pourcher, Histoire de la bête du Gévaudan véritable fléau de Dieu, d’après les documents inédits et authentiques. Par l’abbé P. Pourcher, curé de Saint-Martin-de-Boubaux, Lozère.

Saint-Martin-de-Boubaux, chez l’auteur, 1889.

Petit in-12, demi-chagrin, dos à nerfs orné avec en queue les armes des Bragelongne.

1040 pp. dont faux-titre et titre.

Première étude historique complète et toujours inégalée sur le phénomène de la Bête du Gévaudan. Sous cette appellation, on regroupe traditionnellement la série d'évènements qui eurent lieu du 30 juin 1764 au 19 juin 1767. Si cette étude fait encore autorité, c’est que le bon abbé rechercha, compila, et recopia pendant plusieurs années, tous les documents concernant cet épisode. Les archives publiques et paroissiales ont été fouillées par ses soins. Parallèlement, l’abbé Pourcher prit également soin de recueillir les traces de tradition orale, encore bien vivaces à son époque. Pour en savoir plus ou l'acheter, envoyez-nous un e-mail!

En cette fin de septembre 1882, quelle mouche a bien pu piquer Edouard de Beaumont ?

2010-09-26T21:13:00.001+02:00

« A la fin de certaine belle et dernière journée de septembre, j'étais animé des sentiments d'élite […]. Ayant dîné seul, ce qui laisse au sans gêne égoïste son bien-être intact et sa complète élasticité, je jouissais entre chien et loup de ce plaisir qui consiste à se sentir infiniment mieux aimé par soi-même que par les autres, quand, à la lumière rose et dorée de la lampe que l'on venait d'apporter sur la table, j'aperçus devant moi, tombée dans l'eau de la carafe, une des dernières mouches de l'année. » C’aurait pu se passer hier ou avant-hier. La lumière de septembre et les mouches canoniques nous accompagnent il est vrai, fidèlement chaque année.
Pourtant ce Drame dans une carafe, c’est en 1882 qu’il eut lieu, à Dieppe, à la table d’Édouard de Beaumont. Loin de moi la velléité de disserter sur le choix de Dieppe comme lieu de villégiature de fin d’été, étant donné que primo, encore à l’école, je profitai des derniers jours des grandes vacances, les premiers de septembre, en Anjou et en Charente pour cueillir les mûres et chiper les noisettes et secundo, parce que, malgré une imagination débordante, j’ai un mal fou à vous imaginer vous escrimer fébrilement sur votre clavier d’ordinateur à la recherche d’une chambre libre à Dieppe fin août. Il n’en reste pas moins que d’aucuns, libraires et bibliophiles de notre connaissance sont fous de cette ville qu’ils nous vantent comme un lieu éminemment balnéaire, nous serinant cet adage éternel tiré de L’art de péter, cet essai de Thomas-Nicolas Hurtaut paru en 1776 : « Pisser sans péter, c'est comme aller à Dieppe sans voir la mer »
Mais ne nous égarons pas. Si ces lignes de Beaumont, qui sont les premières d’Un drame dans une carafe (Paris, Jouaust, 1882) doivent retenir notre attention, c’est qu’elles introduisent un cas de conscience automnal des plus intéressants, dont la mouche qui surnage dans la carafe est l’enjeu. En effet, si elle s’était jetée du haut du goulot en plein mois de juillet, l’auteur aurait évidemment pris « le parti de l’empereur Domitien, qui se plaisait à les empaler toutes vives, [les mouches] avec un poinçon ». Pour sa défense, il faut reconnaitre qu’à Rome, les étés sont fournaises et qu’en ce temps-là, les empereurs avaient toute licence pour inventer les turpitudes de tout crin. Suétone raconte même qu’un certain Vibius Priscus, auquel on demandait si quelqu’un s’entretenait avec Domitien, ce à quoi il avait astucieusement répondu : « Ne musca quidem (pas même une mouche) », paya son bon mot de sa vie. Or, Beaumont est français et nous sommes en septembre. Aussi il va hésiter, se tâter un peu, et rapidement sortir la mouche mourante de l’eau. Puis il va prendre tout son temps à l’observer. « Séchée en s’épongeant sur la nappe », « ragaillardie par la chaleur de [sa] lampe », elle commence en effet « petite patte deci, petite patte delà », à « rentrer en possession de sa toute petite âme », en accomplissant « une de ces toilettes prétentieuses qu’avec tant de satisfaction nous avons vu faire, sur le minuit, à certaines maitresses élégantes et très soignées ».
A partir de ce moment, Beaumont (1812-1888), qui à la ville est un peintre apprécié, artiste du livre reconnu, amateur d’escrime et le fondateur éclairé de la société des aquarellistes, Beaumont dévie sur son sujet de prédilection : la femme. Déraper serait plutôt le verbe juste puisqu’il va démontrer que mouchette et nénette, pour lui, c’est blanc bonnet et bonnet blanc. Il voit en « ces [deux] évaporés chefs-d’œuvre », « la même activité incohérente, affolée, fantasque, infatigable, la même façon de s'agiter en zigzag, sans raison et sans but, sous le soleil, ou bien de tourner en cercle sous les lustres des salons. La même inconscience du vrai, de l'impossible, de l'éternelle vitre enfin, contre laquelle, au réel et au figuré ; femmes et mouches se butent imperturbablement depuis le premier moraliste et le premier vitrier. Les femmes ont, comme les mouches, la même persévérance dans l'action taquine, la même obstination à poursuivre qui les fuit ou qui les chasse. Remarquez également cette similitude dans leurs manières d'agir : les mouches, qui se posent avec effronterie sur notre visage, y choisissent d'ordinaire cette même saillie centrale dont les femmes, afin de nous mener par là où elles veulent, s'emparent tout de suite dès qu'elles ont été tant soit peu — absolument — en face de nous. De plus, si, pendant la belle saison, en n'importe quelle ville du monde civilisé, vous entrez chez un confiseur, chez un fleuriste ou chez un pâtissier, vous y trouverez à coup sûr, ainsi que devant toutes les glaces et miroirs des beaux magasins, des femmes coquettes et de fines mouches. »

Je ne sais pas vous, mais moi, à la place de la jeune femme, malheureusement anonyme, à qui fut dédiée cette pochade mouchetée, je me serais légèrement vexée. Et à son Doudou chéri qui claironnait tout haut qu’elle possédait « Un corps d'albâtre, / Un sein d'ivoire, /Des lèvres de corail, /Des dents de perle, / Des yeux en saphir, / Des sourcils d'ébène ,/ Et des cheveux d'or », j’aurais tout de go répondu qu’à la mouche placée sur son sein gauche, sa main adroite n’aurait plus droit.
Le comble de l’histoire est que la « légère protégée » du dessinateur, cette mouche sauvée des eaux alla dans le quart d’heure brûler vive à la lampe de son bienfaiteur qui, pour abréger ses souffrances, la saisit, la roula dans une feuille de rose et la noya dans la carafe. Tout ça pour ça me direz-vous.
Oui, mais il y a à la finesse de l’écriture, l’éloge du temps que l’on prend et encore les dessins charmants de Louis Leloir (1843-1884), ami de Beaumont qui pour le convaincre de laisser publier son texte par leur éditeur Jouaust, s’empressa de croquer des mouches légères, à l’endroit, à l’envers, volant, trottinant, s’époussetant et de les placer dans les marges et entre les lignes de ce petit drame de septembre. Le cartonnage éditeur qui se ferme par deux liens de ruban vert reprend un de ses dessins sur le premier plat. Seul le frontispice nuit à cette atmosphère bourdonnante : il présente un corps de femme ensommeillé et nu, s’étirant, posé sur le fond blanc de la feuille, comme en apesanteur. Un sourire esquissé fend le joli visage qui s’éveille. C’est certain : elle ne sait pas encore qu’on l’a comparée avec insistance à une mouche noire et stupide de surcroît. « Bzzz Bzzz, Chuis pas une mouche ! »

LE LIVRE QUI NOUS A PERMIS D’ÉCRIRE CETTE LORGNETTE EST actuellement en rayon à la librairie. Il s'agit de :
Édouard de Beaumont, Un drame dans une carafe.
Paris, Librairie des bibliophiles, 1882.
In-8, cartonnage éditeur illustré d’une colonie de mouches au dessus d’une toile d’araignée. Edition originale, limité à 500 exemplaires.
Frontispice et dessins in texte par Louis Leloir. (10)-LXII pp. Quelques traces de pattes de mouches, ordinairement nommées mouillures ! En savoir plus ou commander : envoyez-nous un e-mail!

Pour monsieur Leiris, ce sera: les oreilles, la queue et une tranche de Bacon.

2010-07-12T22:20:00.006+02:00

Eté 1965. Londres, Tate Gallery, Rétrospective Alberto Giacometti. Deux hommes dans la foule. L’un marche « le haut du corps incliné en avant », vêtu « avec le maximum d'élégance », une tête triste à la Fred Astaire parfois. L’autre, malmenant le verre qu’il a à la main, ne tient pas en place. On ne sait exactement s’il marche ou s’il invente un langage corporel. A vrai dire, dans la vie, il peint. C’est l’autre qui écrit. On voit d’ici le télescopage :

- « Sorry Sir »
- « Pardon monsieur »

- « Ah, well ! Vû êtes français. Do you know Alberto? »

- « Figurez-vous que oui. And what about you? »

Ainsi réunis par le père de l’Homme qui marche, Michel Leiris et Francis Bacon s’arrêtent l’un en face de l’autre. Leur face à face va durer jusqu’à la mort de Leiris en 1990 et s’éteindra en 1992 avec la disparition de Bacon. Entre temps se sera instauré un dialogue nourri.
L’écrivain, qui jeune homme avait avoué qu’« il [lui était] toujours plus pénible qu’à quiconque de [s]’exprimer autrement que par le pronom JE ; non qu’il faille voir là quelque signe particulier de [son] orgueil mais parce que ce mot JE [résumait pour lui] la structure du monde », trouvait en Francis Bacon son TU.
Si Leiris avait le chantre de l’Afrique noire, du sol y sangre, il fut d’abord le flamine d’artistes vivants au premier rang desquels et dans le désordre, André Masson, Joan Miró, Alberto Giacometti, Pablo Picasso, Wifredo Lam. Plus tard, l’art abstrait apparut, qui envahit les cimaises mais non pas le cœur de l’écrivain. Et puis il y eut cet été 65 et cette rencontre d’hommes d’expériences si dissemblables qu’elles auraient du les opposer. Pour résumer leur antagonisme en une image, ce serait celle d’une fin de journée de travail. Quittant leurs retraites, Bacon se prendrait le pied dans l’amas de papiers, peintures séchées et miettes sédimentées qui jonchent le plancher de son atelier tandis que Leiris repousserait sa chaise contre la table de son bureau éthéré et rajusterait le nœud de sa cravate. Et pourtant !

Interviewé en 1964 par Pierre Koralnik dans le cadre de son émission de télévision Continents sans visa, le peintre qui affirme que la mort « c’est nada », reconnaît que la vieillesse ressemble à un marais. Or, dans les années 30 déjà, l’écrivain trentenaire redoutait les premiers stigmates de l’âge en décrivant ses « cheveux châtains coupés court afin d'éviter qu'ils ondulent, par crainte aussi que ne se développe une calvitie menaçante ».

Les deux hommes surveillent leurs carcasses de plus loin ; le premier à cause, dit-il, de son homosexualité, le second sous prétexte pense-t-il qu’il est laid. Mais selon le critique d'art et journaliste marocain Aziz Daki, c’est la stimulation réciproque née de leur fréquentation qui les liera ardemment.
Cet enthousiasme créateur est parfaitement lisible dans Miroir de la tauromachie que Leiris demande à Bacon d’illustrer. Ils ont alors respectivement 89 et 81 ans. L’entreprise apparaît d’abord étonnante. En premier lieu, ce texte, initialement paru en 1938 a déjà été illustré et par André Masson encore ! Et puis, quelques jours après la rencontre londonienne des deux hommes, le 23 août précisément, soit 25 ans avant ce projet, Leiris en finit avec la corrida en assistant à sa dernière course de taureaux aux arènes de Fréjus.
Pourtant à l'automne 65, l’aficionado fraichement retraité avait envoyé un exemplaire de Miroir de la tauromachie au peintre. Le message fut instinctivement compris par le peintre qui lut attentivement le texte, puis en souligna au stylo noir plusieurs passages, principalement ceux où reprenant la conception baudelairienne du beau, Leiris assure qu’« aucune beauté ne serait possible sans qu’intervienne quelque chose d’accidentel ». Or « l’’accident, écrit Daki, est une composante essentielle dans le genre de peinture que pratique Francis Bacon ». Familières à Leiris, l’intensité, la fracture, la crudité de la corrida se sont superposées à Fréjus aux fêlures et à la brutalité des travaux de Bacon que l’écrivain découvrait. La coïncidence est de taille : à l'instar de Nicolas de Staël qui pressentit son retour au figuratif en assistant à un match de foot, Leiris eut l’intuition que la peinture de Bacon serait désormais une corrida perpétuelle accrochée à ses murs. Les mythes ressemblent parfois à des spectacles en plein air !

Ainsi donc, leur dialogue généré à coup de préfaces, d’essais, de portraits, de rencontres, atteint son paroxysme en 1990 dans Miroir de la tauromachie. Bacon qui rechignait à illustrer les livres, compose quatre lithographies pour ce texte fondateur de leur amitié. Leiris mourut avant la parution du livre mais vit le résultat du travail de son ami avant de trépasser. Les trois premières gravures sont des scènes tauromachiques placées dans une arène au sable sombre cernée d’un orangé plus ou moins soutenu et observées par un mur de foule traité dans un bleu ardoise éteint. Tout est mis en place pour exalter le corps à corps central empreint selon Leiris d’une « atmosphère érotique » déclinée dans la « figure essentiellement phallique du taureau », le corps moulé qui se tend et se cambre, l’estocade finale. Bacon plus terre à terre avait cru y déceler « un apéritif merveilleux pour l'amour ». La quatrième illustration est un portrait de l’écrivain par l’artiste dans lequel le col, le nœud de cravate et les cercles taurins de la face et du crane soutiennent une bouche brouillée et un œil qui s’exprime. Il faut voir dans cette ultime manifestation, la foi toujours renouvelée en une amitié vivifiante que Leiris pratiquait tout les jours comme il l’écrivit dans un passage de Brindilles (1989) : « voisinage revigorant et appel au travail: un visage qui pèse tout son poids de viande et tout son poids de peinture […]. Tel m’apparaît quand je le regarde accroché à gauche de ma table à lire et à écrire dans ma chambre de Saint-Hilaire l’autoportrait que mon ami Francis Bacon m’a donné il y a plus de quinze ans pour me remercier du texte que j’avais écrit pour le catalogue de sa rétrospective au Grand-Palais [1971] ». Les mots de l’écrivain s’étaient donc nourris des bruyants silences picturaux de Bacon. Ensemble, ils tracèrent un cercle vertueux formé par un présupposé sans faille : « Leiris interprète Bacon qui interprète Leiris ».

Biblio Tauromachies //
1938 Miroir de la tauromachie. Dessins d’André Masson. - G.L.M. (« Acéphale »). - 840 ex.
1964 Miroir de la tauromachie, précédé de Tauromachies. Dessins d’André Masson, G.L.M., 1964, 1220 ex.
1981 Miroir de la tauromachie, Dessins d’André Masson, Fonfroide-le-Haut (Hérault), Fata Morgana, 1981 (« Explorations »).
1990 Miroir de la tauromachie, Lithographies de Francis Bacon, Daniel Lelong, 1990. 155 ex.
Biblio //
Autoportrait de Michel Leiris extrait de L'âge d'homme.
Aziz Daki Leiris / Bacon, une amitié à l'œuvre, Revue de littérature comparée 2/2003 (n o 306), p. 169-181.
http://www.michel-leiris.fr

Interview de Bacon par Pierre Koralnik, Continents sans visa http://archives.tsr.ch/player/personnalite-bacon

En rayon actuellement à la librairie //
Michel Leiris, Miroir de la Tauromachie
Paris, D. Lelong Editeur, 1990.
In-folio sous emboitage de toile imprimé de lettres bleues. [4], 56, [4] pp., 4 lithographies hors-texte.
4 lithographies originales en couleurs contresignées par Francis Bacon.
Tirage limité à 155 exemplaires. Un des cinq exemplaires hors commerce.
Parfait état.

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Struwwelpeter qui fiche la pétoche aux marmots ravis.

2010-06-28T16:23:00.001+02:00

Allons, allons, ne soyez pas bégueules et avouez qu’enfant, vous avez sucé votre pouce, trépigné au moment de prendre votre bain, raillé la trombine de quelqu’un ; que vous raffoliez de vous balancer sur votre chaise et que certains se sont acharnés sadiquement sur les sauterelles. Souvenez-vous des grandes personnes qui alors, dangereusement calmes ou carrément excédées, vous sermonnaient, vous secouaient, levaient les yeux au ciel. Vous auriez été allemands, qu’ils vous auraient illico fait lire le Struwwelpeter alias Pierre l’ébouriffé ou Crasse-Tignasse. Dans ce recueil de dix « histoires cocasses et drôles » mises en vers et illustrées par le docteur Heinrich Hoffmann en 1844, vous auriez vu Pauline allumer en douce une allumette avant de prendre gentiment feu; frémi à l’arrivée de « l’homme aux ciseaux » venu sectionner les pouces que Conrad s’évertuait encore à sucer ; pouffé de rire en regardant Philippe gigoter sur sa chaise, perdre l’équilibre et emporter dans sa chute nappe, couverts et vaisselle.
Le génie de Hoffman ne réside pas que dans la férocité des situations finales. Certes, on sait que les enfants aiment avoir peur et que les intimidations imagées marchent bien mieux que les menaces abstraites : un « cesse donc de te regarder dans la glace ou bien le diable va finir par apparaître » a toujours fait plus d’effet qu’ « une jeune fille comme-il-faut ne passe pas sa vie devant le miroir » ; un « arrête de loucher, si tu ne veux pas rester bigleux au premier coup de vent » a invariablement mieux fonctionné que « tu es fatiguant de loucher sans arrêt, arrête, c’est crispant à la fin ». Si vous n’êtes pas convaincus par la nécessité d’un soupçon de barbarie dans l’éducation des enfants, souvenez vous seulement avoir redemandé qu’on vous raconte la mort du petit chaperon rouge, l’abandon du père de la Belle au profit de la Bête, la pomme de Blanche Neige ou l’odorat de l’Ogre. Mais cette violence latente ne fait pas tout. L’humour et la proximité des histoires du bon docteur en revanche méritent toute notre attention. Il plaint les parents des petits héros mutilés ; un chien, deux chats et trois poissons rient des mésaventures des bambins indisciplinés. L’humour provoqué par les situations absurdes et l’attitude désabusée des parents se superposent efficacement à la normalité quotidienne des historiettes. En effet, les désobéissances racontées faisaient partie intégrantes de la vie des marmots d’alors et l’attrait de la chaise qui se balance, de l’allumette qui s’allume, de la pluie provocante qui tambourine aux fenêtres, le dégout de la soupe et du bain font encore partie du quotidien des enfants d’aujourd’hui.
L’évocation de la réalité enfantine, l’outrance des personnages adultes, le soupçon de fantastique, le goût du non-sens, voilà donc bien les ingrédients du livre d’enfant parfait. Un auteur tel que Roald Dahl aura su parfaitement les réutiliser dans ses romans au premier chef desquels Matilda ou James et la grosse pêche. Et il n’est pas interdit de penser qu’Italo Calvino a usé des mêmes procédés en permettant à son héros de 12 ans de refuser de gouter aux escargots cuisinés par sa sœur, en le faisant grimper par contestation dans les arbres et en l’y abandonnant tout le restant de sa vie. Cher Baron perché!
Outre les bêtises domestiques partagées par tout à chacun, Hoffmann aborde également des thèmes plus profonds et étonnamment contemporains. Ainsi le racisme de « l’histoire du garçon tout noir » se résout dans une marmite d’encre dans laquelle les trois garnements « qui ont ri bêtement » sont plongés et dont ils ressortent « bien plus noir que le garçon noir ». Certains exégètes ont aussi cru voir dans la vie et la mort par jeûne de « Gaspard-mange-ta-soupe » une mise en garde contre l’anorexie.

Mais la modernité du Struwwelpeter, on la doit surtout à la personnalité même de son auteur. Touche à tout du stéthoscope et de surcroît bel homme, Heinrich Hoffmann papillonna d’abord de la médecine généraliste à l’obstétrique, des soins aux miséreux au découpage des morts. En 1851, il se tourna finalement vers les fous. C’est l’illumination. Très vite, il va concentrer ses efforts sur les dérèglements psychiques des enfants et des adolescents, à tel point qu’on le considère aujourd’hui comme l’un des fondateurs de la pédopsychiatrie. Or déjà, en décembre 1844, le beau pédiatre avait touché du doigt sa vocation. Il était parti « en ville afin d’acheter comme cadeau de Noël un livre d’images qui correspondît à la compréhension et à l’intérêt de [son fils aîné Carl Philipp, âgé de 3 ans, mais ne trouva] que d’interminables et ennuyeux récits et des histoires édifiantes ». Consterné, il préféra acheter un cahier et y jeta dessins et rimes donnant vie à aux fameuses histoires saugrenues. Le petit garçon battit des mains, les amis du père de famille le poussèrent à publier. Ce fut un carton terrible ! En 1876, on sortait la centième réédition allemande et déjà les variations en tous genres et les traductions en plusieurs langues avaient vu le jour.
Le succès ne se démentit pas dans le temps. Sigmund Freud comme de bien entendu ne fut pas insensible aux motifs de son ainé et y vit dans son Introduction à la psychanalyse (1916), « une illustration du mode de formation des symptômes ». On n’est presque pas non plus surpris qu’André Breton y ait trouvé chaussure à son pied, lui qui choisit de placer dans son Dictionnaire abrégé du surréalisme, la vignette de Pierre l’ébouriffé à proximité des mots « Eidétique, Éveiller, Expectative, Inconnu, ».
Aujourd’hui, En Allemagne, Struwwelpeter a son musée et une flopée de jeunes adeptes. Dans les pays anglo-saxons et depuis la traduction par Mark Twain à la fin du XIXe siècle, le recueil se porte comme un charme: dans les dernières années, Tim Burton en a donné une version cinématographique, Edward aux mains d’argent (1990) et les très britanniques et décalés Tiger Lillies en ont présenté à l’Opéra Comique en 2000, une épatante adaptation pour la scène, Shockheaded Peter mi-spectacle musical mi-théâtre d’ombre et de marionnettes dans laquelle les morales avaient été exagérées à l’extrême laissant par exemple Conrad non seulement sans pouces, mais vidé de son sang et Philippe poignardé par les fourchettes et couteaux que sa chute avait mortellement animés.
Et en France me direz-vous ? Le succès reste moins brillant. La traduction de Trim pour Hachette au XIXè s. ne redonnait pas la vivacité du texte originel ; les illustrations post-soixante-huitardes de Claude Lapointe et la traduction de Bernadette Delarge n’atteignirent jamais la causticité du bon docteur (Jean-Pierre Delarge éditeur, 1980). Ces deux ouvrages fort heureusement ne sont pas facile à dénicher. En revanche, la traduction, en 1979, de Cavanna publiée sous le titre de Crasse-Tignasse, « qui installa son inspiration dans la mouvance d’Hara-Kiri et de son humour bête et méchant » est vraiment réjouissante. L’humour noir y est parfaitement lisible et la qualité littéraire de la traduction est incontestable. La bonne nouvelle est que cette traduction accompagnée des dessins originaux est toujours disponible dans la collection "Lutin poche" de l’Ecole des Loisirs. Foncez donc vous la procurer ou craquez pour les exemplaires que nous présentons. Il va y avoir rupture de stock ! Bien que … Soudain un doute m’étreint. Est-ce vraiment un défaut de traduction qui valut au Struwwelpeter ce demi-succès en France ou bien le manque total de troisième degré des français benoitement installés dans un humour franchouillard dégoulinant ? Baste ! Enfants de primaire qui n'êtes pas encore contaminés, rebellez-vous, cassez vos tirelires et précipitez vous sur le Struwwelpeter.
Biblio // Barbara Smith Chalou Struwwelpeter humor or horror? : 160 years later Lexington Books, 2007.
Véronique Medard, Une oeuvre de littérature de jeunesse allemande, le Struwwelpeter d’Heinrich Hoffmann, et trois de ses traductions (Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3) http://publije.univ-lemans.fr/pdf/2.1.Medard_09.pdf
Nelly Feuerhahn Pierre l’ébouriffé : l’énigme d’une figure surréaliste.
Sites // struwwelpeter.org / struwwelpeter-museum.de

En rayon actuellement à la librairie //
Dr Heinrich Hoffmann Der Struwwelpeter oder lustige Geschichten und drollige Bilder für Kinder von 3-6 Jahren. Mit Jubiläums-Blatt zur hundertsten Auflage.
Frankfurt, Rütten & Löning, o.J. s.d. (fin XIXème, après 1876). Petit in-4, cartonnage éditeur illustré en noir. [1] et 24 feuillets en couleurs.
En ouverture, feuillet anniversaire de la centième édition parue en 1876 avec le portrait âgé de l’auteur.

Dr Heinrich Hoffmann The Magic Lantern Struwwelpeter
London, New York, Frederick Warne & Co. s.d. (fin XIXème s.). In-4 cartonnage éditeur illustré en couleurs. [14] pp. Usures de manipulation.
“Designed in England, printed & made in Bavaria”! Livre à système qui pour une partie des contes fait tourner dans un rond représentant le halo de la lanterne les quatre épisodes principaux. Ces pages-ci sont en couleurs. Les autres en bistre présentent le texte de l’historiette et des vignettes.

Dr Heinrich Hoffmann Struwwelpeter Or, Merry Rhymes and Funny Pictures.
Blackie & Son Ltd., s.d. (début XXème s.)
Petit in-4, cartonnage éditeur illustré en couleurs, dos toilé vert. Titre, 24 feuillets en couleurs.
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Pour voyager à l'oeil en Russie, Jules Janin voyagea à la plume.

2010-06-22T12:15:00.007+02:00

On est parfois sujets à cas de conscience cornéliens, écartelés entre la beauté d’un livre et les anecdotes qui gravitent autour de son orbite. Or, alors que nous ouvrons notre exemplaire du Voyage dans la Russie méridionale et la Crimée par la Hongrie, la Valachie et la Moldavie d’Anatole Demidoff, une feuille de papier recouverte d’une profonde écriture bleu stylo bille en profite, la traitresse, pour s’échapper des pages de garde et virevolte jusque sur le sol. On la ramasse et on l’ignore quelque temps tout à la joie de parcourir ce volume romantique et de chercher les 26 planches tirées sur un papier fort qui arrête le doigt qui effeuille. Les 10 lithographies en couleurs qui témoignent de la richesse et du chatoiement des costumes régionaux sont particulièrement réussies. Les deux cartes de la Russie méridionale et de la Crimée qui se laissent déplier dans un bruit gracieux, nous donnent un court instant l’impression que nous faisons partie de l’expédition qui fut à l’origine de cette publication. En les repliant avec précaution, la feuille blanche méprisée tout à l’heure nous fait à nouveau de l’œil. Il y est question de Jules Janin et du voyage de Demidoff. Pourtant à relire le premier chapitre, point de Janin. Il y est indiqué que l’expédition franco-russe réunit les très scientifiques MM. de Sainson, Huot, Rousseau, de Nordmann, du Ponceau et Le Play - ingénieux ingénieur des mines qui par la suite se vit confier par Demidoff l'exploitation de ses mines métalliques de l'Oural (Il s'acquitta si bien de cette tâche qu’à son départ il laissa derrière lui de solides établissements métallurgiques et pas moins de 45.000 ouvriers). La campagne montée et dirigée par Demidoff en 1837compta bien aussi un peintre, Raffet, qui en ramena une série de splendides planches publiées dans le Voyage. S’étaient donc côtoyés un industriel russe vivant à Paris, un artiste si français que même Rome n’en voulut pas pour son Prix et une tripotée d’experts gaulois, en bref une troupe parfaitement franchouillarde, ce qui entre parenthèse fâcha tout rouge le dédicataire, Nicolas Ier, tsar de toutes les Russies qui n’y voyait pas le quart du bout de la promotion promise de son empire.

Mais pas de Janin dans cette liste officielle. Pourtant ce grand ami de Demidoff joua un rôle important dans la distribution de la pièce. Il était d’abord et en premier lieu le complice d’Anatole. Avec lui, il fit son premier voyage en Italie, et à ses côtés « vécut à Florence, les plus belles heures de sa vie ». Le livre qu’il tira de ces grandes vacances, il lui dédia dans des termes qui ne trompent pas: «Puissent ces pages, écrites dans toute la vivacité d'une admiration bien sentie pour l'Italie, la patrie poétique, durer autant que le dévouement de ma reconnaissante amitié». Réciproquement, dans le Catalogue des livres de la bibliothèque de M Jules Janin, on trouve au numéro 1019 un exemplaire sur Chine d’Esquisse d’un voyage dans la Russie méridionale et la Crimée par la Hongrie, la Valachie et la Moldavie daté de 1838, sur la page de garde duquel Demidoff lui renvoie la balle dans un envoi lapidaire qui a le mérite d’être clair: « A mon ami Jules Janin ». Plus tard, le français fit l’entremetteur en poussant son poteau à épouser la fille de Jérôme Bonaparte avec laquelle il ne fit jamais bon ménage. Demidoff ne quitta en effet jamais vraiment sa maitresse Valentine, duchesse de Dino. Et lors d'un bal costumé, la princesse Mathilde, excédée, pensant peut-être que personne ne la reconnaitrait derrière son joli loup insulta copieusement sa rivale ; sur-le-champ Demidoff administra à sa femme une magistrale paire de gifles qui fit sauter le masque et consomma la rupture. Demidoff ne semble pas en avoir voulu à Janin de ce méchant conseil marital. Peut-être parce que Janin aimait la Russie.

Déjà en 1831 dans son roman Barnave il avait écrit : « La Russie c’est la couronne du monde, j’aime ses glaces si froides et ses étés si chauds, j’aime ses palais de sapins, ses citadelles de terre cuite et ses minarets orientaux; prêtez l’oreille à ce bruit d’Empire qui grandit, et vous comprendrez combien rapide est sa croissance. Si j’étais à votre place, […] j’irais à Saint-Pétersbourg pour y découvrir cette prostituée royale qui se fait vanter par les gens de lettres de France, au poids de l’or, et je ne serais heureux que lorsque la police ombrageuse du pays m’aurait emprisonné comme suspect, pour avoir sifflé l’une des maîtresses du prince Potemkine ». Or c’est de ce Janin-là dont il est question dans la feuille volante qui décidément sait ne pas se faire oublier. Un bibliophile vengeur y a transcrit un extrait de l’article de Jules Bertaut paru dans le numéro du magazine Historia de janvier 1954. On peut y lire que « Jules Janin avait envie de faire un beau voyage » ; aussi il écrivit sur un ton sibyllin à Demidoff : « Votre noblesse se doit de faire maintenant une œuvre qui attire sur Elle l’attention de toutes les académies d’Europe […] Pourquoi ne tenterait-elle pas une expédition dans la Russie du Sud si peu connue ». Anatole « sauta sur l’idée » et s’attacha Jules comme secrétaire. « Dans l’été de 1837, la caravane se mit en route […] La randonnée terminée, un magnifique volume parut que signa bravement Demidoff, encore qu’il fût tout entier de la main de Jules Janin ». Certes Janin, « l'arbitre du goût, l'oracle de la critique, et le véritable représentant de l'esprit français » comme le résuma fort bien le bibliophile Jacob, connut une brillante carrière d’écrivain, mais qu’il eut été le nègre d’un russe cela reste inédit. Bah! On dit bien qu’il retoucha en 1832 La tour de Nesle d’un certain Frédéric Gaillardet, qu’avait déjà copieusement triturée Alexandre Dumas !

Remarquons seulement le tour de force de l’auteur caché. Car si pour voyager à l’œil, il suffisait de voyager à la plume, ça se saurait et nous serions légions sur la ligne de départ ! Aussi qui voudrait blâmer l’astuce ? Il eut d’autant plus raison de voyager qu’il ne savait pas, le bon bougre, qu’il courait pour échapper à la goutte qui le rattrapa quelques années plus tard. Il avait, il faut dire, pris alors largement le temps de se transformer en une sorte de Humpty-Dumpty réjoui. Goutteux à la dernière extrémité, il mourut donc, à l’exemple du père de son ami Demidoff qui « usé, vieilli avant le temps, et podagre, arrivait au milieu de toutes ses fêtes dans un fauteuil roulant, d'où il ne bougeait pas ; il se retirait de bonne heure, et la fête continuait ; quelquefois même il tombait en syncope, perdait connaissance, et l'orchestre et les danses ne modéraient ni leur gaieté ni leur entrain. On emportait M. Demidoff, et voilà tout ».

Biblio // Dictionnaire universel des contemporains. Catalogue des livres de la bibliothèque de M Jules Janin. Mémoires d’un bourgeois de paris.

En rayon actuellement à la librairie //
Anatole de Demidoff Voyage dans la Russie Méridionale et la Crimée par la Hongrie, la Valachie, et la Moldavie. Illustré par Raffet.
Paris, Ernest Bourdin, 1854.
In-4°, demi-chagrin poli cerise, dos à nerfs orné de filets dorés et noirs, titre doré. XIV, 510, [4] pp., planches hors-texte.
Un feuillet de musique de la Marche Valaque arrangée pour le piano par Jules Alari. En frontispice, portrait gravé de Nicolas 1er ; 16 gravures hors-texte en noir, 10 planches de costumes en couleur et 2 grandes cartes repliées. Ex-libris. Bel exemplaire de cette seconde édition revue et augmentée par l’auteur, parue la même année que l’originale.

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Oswald de Kerchove ou Celui qui préféra aux palmes académiques, les palmes botaniques.

2010-06-07T09:46:00.004+02:00

Si Brillat-Savarin fit du cochon son cheval de bataille en assurant en 1826: « Tout est bon en lui », Oswald de Kerchove de Denterghem fit du palmier sa pomme de Newton en y consacrant en 1852 un ouvrage exhaustif illustré en noir et en couleurs qui jusqu’à aujourd’hui n’a pas été égalé. Il faut dire que, comme on devient bourreau, surfeur, chauve, monsieur Loyal de père en fils, on est aussi palmiérophile par filiation. Le petit Oswald aurait pu seulement se satisfaire de jouer au belge respectable ou de faire l’homme politique comme son père Charles et son grand-père Constant avant lui, mais c’était sans compter avec l’autre passion familiale, la botanique. Certes, pour apaiser la galerie, il fut successivement membre du conseil de comté de l'Ontario, gouverneur du Hainaut, membre du Parlement, sénateur, administrateur de la Commission des Hospices civils, chantres dans divers organismes philanthropiques et culturels. Mais les titres qu’il préféra furent ceux de fondateur des Floralies Gantoises et président de la Société royale d'Agriculture et de Botanique.

Sachez que « dès l'enfance, il vécut au milieu des plantes nouvelles et précieuses, dans ce jardin d'Akkergem où son père avait réuni des trésors et érigé [un] magnifique jardin d'hiver », sous la verrière duquel il contempla à loisir certaines variétés rares de palmiers.

C’est là, dans la moiteur rassurante et la luminosité chaude de la serre qu’il prit lentement conscience qu’à la vie publique, il allait préférer la vie pudique, en d’autres termes, qu’aux palmes académiques il aimerait mieux les palmes botaniques.

Brillant et sérieux, il n’en mena pas moins de front sa double vie de docteur de la ville et myster Hyde park. A tel point qu’à 34 ans il était prêt à publier cette bible du palmier dont il est ici question. Il n’est pas besoin de vanter l’illustration de l’ouvrage : les nombreux dessins en noir sont précis et élégants, tandis que les quarante chromolithographies en couleurs tirées sur papier cartonné sont tout simplement surprenantes, étalage de verts et impression de chaleur diffuse. On n’a pas de mal à croire que ces spécimens aient bien été « dessinés d’après nature » par P. de Pannemaker.

Du coup, beaucoup seraient tentés de se borner à ce feuilletage d’images pour lecteurs sages. Ils auraient bien tort, car la prose de Kerchove réserve de bonnes surprises. Ainsi, selon l’auteur «comme tous les conquérants, [le palmier] trouve tout à sa convenance. Il a de cela de commun avec les gascons. « Semez des gascons, disait Henri IV, ils poussent partout » (et visiblement d’abord dans les serres flamandes) » !

L’étude des palmiers lui permet aussi de faire de la botanique théologico-vinicole en posant cette devinette: « Où sont les palmiers de Palestine, les palmiers célèbres de Jéricho, du lac Asphaltite, des vallées du Jourdain, de l’Euphrate et du Tigre, de l’immense Babylone ? Ils ont disparu comme ces villes superbes, comme la fécondité de ces vastes plaines, comme les empires des Mèdes, des Perses, des Arabes». Mais c’est vrai ça ! Où ils sont passés les palmiers des jardins suspendus de Babylone ? Et pourquoi Zachée s’est planqué dans un sycomore alors qu’il vivait à Jéricho « la ville des palmiers » ? Pour Kerchove, la réponse est évidente : «l’islamisme conquérant a passé là et il y a fait le désert ».

L’Islam, Kerchove y revient plusieurs fois au long de son propos. Parmi les 801 usages différents du palmier recensé dans le poème tamil Tala vilassim, il y a par exemple - et tout à fait au hasard -, tous ceux qui pourraient nous rendre pompette. Or, le Coran qui interdit le vin convient que « l’eau de palmier » n’est PAS du vin. Ah bon ! L’affaire mérite donc d’être détaillée : juste extrait, le jus est gris pâle, fade doux et sucré. Et puis, merveille, le liquide fermente à vitesse grand V et déjà on entend un léger bruissement : mais il pétille ma parole. « Dans cet état, affirme Kerchove, il rivalise avec les meilleurs vins de Champagne et égait sans enivrer ». Oh là ! Doucement les basses, on pourrait se fâcher dans le Landernau. Mais les rémois n’auraient pas le temps de répliquer puisque quelques heures seulement suffisent à ce que l’eau de palmier « se transforme en bière blanche comme du lait [qui] grise comme l’eau-de-vie ». A ce stade, on peut faire confiance à Kerchove : en bon flamand, il ne peut manquer d’en connaître un rayon en bières.

Or, le breuvage n’est pas si miraculeux qu’il y parait ! Car c’est « la plus éphémère des boissons » qui en un tour de bras va devenir visqueuse, nauséabonde et se couvrir de mouches rougeâtres. Ce n’est pas sans raison que la sagesse arabe a coutume de dire qu’ « on ne peut boire le vin de palme qu’à l’ombre de l’arbre qui le produit ».

Mais alors ! tout s’explique. Si vous avez bien suivi, vous aurez retenu que « l’islamisme conquérant a passé là et il y a fait le désert ». Exit donc l’ombre protectrice de la large feuille découpée et dans la lancée exit le petit verre d’eau de palmier qu’on se serait bien jeter derrière la djellaba. A se demander si tout ça n’a pas été fait exprès pour ne pas avoir à renier le Coran en gardant malgré lui le Fidèle sobre comme son chameau.

BIBLIO // Revue de l'horticulture belge et étrangère, Volume 34.

En rayon actuellement à la librairie //

Oswald de Kerchove de Denterghem. Les Palmiers. Histoire iconographique. Géographie. Paléontologie. Botanique Description. Culture. Emploi, etc. Avec Index général des noms et synonymes des espèces connues. Ouvrage orné de 228 vignettes et de 40 chromolithographies dessinées d'après nature par P. de Pannemaker.
Paris, J. Rothschild, 1878.

In-4, demi-chagrin ivoire, couvertures et dos rayés et illustrés conservés.
VIII, 348 pp. dont 228 illustrations in-texte. 40 planches hors-texte en couleurs et 1 tableau dépliant.

L’auteur, homme politique belge en vue, reste surtout un grand expert en botanique, qui hérita de la passion de son père et de son grand-père. Il passa de nombreuses années à parfaire les jardins de la propriété familiale de Beervelde et écrivit de nombreux livres sur les plantes. Son ouvrage sur les palmiers fait encore référence. Il y consacra un temps considérable et plusieurs voyages d’étude. Edition illustrée de 40 planches en couleurs très réussies, dues à P. de Pannemaker, et de 228 illustrations dans le texte; elle est accompagnée d'un tableau dépliant indiquant « la classification des diverses familles de Palmiers d'après M. H. Wendland ». Géographie des Palmiers. Voyage dans la région des Palmiers, L'Asie, L'Océanie, Le Nouveau Monde, La grande région des Palmiers au Nouveau-Monde, Les Palmiers fossiles, Histoire, Botanique, Utilité des Palmiers, Culture. Nissen, 1032; Plesch, 287.

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Charles Monselet ou la preuve que la plus jolie fourchette et la plume la plus alerte ne sont rien à celui qui ne sait pas les manier.

2010-05-29T18:35:00.005+02:00

Monselet !
Merveille de gastronome. Maestro de l’anecdote. Miracle d’homme. Monselet, dont l'aimable fantaisie est toute entière contenue dans sa Gastronomie. Récits de table qu’il fait paraître en 1874. On peut voir dans l’inventaire à la Prévert un hommage à la table des matières de ce livre, qui propose à titre d'exemple, une choucroute et une andouillette en poèmes, une mise au point historique sur le poulet partagé entre « Gargantua-Soleil » et Molière, le récit d’un duel au cochon de lait inventé par Cagliostro ; les chantages d’un garçon de café pervers qui cherche absolument à faire commander des huîtres à son client alors qu’il ne désire au monde qu’un potage; quelques pages sur Alexandre Dumas qui « quand il ne faisait pas sauter un roman, faisait sauter des petits oignons », une réflexion sur le statut du millier de cuisinières réunies pour écouter un sermon écrit à leur attention par le curé d’une église d’un des grands faubourgs parisiens sur lequel, par hasard l’auteur passait alors ; la recette de la Turlutine d’état-major concoctée par des gourmets du 1er régiment d’Afrique simplissime dans sa réalisation dès l’instant qu’on a réuni les grenouilles, tortues et champignons nécessaires ; des recettes «sérieuses, plaisantes, extraordinaires» et bien d'autres friandises littéraires.

Monselet ne prit pas non plus le dos de la cuillère pour rédiger dans ses Récits de table une sorte de « pièce montée » en quatre tableaux dont l’Estomac tenait le rôle-titre. On y lit ce genre d’hallucinant borborygme dialogué:
L’ESTOMAC. — Excellent café ! arôme pénétrant ! Ma foi, encore une tasse.
LE COGNAC. — A la bonne heure!
L’ESTOMAC. — Oh ! doucement, doucement ! Pas de bain de pied.
LE RHUM. — Tu as raison; le bain de pied est absurde et incommode.
L’ESTOMAC. — Mais qui t'appelle, toi ?
LE RHUM. — Je viens pousser le cognac.
LA CURAÇAO. — Je viens pousser le rhum.
L’ANISETTE. – Je viens pousser le curaçao.
L’ESTOMAC. – Grâce !
LE KIRSH. – Ranchez-Fus, Fus audres ; ne me regonnaisez-fus pas ?
L’ESTOMAC. – C’est le kirsch de la forêt Noire ! Je suis joli !
LE KIRSH. Ezze-gue che fus vais bir ?
L’ESTOMAC. – Qu’est-ce qu'il dit?
LE MARASQUIN. – Il demande s’il te fait peur.
L’ESTOMAC. – Je le crois bien, parbleu !
LE KIRSCH. - Tarteiffle!
L’ESTOMAC, au kirsch. - Allons, mon brave, ne vos fâchez point. On ne fait point d'esclandre ici. Pourquoi diable venez-vous si tard? On ne comptait plus sur vous.
LE KIRSCH. — Ch'aggzebde fos exguices.
L’ESTOMAC. — Qu'est-ce qu'il dit?
LA CRÈME DE MENTHE. — Il dit qu'il accepte vos excuses.

Mais aussi, il y a cette centaine de pages sur Grimod de la Reynière, un, avec Restif de la Bretonne, parmi les Oubliés et les dédaignés (Poulet-Malassis, 1857) que Charles Monselet tira d’un injuste oubli. Car, en vérité, le roi des gastronomes était avant tout le prince des aminches. Lié à Baudelaire, Nerval et Gautier, intime des Goncourt, il aimait son prochain simplement et épousa tardivement sa douce amie. Georges Bodereau, (1861-1897) journaliste littéraire, grand reporter et polémiste-duelliste fut témoin à son mariage: « Ah ! ce mariage ! C’est une des fleurs encore parfumées de l’herbier de ma prime jeunesse. [...] je ne sais rien de si touchant que le mot qu’eut, après les « oui » sacramentels, la vieille compagne, disant à son ami:
— Tu es bien gentil, mon Charles ! d’avoir pensé à ça ; mais, après si longtemps, était-ce bien la peine ? [... Puis] nous déjeunâmes aux Vendanges de Bourgogne. Charles Monselet mourut quelques mois après et Phémie ne lui survécut guère».
Aussi sûr que Molière apprécia de mourir sur scène, que Lassalle enragea de ne pas mourir au combat, Monselet voulait bien trépasser, mais en gastronome accompli. Et pas de feu Charles Monselet qui tienne ; à la rigueur un Monselet à feu doux à l’épitaphe gourmande auto-rédigée: « Versez sur ma mémoire chère / Quelques larmes de Chambertin / Et sur ma tombe solitaire / Plantez des soles... au gratin ».
Quant à son mot de la fin -« J'aurai un enterrement aux truffes ! »-, il prête à réflexion. Faisait-il allusion, à la recette de la poularde de demi-deuil, entre la chair et la peau de laquelle on glisse quelques lamelles de truffes ? (Entre nous soit dit, comme me l’a soufflé une bonne fée de la librairie, Monselet aurait certainement préféré une poularde de plein deuil constellée d’une myriade de truffes au lieu de quelques copeaux chiches.) L’énigme de ce dernier mot reste entière comme d’ailleurs, en 1848, le choix de ce jeune épicurien de 23 ans par le magnat de la presse qu’était Emile de Girardin. Il le choisit pour rédiger dans les colonnes de La Presse la préface des Mémoires d’Outre-tombe de Chateaubriand qui devaient y paraître en feuilleton. Le choix de Théophile Gautier attaché au même journal aurait paru plus évident, bien que le fait qu’un bifteck portât le nom du défunt écrivain ait pu décourager les réticences de Monselet. Il semble d’ailleurs avoir trouvé l’inspiration et les audaces nécessaires dans la dégustation de son Chateaubriand saignant, car on dit que sa carrière démarra véritablement à partir de la publication ce préambule. Ce qui prouve bien une fois encore que la plus jolie fourchette et la plume la plus alerte ne sont rien à celui qui ne sait pas les manier.
BIBLIO// Georges Bodereau, Sur Monselet in La Gerbe, n° 27, décembre 1920, pp. 72-74. André Monselet et Jules Clarétie, Charles Monselet: sa vie, son œuvre (Testard, 1892).

En rayon actuellement à la librairie //

Monselet, Charles. Gastronomie, récits de table.
Paris, Charpentier, 1874.
Faux-titre avec au verso la justification, titre, III, 396pp. In-12, demi-chagrin rouge, dos à nerfs, plats et gardes marbrés, tête dorée, couvertures conservées.

Edition originale, l'un des 50 exemplaires de tête numérotés sur papier de Hollande, seul grand papier. Passant du coq à l'âne, Monselet (1825 - 1888) célèbre la cuisine, les cuisiniers, les meilleures histoires de gourmands, Grimod de La Reynière, l’asperge, l'absinthe, le Médoc, le couscoussou, le marchand de vin héroïque. On sait le goût pour la gastronomie de cet écrivain et journaliste qui fonda en 1865, le Gourmet, feuille de chou hebdomadaire consacré à son dada. Vicaire 606, Bitting 329, Oberlé 220.
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Ah ! Ouvrir son « Lavater portatif » dans un wagon du métro parisien ! (Ou comment l’Iphone sera bientôt supplanté ).

2010-05-22T10:19:00.004+02:00

C’est surtout dans la deuxième édition française de l’Art de connaître les hommes par la physionomie parue entre 1806 et 1809 chez Prudhomme en 10 volumes que les Balzac et autres Stendhal puisèrent leurs recettes physiognomistes. Il s’agissait d’appliquer aux personnages romanesques une méthode fondée sur l'idée que l'observation des traits du visage d'une personne peut donner un aperçu de son caractère et de sa personnalité.
Ils transformèrent un travail des lumières en boite à malice littéraire. En effet, Gaspard Lavater (1741 -1801) tombé sous le charme des théories de Zophyre, mage un peu branque qui sévissait à Athènes au Vème s. avant J.C., compara, compila, ordonna toute sa vie de scientifique durant, le résultat de ses innombrables observations des nez, oreilles, fronts, mentons, bouches, crânes et ovales de ses contemporains. Il en extirpa un système d’analyse soi-disant imparable et l’édita pour la première fois en 1775.
Or Gaspard mourut en 1801. D’outre-tombe, il allait enfin pouvoir cesser de défendre son grand œuvre et vérifier avec délectation sa théorie sur les tronches et autres trognes croquignoles qui séjournaient depuis des siècles aux Enfers. Peut-être aussi était-il occupé à se mordre l’intérieur de la joue, s’apercevant que les traits de tel grand intellectuel, tel héros, tel saint homme correspondait au faciès de tel bandit de grand chemin ou de tel soudard dépravé qu’il avait décrit dans ses Fragments de la Physiognomonie.
Il aurait finalement mieux valu qu’il vienne hanter les vulgarisateurs qui lui succédèrent. Car ces coquins-là, allégrement, surfèrent sur les modes plutôt que de poursuivre la sérieuse entreprise de leur maitre à penser.
Jugez sur pièce: dans l’édition de 1809 comme dans celle de 1815 du Lavater portatif, la planche XX présentait le profil de Napoléon. Mais si elle était ainsi légendée dans la première : « On remarque dans cette physionomie les indices d’un génie extraordinaire… Il est impossible que l’homme en qui tous ces traits seraient rassemblés ne fût un héros », elle devint un portrait à charge dans la seconde : « On remarque dans cette physionomie tous les traits qui peuvent caractériser le génie du mal ».
Ce n’est pas le vieil empereur qui s’en émut, qui aurait eu, selon Cousin d'Avallon ce commentaire définitif : « Lavater, avec ses rapports du physique et du moral, n'est qu'un insigne charlatan. […] La raison, l'expérience (et j'ai été dans le cas d'en faire une grande pratique ), montrent que tous ces signes extérieurs sont autant de mensonges, qu'on ne saurait trop s'en garantir, et qu'il n'est réellement d'autres moyens de juger et de connaître les hommes, que de les voir, de les essayer et de les pratiquer. » Et toc. Qu’il fut génie du mal ou génie extraordinaire - on peut discuter - il restait incontestablement le roi de la taille de costard.
Quant aux français, eux qui avaient si souvent du retourner leurs paletots depuis quelques dizaines d’années, ils s’en fichaient bien de « la trombine à Napo ». Comme H-G von Arbug le rappelle : en ce temps, dans « la métropole française, où de grands mouvements de migration créaient un climat d’anonymat et d’insécurité, l’ancienne spéculation théologique de Lavater devint un véritable code de comportement ». Soit. Mais Arbug ne nous empêchera pas de penser que ce petit vade-mecum servit d’abord à se ficher du voisin. Leur enthousiasme pour ce Lavater de 10 cm sur 13 confirmait leur goût pour la plaisanterie. En s’approchant des pierres anciennes de Paris, on les entendrait presqu’encore murmurer: « T’as vu les yeux à fleur de peau de celui-là ? Ca doit être un sacré colérique. Et ces laides dents ? Encore un de ces mélancoliques de mes deux. Vise les joues globuleuses proches des yeux de ce lascar-là ? Un méchant moqueur, tu peux en être sûr ! »
Du coup, c’est décidé. Demain, je laisse mon Iphone à la maison et je descends dans le métro avec mon Lavater portatif en poche.
Biblio : H-G von Arbug, Le Lavater portatif in Dénouement des Lumières et Invention Romantique (2000). Cousin d'Avallon, Bonapartiana, ou Recueil choisi d'anecdotes, de traits sublimes, de bons mots [...] Paris, 1851.

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Lavater, Kaspar. ‎Le Lavater Portatif, ou Précis de l'art de connaître les hommes par les traits du visage ; avec trente-trois planches coloriées. Troisième édition.‎
‎Paris, chez madame veuve Hocquart 1809.

In-16, demi-chagrin à coins, dos lisse orné. 56 pp.
Edition populaire publiée parallèlement à la nouvelle traduction française de l'Essai sur la Physiognomonie (1807-1810) qui annonça la vogue des travaux de Lavater. 33 profils en couleurs dont un frontispice, avec explication en regard.‎

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De Parry à Tahiti : ses vahinés, les Pomaré, la lèpre et Gallimard.

2010-05-08T19:27:00.017+02:00

Roger et André étaient amis. Le premier était maquettiste, le second directeur artistique, tous deux chez Gallimard. Roger Parry et André Malraux aimaient les voyages.Or, si en 1923 le jeune Malraux au Cambodge avait allégé Angkor de quelques fragments magnifiques, il n’avait décemment pas pu demander à son poteau de lui ramener de Papeete un petit quelque chose de vieux, de votif, et s’était surtout abstenu de lui réclamer un souvenir royal. Aussi vrai que nous savons que les rois de France touchaient leur bille en matière d’écrouelles, Malraux lui n’ignorait pas que la famille royale tahitienne en connaissait un rayon en lèpre. Toutefois, à la différence des rois de chez nous, les Pomaré pouvaient non seulement soigner mais aussi refourguer la lèpre à leurs sujets ainsi qu’aux étrangers. On raconte à ce sujet qu’à la fin du XIXème s, un bravache popaa d’Europe décida de s'asseoir dans le fauteuil dans lequel avait trépassé le prince Hinoï, neveu de feu le roi Pomaré V (1839-1891). Mal lui en prit, couvert qu’il fut sur l’heure d’une multitude de marques, prémices d’une lèpre foudroyante. Si au premier abord le truc parait plutôt efficace et sacrément plus expéditif que de faire construire une prison dorée tel que Versailles pour se faire respecter de la plèbe, cela créait un constant problème domestique : comme sous peine de lèpre, on ne devait pas toucher le linge royal, il était plutôt ardu de trouver des blanchisseuses à la cour ; de même nul, s'il n’était de sang royal, ne pouvait creuser la tombe du Roi. M’est avis que le petit personnel qui était en charge des pelles royales devait s’en taper une bonne tranche à chaque fois que les princes devaient saisir les manches et cracher dans les paumes de leurs mains.

Bref. Malraux (photographié ici par Parry) se consola en favorisant la publication chez Gallimard du reportage de son ami. Tahiti parut en 1934 dans un format in-4 et plusieurs indices montrent que Roger Parry mit tout son art à la fabrication de ce recueil de 106 photos. Depuis 1927, il avait dessiné pour la NRF des affichettes de librairie, des placards publicitaires ainsi que de nombreuses couvertures. Il fut également le photographe attitré de certains de ses auteurs-phare à commencer par Saint-Exupéry. Son travail photographique qui avait été consacré en 1930 dans Banalité de Léon-Paul Fargue, était essentiellement basé sur des recherches théoriques concrétisées dans des expériences éditoriales mêlant prise directe et placement d’effets dans la chambre noire. Dans Tahiti, les photos sont telles que prises. Mais son sens de la mise en page apparaît nettement. Sa maitrise de maquettiste explose dans l’ovale invisible qu’il crée sur la couverture en ajustant le dessin aux graphismes sacralisés de la NRF et de Gallimard.

Mais surtout on admire le choix des clichés qui mêlent délibérément images d’Epinal et réalité sociale, nature intemporelle et fragilité humaine ; la mer, l’éther et les terres ; le mouvement et l’immobilité enfin. La Tahiti mouvante se décline en bateaux, danses, plongeons et babils enfantins. La Tahiti immobile se focalise dans les portraits, la lèpre, et cette dernière image qui referme le recueil : un mère et son enfant mort, sorte de piéta tahitienne, sculpture saisissante de chair et de sang. Quant à la lèpre, quant aux lépreux, car c’est précisément d’eux qu’il s’agit, ils fixent l’objectif de Parry sans interrogation, sans jalousie, sans espoir. Ils sont vieux, ils sont jeunes, ils sont hommes, ils sont femmes, ils sont enfants enfin, tous consciemment retenus derrière de minces barrières de bois et une entrée béante. Cette entrée de la léproserie d’Orofara c’est en un sens l’acceptation par Tahiti de cette lèpre persistante. Endémique et royale, elle n’est là-bas toujours pas totalement éradiquée et la léproserie, aujourd’hui désertée, a étonnamment gardé intactes ses frêles défenses de bois.

Parfaitement absent de ce portfolio, le cheval autrefois célébré par Gauguin, apparaît étrangement sur la couverture de Tahiti. Est-ce le choix esthétique d’un Parry cherchant à parfaire comme nous l’avons vu, une couverture quitte à s’éloigner du contenu réel de la publication ? Ou est-ce une consolation d’écrivain-pilleur imposée par Malraux qui se voyait déjà caresser de sa longue main le dessin au trait de cette frustre statue équine que son ami n’avait su mettre dans sa valise. Quoiqu’il en soit, il ne garda pas rancune à Roger Parry qu’il attacha à ses pas et à qui il confia quelques années plus tard ni plus ni moins que la « conception graphique des premiers ouvrages de la collection de l’Univers des formes. De leur collaboration - rappelle le dossier de presse de Gallimard-naîtra un « Musée sans murs » qui rend visibles en un seul lieu un nombre illimité d'œuvres, monumentales ou miniatures et de toutes origines, et favorise, par le traitement graphique des illustrations, les rapprochements que l'œil peu exercé n'aurait su discerner. »

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Roger Parry Tahiti. 106 photos de R. Parry
Paris, NFR Gallimard, 1934. In-4 broché, couverture imprimée en noir et rouge.
[112] pp.
Edition originale. Exemplaire du service de presse. Introduction par Parry avec en bandeau une carte de l’archipel, suivie des 106 photographies en noir disposée dans une mise en page étudiée.
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Charles Nodier, escorté d'un illustrateur masqué et d'une piquante élégante.

2010-05-02T12:33:00.004+02:00

Des années napolitaines de son père, précepteur du futur duc de Terranova, Louis Morin (1855-1938) garda le goût des masques…vénitiens et les dessina à l’envi, entre autres dans son Venise…rêve, dans le Carnaval de Venise et les Vingt masques de Maurice Vaucaire . Il les naturalisa français dans ses Carnavals parisiens parus en 1898. Par l’écrit et par l’image il y fixait sur papier pour les lecteurs tragiquement démasqués que nous sommes, les bals d’artistes, le bal des Quat-z-arts, le bœuf gras, la cavalcade des étudiants, la mi-carême des blanchisseuses qui faillirent mourir sous les coups de 1870 et qui n’allaient pas tarder à disparaître selon lui, menacés par la « règle des trois-huit ». L’illustrateur était furieusement visionnaire.
Raoul Ponchon pour sa part, voyait en Louis Morin rien moins qu’un « peintre exquis du dix-huitième / Egaré dans le dix-neuvième » et pour qui « La vie [était] faite de clarté,/ Pour lui, de joie et d’évidence,/A ce qui [n’était] pas la Beauté/ Il [n’accordait ] aucune importance». « [Cette] doctrine - conclut Raymond Hesse -, lui permit de conserver un crayon alerte, gai, agréable, une âme sereine malgré la vieillesse, les deuils, les tristesses de l’existence. Il célébra la joie, il enseigna l’amour, et s’il fut indulgent aux faiblesses, il stigmatisa toujours la lâcheté, l’hypocrisie et la fausse pudeur ».
Or, de fausse pudeur il n’en est pas question un seul instant chez Charles Nodier (1780-1844) dont un texte rencontra le pinceau de Morin en 1895. Il s’agissait du Dernier chapitre de mon roman qui devait paraitre chez l’éditeur Conquet. Non vraiment, on ne sent aucune fausse pudeur dans le travestissement qu’il fait de sa rencontre avec la belle madame Hainguerlot lors d’un bal en 1801. Il faut plutôt y voir le mécanisme de la fiction littéraire qui, chez Nodier se fonde sur son expérience d’homme sensible. L’écrivain, dans une lettre à Armand Ragueneau datée du 1er mars 1803, insistait sur l’importance qu’il donnait à cette réalité recréée : « Il s’agit du local où je donne mon bal masqué, et certainement, c’est de toutes les circonstances du livre, celle qui sera la plus indifférente aux lecteurs ; mais elle est liée dans mon cœur à de tels souvenirs, qu’à quel que prix que ce fût, je ne pourrais la sacrifier, sans cesser d’aimer mon ouvrage ». « Il y a là un indice de l’importance attachée par Nodier à certains éléments narratifs, anodins d’apparence et destinés à passer pour tels aux yeux des profanes, mais pour lui porteur d’une charge affective secrète » résume Jacques-Rémi Dahan dans son introduction à Charles Nodier. Correspondance de jeunesse.
Puisqu'i n’y avait pas une once de fausse pudeur dans l’entreprise, rien vraiment ne s’opposait à ce que Morin illustre le texte. Mais, comme dans de la plupart du temps, on ne sait pas le pourquoi ni les détails de la collaboration de l’illustrateur et l’éditeur. On peut seulement se laisser aller gentiment à rêver que Louis Morin l’accepta après avoir eu vent de la piquante repartie de madame Hainguerlot, l’héroïne de Nodier, citée par Philibert Audebrand dans ses Petits mémoires d'une stalle d'orchestre (1885) : « Dans un bal, un masque la poursuivait, la harcelait de ses importunités ; vêtu d'un vieux costume fripé, qu'il achevait de salir, un tricot couleur de chair que couvrait à demi une mauvaise tunique bleue, il portait en sautoir un carquois dépenaillé; c'était une caricature vivante de l'amant de Psyché. A l'oripeau qui ceignait son front, à l'arc doré, ou plutôt dédoré, sur lequel il s'appuyait, aux ailerons fatigués accrochés à ses épaules, il était impossible de le méconnaître. Comme madame Hainguerlot s'obstinait à ne pas faire attention à ce piètre personnage :
— Regardez-moi donc, lui dit-il, regardez-moi donc? Je suis l'Amour !...
— Tu n'es certainement pas l'amour propre ! repartit madame Hainguerlot. »
Morin qui avait un sérieux sens de l’humour, n’aurait en effet pu que prendre cette pirouette pour un nouvel appel du Masque et n’aurait pu alors qu’accepter de peupler de 33 charmantes compositions les marges de ce Dernier chapitre de jeunesse.

biblio: Les artiste du livre: Louis Morin. étude par Raymond Hesse. Babou, 1930; Jacques-Rémi Dahan Charles Nodier. Correspondance de jeunesse. Champion, 1995.

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Louis Morin Carnavals Parisiens. Bal des Quat'z'arts. Vache enragée. Bals du courrier. Bœuf gras. Cortèges des étudiants. Cortèges du Moulin-Rouge.
Paris, Montgredien et Cie, Librairie Illustrée, s.d. (1898).
In-12 demi-vélin à coins, dos lisse orné d’un dessin aquarellé de Morin reprenant un de ses motifs de satyre et bacchante, jaquette de protection en papier reliure.
Faux-titre, titre, dédicace, X, 186, [2] pp.
Edition originale tirée à 125 exemplaires, celui-ci sur japon numéroté et signé par Morin. et Couverture de l’édition brochée placée en planche dépliable en début de volume, et « affiche intérieure » couleurs de présentation du livre placée en planche dépliable en fin de volume.
170 illustrations dont 9 hors-texte noir et blanc, 32 in-texte couleurs. Ex-libris.

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Charles Nodier Dernier chapitre de mon roman.

Paris, L. Conquet, 1895.
Grand in-8, demi-veau cerise à coins, dos romantiques, pièces d’auteur et de titre. Reliure de Carayon (1844-1909), relieur d’art spécialiste de la reliure rétrospective travaillant pour de riches bibliophiles.
Edition limité à 200 exemplaires sur vélin, celui-ci à grandes marges numéroté et paraphé par l’éditeur. Illustré de 33 compositions aquarellés de Louis Morin.

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La classe ça ne s’acquiert pas, c’est ciné !

2010-04-24T12:24:00.002+02:00

La classe ça ne s’acquiert pas, c’est ciné ! On vous le prouve avec la plaquette du film des Perles de la couronne de Guitry.
   12 mai 1937. Cinéma Marignan. Première des Perles de la couronne. Les lumières s’éteignent, les bobines se mettent à tourner, le scénario de Sacha Guitry commence à se dérouler, les dialogues à fuser. Les dandys ont laissé tomber à leur pied le livret de présentation du film, les élégantes l’ont plié en deux puis en quatre pour tenter de le faire entrer dans leurs minuscules pochettes du soir.
   Qu’ont-ils fait là ! Il ne fallait pourtant qu’un coup d’œil à la plaquette pour s’en enticher éperdument. Elle est un décor de plus à ajouter aux « 90 décors, 50 vedettes, 200 seconds rôles, 1500 figurants, 8 millions de dépenses » vantés en bas de l’affiche originale du film.
   La couverture ivoire présente un gaufrage ton sur ton appuyé sur la devise anglaise « Dieu et mon droit » qui se fait discrète devant le titre calligraphié indiquant simplement « mai 1937 » cependant qu’à l’intérieur attendent 10 photogrammes imprimés en noir sur papier doré contrecollés. Outre le portrait de Guitry en fumeur invétéré, on découvre d’hallucinants « instantanés historiques » des scènes filmées en… 1518, 1580, 1590, 1788, 1796, 1815 et 1865.

Pour résumer l’astuce du scénario il suffit de savoir qu’un historien, Jean Martin (Sacha Guitry) raconte à sa jeune épouse Françoise (Jacqueline Delubac) l'histoire fabuleuse d'un collier composé de sept perles fines, jadis offert par le pape Clément VII à sa nièce Catherine de Médicis, future reine du futur roi de France Henri II. Seules quatre des perles remises à Élisabeth 1re peu après l'exécution de Marie Stuart semblent avoir traversé les époques, scellées aux arceaux de la couronne royale britannique. Or s’il fait ce récit c’est qu’il a décidé de remonter jusqu’aux trois perles disparues, bientôt talonné dans son enquête par un officier de la Maison Royale Anglaise et par un camérier du pape.
L’aventure s’émaille donc naturellement de flashbacks historiques dont sont tirés les photogrammes dorés de la plaquette de présentation. L’emploi du photogramme, qui correspond à la plus petite unité de prise de vue dont un film est constitué à raison de 24 images par seconde, donne une authenticité au propos de Guitry et rallie immanquablement le lecteur à sa cause cinématographique.
Le lecteur devenu spectateur retrouve de surcroît les dialogues drôles et décalés d’un Guitry en pleine forme.
Jugez vous-même :

« A Fontainebleau. Le Roi François Ier pose pour Clouet.
François Ier. - Clouet ! est-ce que vous savez comment sont les jambes de mon cousin le Roi d'Angleterre Henry VIII?
Clouet. - Non, je l'ignore, Majesté !
Au même moment, en Angleterre, Hans Holbein termine le portrait du Roi Henry VIII.
Henry VIII.- Our brother of France is no ill-favoured man but we deem his legs not to be handsome as our own. (Notre frère de France n'est pas un homme laid, mais nous estimons que ses jambes sont moins belles que les nôtres.)
A Fontainebleau.
François Ier. - Il est convaincu qu'elles sont plus belles que le miennes. J'en doute fort, bien qu'il soit un assez bel homme. (Le Roi se déplace en parlant) Or, savez-vous que cette question, qui devrait être secondaire, est le point de départ d'une rivalité qui retarde sans cesse une alliance difficile à conclure - et pourtant souhaitable - entre l'Angleterre et la France. Vous travaillez, Clouet?
Clouet. - Oui, Sire, je travaille.
François Ier.- Vous me donnez l'impression de quelqu'un qui reste immobile, figé devant son travail.
Clouet. - Immobile, Seigneur ! Si Votre Majesté pouvait l'être un peu plus, je le serais bien moins.»
Un critique dont le nom a été mangé par le temps avait écrit à la sortie du film dans Cinaedia : « Production de type "international" la mieux conçue et la mieux réalisée que soit. Elle est d'une qualité "universelle" qui le rend compréhensible et assimilable par tous les publics de France, d’Angleterre, des États-Unis et d'Italie. A ce point de vue, elle marque une date dans l'évolution du cinéma parlant et de la reconquête du caractère "universel" du cinéma au temps du muet. »
On reste en effet sans voix, bercés par celles d’Arletty, de Pauline Carton et de Guitry et babas devant la beauté de Jacqueline Delubac alias madame Martin et Marie Stuart et…Joséphine de Beauharnais.

Plus en image: Pauline Carton soubrette de paquebot

Plus en image: Cecile Sorel en courtisane du Grand siècle vieillissante mais flamboyante

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[Guitry], Les Perles de la couronne
Paris, Tobis, (12) pp.
In-4 broché, couverture gaufrée et imprimée. [12] pp.
1 photographie de Sacha Guitry imprimée en noir sur papier doré contrecollée, suivie d’un fac-simile d'autographe et 9 photogrammes imprimés en noir sur papier doré contrecollés d’après des clichés de Raymond Voinquel représentant différentes époques du film : 1518 et Clément VII, 1580 et Marie Stuart, 1590 et Henri IV, 1788 et La Du Barry, 1796 et Bonaparte, 1815 et Napoléon, 1865 et Napoléon III, 1937 en fin et le couronnement de S.M. George VI.
Au centre, étalée sur une double page, on trouve la distribution complète du film.

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Instantanés du Salon international du Grand Palais 2010 [15-18 avril]

2010-04-24T11:35:00.000+02:00

Nous avons eu le soleil

Nous avons accueilli des bibliophiles de tous poils.

Nous avons aimé l'happening livresque d'Aprille Best Glover

Retrouvez-la :

www.aprille.net

Les fondateurs de l’histoire de l’art, Winckelmann et de l’ethnologie, Prichard mettent à leur sauce l’adage royal et s’écrient « Ma vie vaut bien une messe ».

2010-04-10T08:45:00.002+02:00

Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), né allemand et protestant, mourra catholique et hellène de cœur.
James Cowles Prichard (1786-1848) quant à lui, qui naquit quaker, embrassera jeune homme la religion anglicane.
Deux conversions parmi d’autres me direz-vous. Pas tout à fait. Les deux hommes à cinquante ans d’intervalle prirent cette lourde décision, mûs par une même et entêtante pensée qui se résumait dans l’adage royal braillé par le futur Henri IV en 1593 : « Paris vaut bien une messe » et barboté par ses suiveurs en « Ma vie vaut bien une messe ». Comme le bon mot était assez apocryphe, il n’y avait pas de blasphème à le mettre à sa propre sauce.
On ne peut pas ne pas admirer le cheminement de ces deux hommes opportunistes certes mais non cyniques, restés d’ailleurs leur vie durant, attachés au sacré et à Dieu.
Prenez Winckelmann : il était protestant mais se passionnait pour les antiquités grecques et romaines. C’était fort ballot à une époque où les plus beaux restes antiques étaient aux mains de collectionneurs catholiques, sous la protection du Vatican ou enfouis en terre italienne à l’exemple de Pompéi et d’Herculanum pétrifiées par le Vésuve. Diable ! Que faire ? Se rabougrir sur pied ou avancer dans la lumière quitte à s’y faire carrément bruler une réputation naissante? L’homme est bon, l’homme est grand. L’homme est au centre du monde : le vieux Montesquieu, les jeunes Rousseau et Diderot l’écrivaient alors à tour de bras. Aussi, Winckelmann se convertit au catholicisme. Sa démarche pétrie du calme spirituel expérimenté dans son enfance s’assaisonnait d’une touche de paganisme blanc de la couleur perdue des marbres anciens.

Voyez Prichard élevé au milieu de la « société des Amis » qui pratiquait le culte « non programmé » et ne s’accommodait ni de rites ni de sacrements, toute la vie étant par essence, sacrée pour les quakers. C’était embêtant pour qui voulait faire sa médecine au « Royal College of Physicians » réservé aux anglicans bon teint. Ventrebleu ! Que décider ? Se limiter à la clientèle quaker ou dispenser « la sureté de son diagnostic et la rapidité et l’énergie […] dans l’administration des remèdes » à tout Bristol et à ses alentours ? Mépriser en bon Ami les textes et les systèmes religieux et remballer du coup sa théorie sur l’origine de l’homme ? Taire ses découvertes linguistiques ? Ça ne pouvait décidément pas en rester là : Prichard se décida à passer le pas et se tourna vers l’Evangélisme qui lui ouvrait les portes de l’université, les bras d’une clientèle souffrante, le monde des idées enfin. Il put alors développer, avant Darwin, son hypothèse de monogénisme n’hésitant pas à affirmer que l’être humain était originellement noir. Il prit aussi le temps de démontrer que de nombreux parlers apparemment aux antipodes se rejoignaient en une même langue indo-européenne.
De nos jours, qui sait, pour quelque raison fallacieuse, les deux hommes n’auraient pas pu non plus s’exprimer. Et, autre temps, autres mœurs, il nous semble que leur douloureuse conversion n’aurait peut-être pas suffi à leur laisser le champ libre, une autocensure des idées gavée de politiquement correct envahissant nos consciences.

Il n’en reste pas moins que leur contribution à l’humanité n’aura pas ému leurs contemporains : Winckelmann finit assassiné à Trieste le 8 juin 1768, par un mauvais garçon, un certain Francesco Arcangeli qui séjournait dans la même auberge et à qui il avait imprudemment montré des médailles antiques que l’impératrice Marie-Thérèse lui avait offertes. Prichard, nommé en 1845, « commissaire de la Folie », mourut trois ans plus tard en 1848 officiellement de rhumatisme articulaire aigu, réellement de dévouement envers son prochain.

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Johann Joachim Winckelmann. Histoire de l’art chez les anciens. Par Mr. J. Winckelmann, président des antiquités à Rome [...] Ouvrage traduit de l’allemand.
Amsterdam, chez Van Harrevelt, 1766.
2 volumes in-8 demi-basane, pièce de titre rouge. Reliure légèrement frottée.
Nombreux bandeaux et illustrations in texte gravés sur cuivre. Faux-titre, titre, LVI, 360 pp. et XXVIII, 343 pp.
Avant Winckelmann, étudier l'art signifiait soit écrire la biographie d'un artiste (voir Cellini dans ce même catalogue), soit s'intéresser au sujet des œuvres dans une perspective historique ou littéraire. A partir de l'Histoire de l'art chez les anciens, il sera désormais possible d'envisager l'art pour lui même et de le penser pour ce qu'il est intrinsèquement.
Quand on sait que de protestant, Winckelmann se convertit en 1754 à un catholicisme qui lui ouvrait les portes des bibliothèques et des collections romaines, l’appui des cardinaux, on comprend mieux la détermination du père de l'histoire de l'art qui dut penser que « l’art vaut bien une messe ».
A la suite de la préface, on trouve « Un catalogue des livres cités dans cet ouvrage » qui préfigure les futures bibliographies d'histoire de l'art.
Edouard Pommier, Winckelmann, inventeur de l'histoire de l'art Gallimard - Bibliothèque des histoires 2003.

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James Cowles Prichard. Histoire naturelle de l'homme, comprenant des recherches sur l'influence des agens physiques et moraux considérés comme causes des variétés qui distinguent entre elles les différentes races humaines, par J.C. Prichard, [...] traduit de l'anglais par le Dr F. Roulin, [...]
Paris, J.-B. Baillière, 1843.
2 volumes in-8, plein veau. Tome I: IX pp. dont titre et faux-titre, table des figures, 416 pp. Tome II: faux-titre, titre, 404 pp.
90 figures en noir sur bois dans le texte et 40 hors-texte en 39 planches soit: 5 en noir et 34 coloriées, la dernière planche présentant deux portraits numérotés 39 et 40.
Première édition française parue la même année que l'édition anglaise.
Avant Darwin, Prichard (1786-1848) formule les bases de l'ethnologie et de l'anthropologie moderne en affirmant une même origine à tous les êtres humains. Il est aussi par ses travaux sur les langues et plus spécialement sur « la permanence des langues à la variabilité des physionomies ethniques », à la base de ce qu’on appellera plus tard l’indo-européen. Pourtant ses suiveurs escamotèrent plus ou moins sciemment son travail, considérant que Prichard n’avait cessé de se fourvoyer dans ses hypothèses monogéniste et linguistique!
Outre la place influente que ne doit plus perdre cet ouvrage dans l’évolution de l’histoire des idées, il vaut également pour la qualité des planches en hors-texte coloriées et gommées, gravées par Choubard. On notera la très belle suite d’une douzaine de portraits d’indiens d’Amérique.
Outre ses recherches en ethnologie, Prichard fut toute sa carrière durant, médecin à Bristol, et reconnu pour « la sureté de son diagnostic et par la rapidité et l’énergie qu’il mettait dans l’administration des remèdes ». Pour arriver à faire ses études et avoir le droit d’exercer, il avait préalablement du se convertir. Né quaker, il se tourna opportunément vers l’évangélisme qui lui ouvrit les portes de l’université réservée alors aux seuls membres de l’Eglise anglicane.
Sabin, 472. Quérard VI, p. 81. Sabin, 65478. Paul Jorion, Un Ethnologue proprement dit. in L'Homme, 1980, tome 20 n°4. Formes de nomination en Europe. pp. 119-128. Claude Blanckaert, Un fil d'Ariane dans le labyrinthe des origines in Revue d'Histoire des Sciences Humaines n° 17.

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Tours de magie de cigarettes ou Comment on a subtilement évolué de « Je vais te faire la guerre du feu » à « T’aurais pas du feu par hasard? »

2010-04-02T12:47:00.004+02:00

C’est merveilleux d’être magicien : on peut au gré des théâtres d’Europe, d’Amérique, d'Australie et d'Inde changer son nom de scène et se faire passer ici pour Keith Clark l’unbelievable ou là, pour Pier Cartier l’époustouflant. On n’est pas obligé d’avouer son étude forcenée et soutenue de la musique et l’art dramatique, ni de prouver ses talents aux anneaux, au fleuret ou sur la glace. Mais surtout on peut, comme ça, sur un coup de tête, rédiger la première bible des tours de cigarettes.
Et, c’est précisément ce que fut et fit le magicien Pierre Feyss (1908–1979) en révélant pour la première fois les arcanes de la jeune discipline des tours de magie à base de clopes.
Parue initialement en 1937, à New York, chez l’auteur, l’Encyclopedia of Cigarette Magic ne fut traduite en français et publiée chez Payot qu’en 1958. Les illusionnistes français et unilingues en piaffaient d’impatience car « Keith Clark grâce à un travail important, minutieux, venait de livrer à tous ses confrères magiciens [anglophones], sans s’occuper du risque qu’il courrait en donnant des armes à la concurrence, le fruit d’années de recherches et de mises au point d’une manipulation nouvelle délicate ».
Cette micro-révolution atteignit donc finalement l'hexagone sous le titre simplement traduit d’Encyclopédie des tours de cigarettes : les 322 pages de claires explications étayées de planches photographiques éloquentes et commodes à utiliser rendaient cette bombe à volutes fichtrement facile d’emploi.
Keith Clark, poussa la philanthropie jusqu’à éduquer ses petits camarades en leur rédigeant un court mais saisissant historique de la cigarette.
Enfin, pour tous les fumeurs qui nous lisent, il permit de choisir n’importe quelle cigarette du moment qu’elle fut américaine, car l’américaine, c’est bien connu, brûle lentement et régulièrement, n’émet pas trop de fumée et surtout sa cendre ne se détache pas d’un bloc mais se « désagrège en produisant une notable pluie d’étincelles ».
Au détour d’un paragraphe on prend alors conscience que l’homo sapiens sapiens est resté fort proche de l’homo erectus d’il y a 500 000 ans à la différence près que sa fascination du feu a subtilement glissé de « je vais te faire la guerre du feu ! » à « dis, t’aurais pas du feu par hasard? ».

Qu’importe ! Dans les diners en ville non-fumeur, on insistera bientôt pour que vous l'allumiez votre cigarette. Vous aurez alors s’il vous plait une pensée pour Keith Clark qui après avoir mis noir sur blanc tout son savoir dans plusieurs autres livres, toucha au cinéma, écrivit pour la télévision américaine, se produisit encore sur les scènes mondiales pour mieux fuir par la sortie des artistes et se retira finalement loin de l’agitation humaine. L’histoire ne dit pas s’il en profita pour s’en griller une, sous la lune, caressé par une petite brise chaude emportant ses éphémères mais gracieux ronds de fumées.

En rayon actuellement à la librairie //

Keith Clark Encyclopédie des tours de cigarettes traduit de l’anglais par Maurice Sardina, ancien rédacteur en chef du journal de la Prestidigitation. Préface de A. Mayette. Avec 31 planches.
Paris, Payot, 1958.
In-8 broché, couverture illustrée en deux tons.
322 pp, 31 planches de photographies.
Exemplaire en partie non coupé. Les photographies sont numérotées de telle sorte qu’il soit facile de s’y référer en lisant le déroulement d’un tour.

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Et tout de go, Voltaire traita d’ingrate Laure de Sade, la muse de Pétrarque.

2010-03-26T16:01:00.003+01:00

Alors voilà. L’abbé de Sade, celui-là même qui recueillit pour quelques années son neveu Donatien âgé de 4 ans, le futur divin marquis, l’abbé de Sade donc, fait paraître en 1764, Mémoires pour la vie de François Pétrarque […]. Pétrarque et lui avaient élu comme refuge à quelques siècles de distance, le même coin de Provence, dans les parages de l'Isle-sur-la-Sorgue : ça crée des liens. Pétrarque à la fontaine de Vaucluse, Sade en son château de Saumane vécurent parmi les livres, entourées de femmes, portée par une muse.
Cette muse qui sous-tend toute l’œuvre du poète et qui provoque l’étude de l’abbé, c’est Laure. Laure de Sade.
Voltaire, vieil ami épistolaire de Jacques-François de Sade, à la réception de son livre lui écrit de Ferney, le 12 février 1764 : « Vous remplissez, Monsieur, le devoir d'un bon parent de Laure et je vous crois allié de Pétrarque, non seulement par le goût et les grâces mais parce que je ne crois point du tout que Pétrarque ait été assez sot pour aimer vingt ans une ingrate ». Imaginez-vous en effet, une belle péronnelle de 19 ans, qui tape dans l’œil de celui qui déjà renouvelle la poésie italienne. Imaginez-vous ensuite cette femme, « au corps si beau épuisé [selon les dires même de Pétrarque] par de nombreuses maladies et des maternités fréquentes, [ayant] beaucoup perdu de sa première vigueur ». Imaginez-vous enfin, cette femme de quarante ans mourant de la peste. Et déjà je sens le souffle voltairien vous étourdir.
Et pourtant il vous suffirait de lire Pétrarque pour balayer d’un haussement d’épaules la petitesse d’Arouet. Il vous suffirait de savoir que « le renom de Laure a allumé en [lui] le désir de la gloire », et que l’amour a tiré de son cœur « des paroles et des œuvres telles qu’ [il] espère [se] rendre immortel, quand bien même [il] en devrait mourir ».
Et Etienne Gilson d’enfoncer le clou en écrivant : « cette étonnante fidélité, où Baudelaire verra l’une des marques les plus sûres du génie, ne s’affirme sans doute si victorieusement chez les plus grands que parce qu’elle est avant tout celle du génie envers lui-même ».
Mais les histoires d’amour, fussent-elles platoniques, ça énerve durablement. Nous en prendrons pour preuve la périlleuse entreprise de monsieur Nicholas Mann, professeur anglais d'histoire de la tradition antique au Warburg Institute de Londres, qui en 1994 au cours des assises de l'Institut d'Études Latines qui se tenaient à la Sorbonne tenta de nier l’existence de Laure. Il s’attacha à relever les multiples homonymes dont Pétrarque usait pour qualifier sa muse : Lauro (le laurier), l'aura (le vent), l'aureo (le doré), considérant que cette multitude d’images prouvait l’existence allégorique de l’aimée. Le professeur Mann oubliait dans son énumération de citer l’utilisation récurrente du tendre diminutif de Laureta. Détail !
Il fit ensuite un peu d’arithmétique littéraire cherchant à prouver « que le poète aurait créé une structure idéale de 3 x 7 dans laquelle il aurait intégré une Laure imaginaire. De 1327 à 1341, après quatorze ans d'amour et de composition poétique, il fut couronné de lauriers et décida de faire mourir sa muse sept ans plus tard, en 1348 ».La belle affaire !
A tout crin romantiques, nous préférons croire dans le marbre sculpté d’après le portrait perdu des amants platoniques peint par Simone Martini, immense peintre siennois, proche de Pétrarque et de tous les amoureux de peinture ancienne. Outre l’amitié qui liait le peintre et le poète, on remarquera que Laure y a l’œil un peu triste et le double menton affleurant. Ainsi donc elle avait vieilli. Ainsi donc elle avait vécu. Ainsi donc elle allait survivre éternellement dans les vers de Pétrarque.
Biblio : Étienne Gilson // L'École des muses, 1951. Pétrarque, Virgile. Manuscrit enluminé d’une page de titre par Simone Martini, circa 1336, Biblioteca Ambrosiana, Milan.

En rayon actuellement à la librairie //

Abbé Jacques-François-Paul-Aldonce de Sade. Mémoires pour la vie de François Pétrarque tirés de ses œuvres et des auteurs contemporains, avec des notes ou dissertations, & les pièces justificatives.
Amsterdam, Arskée & Merkus, 1764.
3 volumes in-4, demi-vélin, pièces de titre et de tomaison en maroquin.
1/ Faux-titre, titre, CXIX, 447, [1], 79 pp. 2/ Faux-titre, titre, XXIV, 495, [1], 82 pp., errata, 3/ titre, 811 pp., errata, 102 pp.
Un bandeau ouvre chaque volume : Pétrarque face au portrait de Laure porté par Cupidon, arc et carquois à terre bandeau ; Pétrarque dans sa solitude sur une berge ; le marbre sculpté d’après le double portrait peint par Simone Martini et trouvé à florence par Bindo Peruzzi. Les pages de titre sont ornées d’une même vignette de titre présentant Pétratrque et Laure dans des médaillons
Quérard, VIII,303. « Le fait que la plupart des exemplaires de cet ouvrage ait passé en Italie et en Angleterre le rendirent rare ».

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Emile Zola n’était pas contre une petite ligne…de cocaïne.

2010-03-19T17:03:00.000+01:00

Autre temps, autres mœurs.

Au XIXème siècle, on n’hésitait pas faire bucher les écrivains et à faire trimer les illustrateurs pour lancer un nouveau produit.
Voilà qu'en 1870 Angelo Mariani, préparateur en pharmacie de son état, finit de mettre au point un breuvage vineux à base de Bordeaux rouge et d'extraits de feuilles de…coca : le vin Mariani. Chaque verre de sa potion magique, parfaitement légale, contenait sous ses airs inoffensifs l’équivalent d’une ligne de cocaïne pure !
Personne ne prit le temps de s’alarmer : Charles Baudelaire avait bien fait paraître en 1860 ses scandaleux Paradis artificiels, mais il n’y devisait que du haschich et de l'opium. Et puis, on était encore bien loin de l’ouverture du laboratoire expérimental de Woodstock.

Or donc, benoitement, Mariani allait faire appel aux stars littéraires de son époque pour faire sa publicité. Ayant sans doute reçu et testé un carton de douze bouteilles, Emile Zola pour sa part écrivit en 1895 à l’apprenti sorcier: « J'ai à vous adresser mille remerciements, cher Monsieur Mariani, pour ce vin de jeunesse qui fait de la vie, conserve la force à ceux qui la dépensent et la rend à ceux qui ne l'ont plus ».
Le préparateur en pharmacie poussera son idée marketing jusqu’à créer chez Floury, une collection Angelo Mariani, constituée de contes publiés à la fois en édition de luxe ( grand format in-4) réservées plus spécialement aux bibliophiles et en édition populaire (petit format in-32) avec la même illustration destinée aux crédules de l’époque, ancêtres de nos accrocs de « parapharmacie ».
Parmi ces amusants petits contes, on peut citer l’Explication de Jules Clarétie illustrée avec fougue par Robida, qui s’interroge sur les causes de la forme olympique et perpétuelle d’Héraclès, l’homme aux douze travaux, aux amours musclées et aux voyages nombreux. Les causes se résument en une seule: c’est, comme de bien entendu, grâce à la coca et sur les conseils du centaure Chiron, qu’il put selon l’auteur « à [son] gré, exterminer les Amazones par la Mort ou par l’Amour ».
Lire le texte intégral http://www.bmlisieux.com/archives/explicat.htm

Actuellement en rayon à la librairie //
Jules Clarétie Explication. Illustrations de Robida.
Paris, Floury, Petite bibliothèque Mariani, contes à la coca. 1896.
In-32, demi-percaline orange, couvertures orange conservées. 41, [1] pp.
Illustrations en noir à toutes pages par un Robida très inspiré par le texte succulent de Clarétie.

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Sur les traces du "gang du jardin libéré"!

2010-03-11T16:37:00.023+01:00

L’un fut prophète en son jardin mais fit venir à lui les grands de son monde ; l’autre quelques années plus tard, fut prophète en son pays mais s’expatria au Canada; l’un était français, l’autre anglais. Pourtant à eux deux, ils forment le «gang du jardin libéré», rejetant les alignements à la française et les étendues gazonnées, ordonnées et désertes. Et comme il faut, comme dans toutes bonnes histoires, un personnage féminin, il incombera à la reine de France Marie-Antoinette, admirative de l’un et inspiratrice, sans aucun doute, de l’autre.
Claude-Henri Watelet en 1774 de France et John Plaw en 1823 d’Angleterre auront révolutionné par leurs écrits et leurs dessins l’art du jardin tellement indissociable de l’art de vivre.

Actuellement en rayon à la villa browna //

[Jardins], Claude-Henri Watelet, Essai sur les jardins.
Paris, Prault, Saillant & Nyon, Pissot, 1774.
In-8, en brochage d’attente. Faux-titre, titre, 160, (4) pp.
Edition originale. «Ramenant mes regards, après ce premier coup d’œil, […] je les arrête à la ferme. Un amas de bâtimens, de cours, d’enclos fixe ma vue, & excite mon intérêt. Alors j’ai un peu de curiosité pour le jardin qui ne me promettait qu’une ennuyeuse uniformité » : non ce n’est pas la reine Marie-Antoinette qui s’exprime ainsi mais bien Claude-Henri Watelet (1718-1786) dans son Essai. Personnage touche-à-tout, à la fois conseiller du Roi, receveur général des finances, peintre, dessinateur, voyageur infatigable, membre de l’Académie Royale, il est arrivé jusqu’à nous d’abord comme théoricien du jardin. En cette seconde moitié du XVIIIe siècle, le jardin à « la Le Nôtre » ennuie. Watelet lui invente un successeur, un jardin pittoresque «qui doit être un tableau devant lequel il faut s’arrêter » et duquel émergera le jardin à l’anglaise. Dans les courts chapitres de son essai écrit en 1764 et publié en 1774, il dresse des principes de composition, rappelant l’importance de la nature du terrain et de l'exposition ; des éléments modérateurs que sont les fermes ornées, les grottes, les arbres, les eaux, les fleurs, &c... La fin de l’essai prend l’allure d’une « lettre à un ami » dans laquelle Watelet décrit un jardin idéal qui s’il ne le nomme pas, n’est autre que le sien, celui du Moulin Joly à Argenteuil. La parution de l’essai fut suivie d’une visite sur place de Louis XVI et de Marie-Antoinette qui a n’en pas douter s’en inspira au moment de demander à Mique de faire naitre son hameau (1778-1782) dans le domaine de Trianon que Louis XVI lui avait offert en 1774. Springer, p. 62 Ganay, 82. Source : conservatoire des Jardins et Paysages.
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[Jardins], John Plaw. Ferme Ornée or Or Rural Improvements. A Series of Domestic and Ornamental Designs Suited to Parks Plantations, Rides, Walks, Rivers and Farms [...]
London, Taylor, 1823.
in-folio, plein papier moderne. Titre, 14pp., 38 aquatintes tirées en bistre sur papier fort.
Planches en parfait état. Nouvelle édition de cette Ferme ornée dont la plupart des dessins correspondent à des projets réalisées avant 1795 par l’auteur. S’il fut l’’un des premiers architectes d’importance à immigrer en Amérique du Nord britannique, Plaw (c.1745–1820) publia avant de partir trois ouvrages qui forment sa principale contribution à l’architecture. Sa Rural architecture ; or designs, from the simple cottage to the decorated villa [...], sa Ferme ornée ; or rural improvements [...], ses Sketches for country houses, villas, and rural dwellings [...]ont largement contribué à poser les standards de l’architecture de campagne et de villégiature qui fut largement en vogue au début du XIXème s. Dictionnaire biographique du Canada.
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on ne doit pas titiller l'Ankou et encore moins appeler les noyés hurleurs

2010-02-19T10:56:00.010+01:00

A la fin du siècle dernier, Anatole le Braz parcourut le Trégor autour de Port-Blanc et une petite partie de la Cornouaille autour de Quimper pour recueillir auprès des habitants, des récits vécus et des témoignages et des légendes en rapport avec la mort. Cette importante récolte fut retranscrite par écrit et ordonnée en vingt deux chapitres et un index fouillé par Le Braz dans son livre La Légende de la Mort, ode véritable à l'Ankou.
L'auteur, entre autres y affirmait que « les noyés, dont le corps n'a pas été retrouvé et enseveli en terre sacrée, errent éternellement le long des côtes. Il n'est pas rare qu'on les entende crier, dans la nuit, lugubrement :
— lou! lou!
On dit alors, dans le pays de Cornouaille :
— E-man layinic-ann-ôd o iouall! (Voilà lannic- ann-ôd, (Petit Jean de la grève qui hurle!).
Tous ces noyés hurleurs sont indistinctement appelés lannic-ann-ôd. lannic-ann-ôd n'est pas méchant, pourvu qu'on ne s'amuse pas à lui renvoyer sa plainte sinistre. Mais, malheur à l'imprudent qui se risque à ce jeu ! Si vous répondez une première fois, lannic-ann-ôd franchit d'un bond la moitié de la distance qui le sépare de vous; si vous répondez une deuxième fois, il franchit la moitié de cette moitié; si vous répondez une troisième fois, il vous rompt le cou. »
Le Braz qui avait fait paraître son ouvrage chez Champion en 1893, fit les frais de la puissante emprise des superstitions bretonnes quelques années plus tard. Le 20 Août 1901 en effet, « onze membres de sa famille périrent noyés au large de Plougrescant, à 200 mètres seulement de la côte. Personne [ne vint] les secourir, les gens qui les entendaient crier au secours [croyant] qu'il s'agissait des " noyés hurleurs du gouffre de Plougrescant ». La mer rejeta les corps un à un pendant un mois et le seul survivant agonisa plusieurs semaines avant de trépasser à son tour. Tous furent enterrés dans le fond du petit cimetière de Tréguier. Seul survivant, Léon Marillier fut découvert à l'aube, hagard, répétant avoir vu « toutes les étoiles s'allumer dans le ciel et toutes les lumières s'éteindre dans les maisons ». Il ne se remit jamais. Son agonie dura plusieurs semaines, scandée par un terrible « j'aurais dû insister ». Il se sentait responsable et refusa de se soigner. Il mourut le 13 octobre.
Plougrescant nichée « au cœur du pays du Trégor-Goëlo, entre l'île de Bréhat et la côte de granit rose » reste bien entendu, dixit la mairie, « un lieu de séjour idéal pour des vacances en famille ou entre amis ».

actuellement en rayon à la villa browna//
Le Braz, Anatole. La Légende de la mort chez les Breton armoricains avec des notes sur les croyances analogues chez les autres peuples celtiques / par Georges Dottin.
Paris, Honoré Champion, 1945. 2 volumes in-8, demi-chagrin rouge à coins, plats ornés, dos à nerfs ornés de caissons, couvertures et dos conservés. La mort, l'Ankou, les relations entre les vivants et les morts sont détaillées. Les ajouts de Georges Dottin, (1863-1928) linguiste et spécialiste des langues et littératures celtiques ajoute beaucoup à l'intérêt déjà grand de l'étude.
Biblio//
www.plougrescant.fr
Joseph Jigourel "Anatole Le Braz sa vie, son oeuvre" aux Editions Liv'Editions. 1996.

Dandy!

2010-02-01T17:07:00.015+01:00

« À l'incroyable, au merveilleux, à l'élégant, ces trois héritiers des petits-maîtres, ont succédé le dandy, puis le lion ». [Honoré de Balzac]
« Enfin, j'aimais ma mère pour son élégance. J'étais donc un dandy précoce. » [ Charles Baudelaire, in Journaux intimes (1887)]

Cham Miroir du dandy
Paris, Aubert, 1842. In-16 broché, couverture illustrée.
Avant d’être enrôlé dans le Charivari de Philipon, Le jeune Cham (1818-1879) publie chez Aubert, beau-frère du précédent et surtout mari de sa sœur « l'intelligente madame Aubert ». Ils sont à la tête « d’une véritable usine de caricatures d'où sortaient, chaque matin, des milliers de lithographies, d'albums comiques, d'almanachs, de croquis fantaisistes ou mordants signés des caricaturistes déjà célèbres ou de ceux dans lesquels il devinait, comme chez Cham, de véritables aptitudes pour la littérature comique. »
Ainsi dans les années 1840 il contribue à la gloire de la série des Miroirs, petits volumes thématiques de 27 feuillets de caricatures assassines, dont fait partie le succulent Miroir du Dandy. Par la suite, dès 1843, Cham deviendra un des chantres du Charivari et de l’Illustration. « L'entreprise ne laissait [pourtant] pas que d'être ardue, car à l’heure où le fils du comte de Noé allait prendre place dans le bataillon des dessinateurs satiriques, la caricature politique, sociale, ou simplement fantaisiste, comptait des interprètes d'un talent incontesté, et dont les œuvres s'imposaient à l'attention des hommes intelligents, sinon de la foule. Daumier, Gavarni, Henri Monnier, Granville, Traviès et bien d'autres, enrôlés sous la bannière de Philipon, multipliaient leurs dessins frondeurs et satiriques, leurs charges élégantes ou moqueuses, leurs lithographies mordantes ou ironiques. »
In Félix Ribeyre Cham sa vie, son œuvre Paris, E. Plon, 1884.
actuellement en rayon à la villa browna

J.-A. Barbey d'Aurevilly, Oeuvres. Du dandysme et de George Brummel. Memoranda.
Paris, Lemerre, s.d.
Petit in-12, broché. Faux-titre, frontispice, titre, 273 pp., table, [4] pp.
Troisième édition de Du dandysme et édition originale pour Un Dandy d'avant les Dandys, ainsi nommé le duc de Lauzun (1633-1723). Portrait gravé sur cuivre de Brummel par Martinez. A travers cette étude, Barbey milite pour que Brummel (1778-1840) «souverain futile d’un monde futile […ait] son droit divin et sa raison d’être comme les autres rois»
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Guillaume Virantin, un bibliophile // Les aventures d’un Rouletabille bibliophile.

2010-02-01T11:49:00.005+01:00

Une fois n’est pas coutume : ce n’est pas moi qui suis allée vers le collectionneur du mois, mais c’est lui qui est venu à moi. Nous nous sommes retrouvés un après-midi dans l’antichambre d’une librairie où il a ses aises et qui a la vertu supplémentaire d’avoir pignon sur rue à quelques encablures de deux des réalisations parisiennes de celui qui va nous occuper aujourd’hui : j’ai nommé Jules Lavirotte, le plus insaisissable des architectes Art Nouveau.
Guillaume Virantin, jeune homme tout en longueur, aux mains qui parlent, au teint pâle et au cheveu corbeau me considère de son regard de myope, visiblement amusé. Il se demande comment je vais me débrouiller avec cet article et ça a l’air de l’enchanter. Je sais bien que sa collection est constituée de points de suspension, d’interrogations et d’hypothèses et lui ai affirmé que c’est précisément cela que je cherche à décrypter : une collection improbable, un ensemble de petits riens, une bibliofolie dirait B. Galimard Flavigny. Si l’idée paraissait séduisante en comité de rédaction, au pied du mur, c’est un peu plus vaseux… Vaille que vaille ! J’ai confiance en mon interlocuteur : je l’ai déjà vu à l’œuvre. Ce garçon s’intéresse aussi à la bête du Gévaudan, aux livres à système, au cinéma surtout, qui l’occupe une bonne partie du temps.
Comme si de rien était, je commence l’interview. Guillaume Virantin ne se fait pas prier pour camper le personnage : Jules Marie Aimé Lavirotte (1864-1929), nait et reste lyonnais jusqu’à ce que sur une inspiration non documentée mais certainement amoureuse, il fasse l’école buissonnière. Il débarque à Paris où il reprend ses études jusqu’en 1894. Déjà à cette époque, une première fois, on perd sa trace. On dit qu’il voyage en Tunisie. De cette escapade, subsiste une lettre de sa main datée de 1905, adressée à Abel Bernard, député, où il affirme avoir construit l'église de Chaouat entre Djerdela et Tunis. Par le biais de ce courrier, il briguait une place de rapporteur au Comité des Bâtiments du Ministère des Cultes. (Delaire et David de Penanrun, Les architectes élèves de l'école des Beaux-Arts, Paris, 1907). Il semblerait cependant qu’il n’ait fait que participer au chantier intérieur de la chapelle.
Puis, Lavirotte réapparait et pose son empreinte sur de nombreux édifices à Paris et Evian, dans des établissements pour curistes, à Mâcon aussi. Cela fait pas mal de temps que G. Virantin s’intéresse au travail de ce chantre de l’Art Nouveau et qu’en adepte des livres, il cherche à se constituer un fonds documentaire et anecdotique le concernant. Mais comment établir une collection tangible sur un architecte qui passe son temps à se rendre insaisissable ? On accepterait de se faire une raison s’il s’agissait d’un architecte des siècles passés… Quoique ces derniers, souvent, écrivirent des traités illustrés ou firent l’objet de nombreux ouvrages. Pensons à Brunelleschi, Androuet du Cerceau, Vignole, Palladio…
Les lacunes sont d’autant plus frustrantes quand on les met en perspective avec les informations que l’on possède sur son lumineux contemporain, Hector Guimard (1867-1943). Guillaume Virantin m’énumère les sources disponibles. En bref, on peut citer les quelques ouvrages qu’il fait publier à sa propre gloire future mais surtout à sa grande publicité du moment. Citons ce grand album de planches oblong, Sur Le Castel Beranger, Œuvre d’Hector Guimard, (Paris, Librairie Rouam, [1898]). En juste retour des choses, son succès fut phénoménal de son vivant et aujourd’hui de nombreux auteurs s’intéressent à son œuvre. Des ventes aux enchères dispersent en les cataloguant, mobilier et objets de l’artiste ; les musées entretiennent la flamme, ainsi fait du Moma qui en 1970 lui consacra une exposition fleuve, Hector Guimard, (exhibition, Museum of Modern Art, New York, March 10-May 10, 1970) qui fit le tour des Etats-Unis avant de s’installer au Musée des arts décoratifs, en 1971. En 1978, Claude Frontisi consacrait sa thèse à la rédaction d’un catalogue raisonné, Les Architectures d'Hector Guimard, (Th. 3e cycle Hist. de l'art et archéologie Paris 4). Guillaume Virantin, vante surtout les travaux de Georges Vigne, qu’il a fini par avoir le bonheur de rencontrer et qu’il accompagne parfois dans ses promenades urbaines. S’il l’encense de la sorte, c’est peut-être en partie parce que, depuis la fin des années 80 ce conservateur du patrimoine prêche la bonne parole et n’a pas renoncé à publier sur Jules Lavirotte. Son article mentionnant l’architecte dans le catalogue Guimard de l’exposition du musée d’Orsay est des plus d’ailleurs pénétrant, (Paris, RMN, 1992).
Je piaffe sur mon tabouret. De la matière ! Il me faut de la matière ! Alors, G. Virantin extrait de sa besace une pochette qui renferme une liasse cartes postales du début du XXe siècle montrant quelques réalisations de Lavirotte. J’insiste. Il doit bien avoir quelques plans et projets imprimés, comme c’est l’usage pour tout architecte qui se respecte. Il doit y avoir un dossier le concernant dans le Fonds de la SADG (Société des Architectes Diplômés par le Gouvernement) puisque celui-ci regroupe entre autres les réalisations des architectes diplômés du gouvernement, nés avant 1900. Un affreux doute m’étreint. Il faisait bien partie de la SADG, Lavirotte, n’est-ce-pas ? Guillaume Virantin éclate de rire : « Mais oui ! Seulement il faut vous dire… ». Aïe ! Encore un os ! Bizarrement, Lavirotte n’a demandé son admission que bien tardivement, précisément le 16 novembre 1907. Le plus étrange dans cette histoire c’est que le projet avec lequel il veut entrer à la société est celui d’un hôtel particulier, qui existait depuis…1899. Aurait-il été un poil cossard, notre bonhomme ? Ou avait-il le syndrome du coucou qui se dégotte toujours de douillets emplacements déjà existants ?
« Vous ne croyez pas si bien dire ! » me lance-t-il. « C’est exactement ainsi qu’il opéra sur le chantier du 151, avenue de Grenelle ». Aux archives de Paris, existe un dossier indiquant comme commanditaire un certain F.J. Polaillon et donnant pour maitre d’œuvre l’architecte Cugnière. Or, il semble qu’une hécatombe digne des malédictions pharaoniques toucha les deux messieurs … Ce qui permit à Lavirotte, présent pour des petits travaux sur le chantier, d’emmener le projet jusqu’à sa fin. Mais - il fallait s’y attendre- seule la porte, munie de lézards « Lavirotte » trahit sa présence. De la même manière, faisant feu de tout bois, il se servit pour l’érection de la poste de la ville de Mâcon des plans qu’il avait imaginés pour la poste… d’Alger ! Le bâtiment officiel du coup a un petit côté mauresque et on peut voir que les ornements primitifs de régimes de dattes ont été transformés, Bourgogne oblige, en grappes de raisins… Comme tout bon paresseux, Lavirotte se dévoile parfaitement ingénieux. Le chantier fait sensation dans la ville. On en diffuse des cartes postales, on prévoit une inauguration en grande pompe. Enfin ! Je tiens de la matière bibliophile. Le sourire muet de Guillaume Virantin et ses mains qui se sont mises au repos me font craindre le pire… L’inauguration était prévue en août…1914 et fut donc ajournée, pour ne pas dire simplement enterrée. Restent quelques cartes postales que me tend mon collectionneur.
Dans un autre paquet d’images se trouvent également quelques-unes de ses constructions figurant dans la série de l’Art dans la rue . Certaines ont fait suite au concours des façades de la ville de Paris dont Lavirotte sortit trois fois lauréat. Ce concours créé à la fin du XIXe siècle, qui subsista jusqu’à la fin des années 1940, donnait droit au remboursement de la moitié des droits de voieries et - plus intéressant pour un bibliophile de l’impossible - il occasionnait l’édition de cartes postales des édifices primés.
S’échappent aussi des dossiers de Guillaume Virantin, quelques coupures de presse, et des encarts publicitaires. Il les manipule puis soudain les laisse en plan et m’entraine au dehors. « Je ne peux pas vous parler de Lavirotte sans vous le présenter » me jette-t-il dans un souffle. Nous allons donc au pas de course nous incliner devant le 29 avenue Rapp puis nous nous rendons en pèlerinage au fond de l’impasse que constitue le square Rapp. Là, à gauche, dans l’ombre hivernale s’élève un de ses immeubles si caractéristiques. Mon conférencier d’un jour m’explique que l’architecte après l’avoir construit, y installa son minuscule cabinet d’architecte. Il me conte par le menu la genèse du projet. J’apprends aussi que Guillaume Hanoteau dans Ces nuits qui ont fait Paris, loge, en 1908, une de ses héroïnes dans un appartement du square Rapp. Un de ses amis lance « Ah ! Mes amis ! Attendez-vous à un choc. Irène a été choisir la maison la plus laide de Paris ». […] Au fond de l’impasse l’immeuble d’Irène est en effet le plus hideux que l’on ait construit à Paris. Et encore ce verbe « construire » est-il impropre. Il évoque un ordre, des plans, un souci d’esthétique qu’ignore le 3 du square Rapp. C’est un empilement à l’état brut. Cela commence par un château-grotte de nains d’Hoffmann, cela se poursuit par des balcons à la Néron et cela s’achève par des tourelles enfantées par un Moyen-Age de démence ». Ainsi donc l’architecte ne laissait pas froid ses contemporains ! Beaucoup crièrent aux loups, certains s’enthousiasmèrent, à l’exemple de Max Dearly (1874-1943) le fantaisiste, inspirateur de Max Linder et autre Charlie Chaplin qui s’installa aux dires d’Hanoteau dans l’immeuble du 29, avenue Rapp.
Prenant le contrepied de toutes ces amusantes anecdotes qu’il vient de me distiller, Guillaume Virantin tente d’amorcer des éléments de réponse au mystère Lavirotte. Comment en effet, expliquer que l’on ait tant de mal à suivre sa trace. Certes, nous l’avons vu, être actif en même temps que le flamboyant Guimard n’est pas une panacée. De surcroît, de Lavirotte, on ne connait que quelques aquarelles de jeunesse, ainsi qu’un porte-parapluie et plusieurs moulages d’étude pour un porche destinés à des essais de couleurs. Un exemplaire est apparu à l’automne dernier à la Biennale des antiquaires de 2006 sur le stand de la galerie Patrice Bellanger.
Pourtant, insiste G. Virantin, Lavirotte connut un véritable succès de son vivant. La presse lui consacra de nombreux articles ; Emile Rivolaen ((1843-1912), architecte et directeur de la revue pratique l'Architecture usuelle qui se payait le luxe d’éditer des planches en couleurs, lui consacra une monographie dans Maisons modernes de rapport et de commerce. Monographies complètes (ensemble et détail) publiées d' après les plans, devis et règlements communiqués par les architectes... (Paris, Fanchon, s.d.). Aujourd’hui à quelques exceptions près, l’héritage de cet architecte est noyé dans les ouvrages généraux sur l’Art Nouveau.
Ce sont bel et bien ses immeubles et maisons qui restent ses plus fidèles ambassadeurs. Voyez le numéro 29 de l’avenue Rapp, coincé entre deux façades classiques, édifié en 1901. Il mérite bien l’intérêt qu’il suscite toujours aujourd’hui. Nous en prenons pour preuve, le cartel de la ville de Paris fiché dans le trottoir et les grappes de touristes interloqués qui le scrutent. S’ils sont choqués c’est, certes pour la prouesse technique mais comme le résume Guillaume Virantin sur une page de son site Fragance 1900 parce qu’en observant « l'immeuble du square Rapp malgré un pompiérisme ornemental frappant, on ne peut s'empêcher de penser que les délires décoratifs de Lavirotte sont tout sauf plaisants. Ils semblent davantage traduire une espèce d'effroi, voire de dégoût fasciné devant l'anatomie sexuelle et les voies naturelles du corps humain ».
Aussi, Le Céramic hôtel sis au 34, avenue de Wagram, édifié en 1904, offre une façade animée de décorations végétales en grès, matériau que Lavirotte affectionnait tant. Pourtant, ici, ces motifs typiques soulignent des enchevêtrements presque géométriques. Se perçoivent déjà des jeux de volume dont seront friands les architectures modernes. N’a-t-on pas ici une des clés de l’éclipse de Lavirotte ? Au contraire de Guimard, il semble avoir toujours suivi les mouvements de son esprit–girouette et s’être progressivement désengagé de la mouvance de l’Art Nouveau. Guillaume Virantin, toujours sur son excellent site résume parfaitement cet état de fait : « il a abandonné l'Art Nouveau dès 1907, alors que les pasticheurs grossiers trahissaient le mouvement qu'ils prétendaient imiter. Un virage certes opportuniste, mais qui aura eu le mérite d'éviter l'essoufflement d'un créateur hors-normes et très déconcertant ». Ainsi, ne pouvant pas être facilement cataloguée, l’étude de son œuvre aurait été laissée de côté.
Bien que Guillaume Virantin ait inlassablement scandé « Je mesure mon ignorance à mesure que j’avance », je ne peux pas m’empêcher de voir en lui un Rouletabille de bibliophilie. Opiniâtre, extravagant, enthousiaste, le jeune homme a de la ressource. Son engouement est tellement communicatif qu’on veut à tout prix participer à son enquête biblio-policière. Alors, quand il me révèle qu’il a découvert que Lavirotte est enterré au cimetière lyonnais de la Loyasse, et qu’il connait l’emplacement précis de sa tombe, je me surprends à penser qu’un ami journaliste doit justement aller dans le coin prochainement. Je n’en souffle pas un mot à G.Virantin mais charge mon espion occasionnel d’aller photographier la dalle. S’étant assuré des données auprès du bureau des concessions, il passera un long moment au lieu-dit… En vain ! Jusque dans la mort, Jules Lavirotte aura joué au passe-muraille. Un comble pour un maitre du bâtiment, mais un sacré coup de génie publicitaire à retardement ! On en redemande !

François de Bordas, bibliophile // Un bibliophile s’est jeté à l’eau.

2010-02-01T11:03:00.003+01:00

Si François de Bordas était des Indes, on n’hésiterait pas à le comparer à Shiva, ce dieu à 4 bras que l’on voit sur certains hauts-reliefs terrasser l’ignorance, car cet homme-là court par monts et par vaux à la recherche du beau livre, de la connaissance, à la rencontre de ses amis peintres, écrivains ou…graveurs. C’est l’un d’entre eux, Albert Woda, qui nous réunit ce matin d’automne aux frondaisons d’un des seuls points de verdure du quartier le plus minéral de Paris. Le peintre Woda a exposé non seulement dans toute l’Europe mais également outre-Atlantique. Il a été, au titre d’illustrateur du livre, célébré dans des lieux-phare tel que la librairie-Galerie Matarasso, à Nice ; la galerie M. Broutta et les librairies A. Blaizot, Nicaise, Kieffer à Paris. Certes, il aurait été aisé de simplement franchir les portes de ces vénérables maisons et de brosser à leur lumière blanche et vive le portrait de l’artiste. Mais voilà. Albert Woda cultive ses amitiés à la manière-noire de ses gravures : confidentiellement. Il aurait donc été bien maladroit de m’y prendre de la sorte. Cependant le temps pressait puisque a médiathèque de Perpignan (15 rue Emile Zola. 66000 Perpignan. 04 68 66 30 22) s’apprêtAIT à lui rendre hommage du 25 octobre au 29 novembre 2008. C’était trop rageant de laisser passer un si magnifique prétexte de parler de son travail. C’est alors qu’entra en scène François de Bordas. L’homme en question, sorte de roseau marchant d’un pas long et droit, la main accorte offre à voir une crinière poivre et sel, des yeux pénétrants, la lèvre volubile et un appartement qui contredisent son allure de yogi. Il faut dire que l’entrée ressemble plus à une bibliothèque qu’à un vestibule. Il n’y a pas assez des rayonnages pour accueillir les ouvrages qui y sont destinés. Je n’ai que le temps d’y jeter un regard circulaire de myope : ce n’est visiblement pas là que Woda a trouvé asile. A vrai dire François de Bordas, qui doit se méfier de sa capacité à retrouver les livres qu’il range, a concocté au milieu du salon, une sélection d’ouvrages. Sur une table de bridge jupée d’un tissu marron flatteur aux livres, ont été déposés des emboitages de différentes tailles et de diverses couleurs. A droite de l’empilement, sur le canapé, captant la lumière des deux fenêtres qui lui font face, un tableau : un Ventre de Soledad, ses hanches, le creux rond de son nombril. Il fallut un an au bas mot pour lui trouver l’encadrement idéal. La toile quasi monochrome fait irrésistiblement penser aux plaques qu’utilisent les graveurs sur cuivre. Sensation que ma lecture postérieure du Carnet de peinture de Woda (Pézenas, eds Domens, 2008) confirmera. N’y lit-on pas que parfois, sur ses toiles, il pose « sur un fond de couche de Gesso, une couche d’encre taille-douce mélangée à de la térébenthine ». Ces correspondances font jubiler mon collectionneur qui possède à lui seul un exemplaire de tête des ventres de Soledad (Editions de l’eau, 2001, textes de S. Braganti et G. Lascault, 8 manières noires de l’artiste), un tirage à part des gravures, un dessin original et le tableau que je compare maintenant aux illustrations. On y retrouve un velouté particulier dont Woda est devenu le maître. Certes quelques autres graveurs contemporains s’y sont essayé avec brio comme Judith Rothchild ou Mikio Watanabe, mais il est question ici de bien plus que d’une simple maitrise technique. Si seulement on sait prendre le temps, comme François de Bordas, de laisser entrer son œil dans chacune des planches, si on permet à son esprit de les méditer, voilà qu’on sent que ce sont des copeaux entiers de l’âme de Woda qui s’y retrouvent. Bientôt, Je me sens parfaitement à l’aise. Et, tout en maniant à ma guise les livres qui sont sur la table, j’écoute avec plaisir le court et brillant exposé que me présente mon professeur particulier : la manière noire, technique ardue de gravure, fut tout d’abord expérimentée au cœur du XVIIème siècle en Allemagne ; elle s’épanouit par la suite en Hollande ; puis vers 1670, elle enthousiasma l’Angleterre, qui se l’appropria à tel point qu’on finit par la nommer parfois « manière anglaise ». Alors vinrent l’aquatinte, la lithographie et les procédés photomécaniques, qui plus rapides et systématiques détrônèrent petit à petit mais inéluctablement le lent procédé de la manière noire. Il faut dire que le temps nécessaire à la préparation de la plaque est sempiternel. Au moyen d’un berceau, il faut entièrement consteller de petits trous la plaque de cuivre; si, à ce stade on encrait et tirait la plaque, on obtiendrait un parfait monochrome. Il ne suffit pas en effet de bercer le métal pour obtenir une manière noire : il faut ensuite créer les gris et retrouver les plages de blanc. Dans ce but, le graveur utilise brunissoir et grattoir pour aplanir voire écraser les pics de cuivre. Les parties aplanies donneront les gris, les endroits écrasés sur lesquels l’encre ne trouvera pas refuge, les blancs. Lorsqu’il berce la plaque de cuivre, du sablier qui s’écoule, Woda se fiche comme d’une guigne. L’intimité qu’il est en train de créer entre le papier, le texte et le lecteur parait seule compter. C’est la magie de la manière noire. C’est sans doute ce qui fit que les sociétés de bibliophilie furent attirées par cette technique malaisée. En 1961, les Francs Bibliophiles, commandèrent à Mario Avati vingt-cinq manières noires pour illustrer le volume in-8 des Aphorismes de Brillat-Savarin. Dans un autre genre, c’est à Woda que la brillante société féminine des Cent Une demanda d’illustrer de 7 pointes sèches et de manières noires Les anges. L'enfer de Patrice De La Tour Du Pin (1993). Deux ans plus tard, en 1995, pour un texte de Jacques Lacarrière, Erèbe/Ebène, le peintre-graveur donne cinq autres manières noires. Mais le contexte ici est tout autre : pour la conception de ce volume qu’abrite un épais emboitage noir, Woda est seul maitre à bord. Car c’est aux éditions de l’eau que ce texte parait. Je le parcours distraitement car le ton avec lequel François de Bordas m’a dit tout cela parait trop amusé pour être honnête. « Eh bien quoi! Vous n’êtes pas polyglotte? Woda veut dire eau en langue polonaise ». Il ne faut en effet pas s’imaginer notre maniériste aussi obscur que ses estampes. C’est un reclus volontaire qui aime les pichenettes du sort et les usures du temps au point de travailler sur une petite presse qui fut parachutée par les alliés dans le ciel de France pendant la seconde guerre mondiale et qui servit à l’édition de tracts clandestins. L’anecdote réjouit mon hôte qui connait trop bien le gaillard dont il collectionne les exemplaires de tête pour n’y voir que bravade historique : toujours dans son « carnet de peinture » Woda décrit la « presse [qui] est un outil dont la force est extrême. C’est l’équivalent du four pour le céramiste, de la scène pour le musicien, de la fusée pour le cosmonaute. Sans ce passage par cette force surhumaine, la gravure n’existerait pas. La force d’une gravure, c’est qu’elle conserve en elle la puissance de la presse ». La puissance de la presse, Woda la transforme en présence réelle. Il suffit pour s’en rendre compte de parcourir les eaux-fortes qui illustrent La vie de ton visage (Editions de l’eau, texte et 4 gravures, 1999). Les courbes du corps et de la chevelure de son modèle irradient les pages. A l’autre bout du salon, l’apparition d’une jeune elfe ébouriffée de 20 ans, aux yeux gorgés de sommeil, interrompt le discours tout amical qui m’est tenu sans discontinuer : « Je vous présente ma fille ainée ». Dans un sourire, la jeune fille s’éclipse par une autre porte. Cet intermède charmant m’a permis de me saisir de Simples histoires de feu (Editions de l’eau, texte de Sophie Braganti, 1994). Les six manière-noires présentent des montagnes hérissées de quelques arbres. Pour Woda, qui « [peint] les arbres quand [il n’a] pas de femme, ni devant, ni au-dessus, ni au-dessous, ni derrière [lui] », ce choix ne doit pas être pris à la légère. François de Bordas part dans des interprétations diverses et toutes aussi séduisantes, sans jamais en retenir aucune. C’est que nous causons d’une bibliophilie en marche. On ne glose pas de la même façon sur des textes illustrés il y a belle lurette que sur une œuvre sur papier en devenir. Le bibliophile n’est pas en mesure d’extrapoler puisque le graveur est toujours en train de créer. Et cette retenue rend la bibliophilie contemporaine émouvante et désirable. On a la sensation d’avoir, non son mot à dire, mais son regard à exercer : La contemporanéité appelle l’honnêteté dont on sait qu’elle est parfois – comme ici précisément - la chrysalide de belles amitiés. Aujourd’hui, j’ai la rare possibilité de scruter ex vivo la complicité qui unit un illustrateur du livre à son collectionneur. Ce qui les lie originellement c’est le support papier : François de Bordas me fait remarquer à plusieurs reprises les papiers choisis par Woda. Celui-ci, quelque part dans son Carnet note que « les papiers blancs sont sans pitié ; les très lisses sont de vrais sauvages, les très épais, des traîtres, car ils font croire qu’on peut s’y enfoncer, mais c’est faux ». Depuis quelques instants, mon hôte entrecoupe notre conversation de sauts de puce aux rayonnages de ses bibliothèques, celles du salon, de l’entrée, du couloir. Il cherche son exemplaire de Tes seins sont des grenades qui s’est visiblement carapaté. Or il tient à me montrer que son peintre-graveur d’ami est plus polymorphe encore que ce que j’en ai vu. Il s’acharne à parcourir les rayonnages. Mais c’est pourtant moi, tranquillement assise, qui vais mettre la main sur le volume capricieux en arrivant en bas de la dernière pile de la table ! François de Bordas esquisse un large mouvement de bras et retient mal un rire charmant mais moqueur ! Est-il atteint du syndrome du bibliophile transi ? C’est surtout, je crois, une autre manifestation de l’enthousiasme communicatif de François de Bordas. Dans Tes seins sont des grenades, on est bien loin des manières noires, ces sortes de « mousses de cuivre » qu’aime tant Woda. Il s’agit plutôt ici de montrer – ni plus ni moins - que le Cantique des Cantiques est surtout et avant tout un sensuel poème d’amour. Les mots de Lalou frappent aussi fort que les manières de crayon de Woda. Et je me dis que nous n’avons pas eu le temps vraiment de parler de ce qui sous-tend l’existence même des illustrations des livres, j’ai nommé le texte. Quand on lit la bibliographie du peintre-graveur, cela saute pourtant aux yeux : l’écrivain est roi au royaume de Woda. A lui seul, le Stabat mater de l’indispensable Salah Stétié, qu’accompagnent dessins, peintures et gravures de l’illustrateur (Editions Alternatives, 2005) pourrait en être le manifeste. Petit à petit, je soupçonne François de Bordas de ne pas tout me dire de son amour du livre illustré… Avant qu’il ne nous mette tous les deux à la porte pour aller arpenter les allées de la Biennale des antiquaires au Grand Palais, il ne m’aura fait qu’un seul aveu : celui d’avoir monté les éditions d’Héloïse qui publient depuis quelques années textes et dessins mettant en scène coqs et poules, teckels et Jack Russell et surtout chevaux de polo, attelés ou en totale liberté. D’ici que j’apprenne que ce luron bibliophile construise une arche en cachette…

En rayon à la librairie // Le parcours du combattant du solliciteur.

2010-01-27T18:34:00.001+01:00

L'art d'obtenir des places ou conseils aux sollicitateurs; ouvrage dédié aux gens sans emploi.

Paris, Pelicier et Petit, 1816. In-8, reliure papier postérieure, pièce de titre.

Très amusante description du parcours du combattant qu'affronte le solliciteur auprès des ministères. L'ouvrage est composé de trois parties rédigées sur un ton enjoué et pratique. La première qui traite des qualités et objets indispensables au solliciteur est encore d'actualité par bien des aspects. La seconde énumère les connaissances à faire; la troisième parle des "usages, circonstances, localités". On y apprend l'intérêt d'avoir une femme ou une maîtresse car "les règlements qui interdisent aux hommes l'entrée des bureaux ne prescrivent rien à l'égard des dames" "La lecture de cet opuscule est une première épreuve:si votre ambition n'en est point ébranlée, poursuivez hardiment vos démarches".

Récits de campagne et de chasse.

2010-01-27T18:21:00.001+01:00

On peut toujours se procurer et lire les Récits de campagne et de chasse réunis par Jérôme et Valentine del Moral librairies à l'enseigne de la villa browna et publiés aux éditions Robert Laffont dans la collection "Bouquins".
Ce livre a reçu le prix François Sommer 2006 remis par monsieur Babelon au Musée de la chasse et de la nature à Paris.

Alain Vaujany, bibliophile / Des lions, un minier et le lieutenant de vaisseau

2010-01-27T17:06:00.004+01:00

L’un est aussi petit que l’autre est grand, aussi brun que l’autre est blond ; l’œil du premier est aussi noir que celui du second est bleu et pourtant ils se ressemblent. Ca ne tient pas tant à leur allure svelte mais plutôt à ce qui ne se voit pas. Pierre Loti et Alain Vaujany sont des bourlingueurs sentimentaux. Sans pousser à l’extrême le jeu des similitudes, il n’est pas inutile d’apprendre que les deux hommes à près de 150 ans d’écart ont rêvé puis atteint les mêmes terres lointaines qu’avaient avant eux foulé le frère de Loti et deux grands-oncles maternels de Vaujany.

De Gustave Viaud on connait surtout la mort en pleine mer pour ce qu’elle toucha son petit frère Julien. Des ancêtres d’Alain, il faut en parler un peu. Le premier, officier de son état fit partie du corps expéditionnaire emmené par Gallieni à Madagascar en 1896 pour mater la violente insurrection menée par la reine Ranavalona, mais en réalité fomentée par son oncle Ratsimamanga et le ministre de l’intérieur, Rainandriamampandry. On aurait pu imaginer que l’étrangeté de ces noms aurait attiré le petit garçon de 8 ans qui, sous la houlette de son médecin militaire de père, avait débarqué en famille à Tananarive. Que nenni ! Il préférait bien se planter chaque jour de marché devant la plaque de la rue du capitaine des Lions, son aïeul. Il faut reconnaitre qu’un tel nom vaut tous les exotismes patronymiques ! Et puis, tout de même, c’est lui qui, nommé maire de Tananarive, développa les principaux projets de voirie de la capitale.

Il y a encore le grand oncle Minier. C’est lui surtout le grand responsable de la collection que je suis venue inspecter. Engagé volontaire à 16 ans dans la marine en 1854, il ne la quittera en 1889 que parce que ses forces l’abandonnent. L’homme est entreprenant, voyageur et dessinateur à l’occasion. Or, un de ses carnets de croquis arriva sain et sauf jusque dans les rayonnages de la bibliothèque du grand-père d’Alain Vaujany. Il se souvient avoir souvent parcouru ce petit calepin oblong à fermoir relié dans une sorte de chagrin souple. Il le manie désormais devant moi puisqu’il en hérita voilà déjà quelques années. Certains croquis sont à n’en pas douter des relevés habituels de navigateurs, mais certains autres ! Pendant que je les passe en revue, mon hôte est allé me chercher quelques récentes parutions qui vont m’intéresser au plus au point. Il y a là, les reproductions de croquis marocains de Loti (Au Maroc avec Pierre Loti, Le Torii éditions, Carnets de l’exotisme n°4 1990) ou encore celles de dessins de l’Ile de Pâques (Loti, L’Ile de Pâques. Journal d’un aspirant de La Flore Ch. Pirot, 2006). Ce qu’il y a de frappant, c’est la similitude du trait de crayon qui chez les deux marins va droit à ce qu’il veut montrer. Entre la case de Robinson Crusoé de Minier et les « moai » de Loti mon cœur balance… mais pas assez pour décontenancer mes petites cellules grises qui depuis quelques minute s’agitent. Ah mais ! Quand est-ce que Minier est né exactement ? En 1838 ? Soit seulement 12 ans avant Julien Viaud ! Le visage de mon cicérone qui est jusque là resté impassible s’éclaire d’un coup. Son regard s’arrête dans le mien. Il sourit. J’ai tapé juste. Selon leurs biographies , ils ont certainement pu se rencontrer en 1877 à Rochefort mais surtout ils ont servi ensemble en 1885 sur la Triomphante, le commandant en second Minier monté à bord le 13 avril, précédant de peu le lieutenant de vaisseau Viaud embarqué le 5 mai. Dans Cette éternelle nostalgie. Journal intime 1878 -1911 (La table ronde, 1997) Loti note en date du dimanche 31 mai 1885 : « De nouveaux commandants à bord ; le service change : on me donne le poste d’officier de manœuvre, celui que j’aime le plus ». Avec l’air de ne pas y toucher, Alain Vaujany ajoute que son aïeul avait fait une campagne d’Islande pour la surveillance des bancs de pêche et avait approché de près les baleiniers. Aura-t-il eu l’occasion de parler de Terre-Neuve à Loti pourtant totalement fasciné par l’Asie dans les eaux de laquelle ils naviguaient alors? Il n’en reste pas moins que Pêcheurs d’Islande parut chez Calmann-Lévy en… 1886 !

Voilà qui me permet d’attaquer le cœur de la collection. Je m’apprête à refermer pour de bon l’émouvant carnet mais une aquarelle retient encore mon attention puis le bout du sein d’une inattendue tahitienne la capte encore un peu plus. Tahiti ! Vaujany en a sillonné les récifs, Loti y a gagné son nom de plume. Des rayonnages, mon hôte sort Le mariage de Loti publié par la S.E.L.T. en 1935 dans la collection de « grands événements littéraires ». Cette édition met en lumière l’homme derrière l’œuvre par un subtil parallèle du journal intime et du texte achevé.

Voilà que je me retrouve encore une fois à mille miles de la bibliothèque parisienne que je désire voir. J’ai tort de me désespérer. Car enfin ! Est-ce si désagréable de rencontrer un bibliophile aux faux airs d’acteur américain des années 60, disons … Steve Mac Queen ? Et puis ce détour par Tahiti au lieu de m’éloigner de mon sujet ne va-t-il pas me permettre de mieux le cerner ?

En effet, Papeete n’est pas le seul point de chute commun de l’écrivain et du bibliophile. Outre l’Afrique qu’Alain Vaujany parcourut enfant de la Tunisie au Tchad en passant par le Congo et que Loti décrira dans Le roman d’un Spahi (P., Calmann-Lévy, 1881), ils ont en commun la Turquie. C’est à côté d’Ismir, à Urla Iskélé que notre jeune océanographe viendra faire ses classes au centre de recherche océanographique de l’université de l’Egée au début des années 1980. C’est à Istanbul que notre jeune sous-officier de marine rencontra en 1877 la seule et unique Aziyadé. De nombreux volumes consacrent le pan turc de l’œuvre de Loti. Bientôt sur la table blanche en ellipse se chevauchent Turquie agonisante (P., Calmann-Lévy, 1913) qui comporte sur la page de titre une effrayante photo légendée « l’un des officiers turcs pris par les alliés chrétiens et renvoyés à leur camp avec les lèvres, les oreilles et le nez coupé », l’originale relié en demi-chagrin des Désenchantées roman des harems turcs contemporains (P., Calmann-Lévy, 1906) ainsi que différents volumes relatant la supercherie qui sous tend cette œuvre. L’Affaire serait trop longue à raconter dans le détail. Il suffit juste de savoir que la journaliste française Marie Léra alias Marc Hélys en fut l’auteur narquoise. Son Secret des désenchantées (Perrin, 1924) figure évidemment dans le lot. Tous ces livres cependant sont bien postérieurs à Aziyadé( P., Calmann-Lévy, 1879 pour l’édition originale). L’exemplaire de mon collectionneur ne date que de 1911 mais il a reçu un envoi qui le rend désirable : « au docteur A. Dutaurnier qui, me dit-il, est allé à Eyoub avec ce petit livre à la main. Pierre Loti ».

Alain Vaujany pense-t-il à voix haute quand il affirme qu’au fond du fond, Loti s’intéressait d’abord et surtout à son prochain. Il le regardait vivre et survivre à l’érosion des temps. Le destin a peut-être voulu le pousser dans cette direction humaniste en le menant sur l’île de Pâques alors qu’elle était encore peuplée d’autochtones, en l’érigeant témoin de la révolte chinoise des boxeurs (1899-1901), en l’encourageant à prendre fait et cause pour les turcs contre l’avis européen. Un deuxième sourire éclaire le visage ombreux de ce bibliophile éclairé qui conclut : « c’est une des raisons qui expliquerait que tant de personnes ont senti la nécessité d’écrire en retour sur lui». Citons pour mémoire les nombreuses pages de Claude Farrère on grand ami, les Opinions candides de Gérard d’Houville éditées dans la jolie collection rose et carrée de « l’alphabet des lettres » ( P., La cité des livres, 1926) dont une phrase résume ce qui restera de l’écrivain : « qu’ importait l’enfantillage de la poudre de riz et du rouge ! Dès que l’on avait connu [son] regard, on ne pouvait plus plaisanter de ces frivolités, car on comprenait qu’elle n’étaient pas coquetterie, mais la quotidienne horreur en face de tout ce qui se détruit. »

Avant d’être cet homme-là, Loti avait été l’enfant d’un roman ( Le roman d’un enfant, P., Calmann-Lévy, 1890) puis le tout jeune homme du Château de la Belle au bois dormant ( Ferroud, 1930). La sobre reliure doublée en maroquin de Semet et Plumelle que j’ouvre alors en contient un des 30 exemplaires sur japon impérial doré sur tranches contenant 4 états des illustrations et une aquarelle originale de l’illustrateur Fred-Monney. Loti rédigea ce court texte pour secourir non pas cette fois « des détresses humaines [… mais ] des arbres , de nos vieux chênes de France que la barbarie industrielle s’acharne partout à détruire ». C’est très judicieux de la part des relieurs d’avoir choisi un maroquin marron doublé à l’intérieur de maroquin vert. On croirait tenir entre les mains la quintessence d’un de ces arbres, tronc et feuilles mêlés ! Mon complice doit bien aimer mon interprétation hasardeuse puisqu’il me fait illico plancher sur une autre reliure, cette fois de Canape, demi-maroquin à coins noir léger qui vient protéger les couvertures et dos conservés orange tonitruant d’un des 75 exemplaires de tête sur papier de Hollande de Jérusalem (P. Calmann-Lévy, 1895). Est-ce un hommage à l’alliance détonante de la noirceur de pensées d’un homme et de la lumière d’un saint endroit ?

N’empêche qu’une fois encore, nous voilà partis bien au diable vauvert ! C’est un saut de puce pour Alain Vaujany qui il y a trois ans à peine était encore un des roseaux pensants du journal le Quotidien à l’île de la Réunion, mais un pas de géant pour la casanière que je suis. Grâce aux dieux, la femme de mon biblio-trotter, qui rentre à l’instant, démarche de danseuse, cheveux souples aux épaules et sourire enveloppant vient à ma rescousse. « Obligez-le à poser ses cartons de livres à Saint Jean de Luz ! Vous verrez, il n’y est pas si malheureux ! ». Je ne me le fais dire deux fois. Mon hôte y est né par accident avant de repartir fissa pour la Tunisie où son père était en poste. Il avoue marquer encore aujourd’hui un temps d’arrêt à l’angle de l’avenue Pierre Loti quand il vient à passer devant ! Il faut dire que l’écrivain fit beaucoup pour le pays basque. Il y fut adopté par un peuple taquin mais amical qui le fit tour à tour jouer aux « gendarmes et aux contrebandiers », à la pelote et même au « papa et à la maman » puisqu’il y prit femme – qu’il installa sans vergogne dans la maison contigüe à celle occupée par son épouse – dont il eut deux enfants qui ne survécurent pas à la première guerre mondiale. En échange de quoi il écrivit abondamment et avec succès sur la région. Mes bras se chargent pas moins de six éditions populaires en sus de l’édition originale (P. Calmann-Lévy, 1897) de Ramuntcho. On peut admirer les couvertures des éditions de poche, de la bibliothèque verte, de l’idéal-bibliothèque. Alain Vaujany sort aussi de derrière les rayonnages des perles telles que l’impératrice et Pierre Loti au pays basque de Jean Roux (Monte-Carlo, l’intercontinentale d’édition, s.d.) ou bien cet intéressant Pays basque. Recueil d’impression sur l’Eukalleriade de P. Loti choisies par F. Duhourceau (P., Calmann-Lévy, 1930).

Mais cela semble anecdotique aux yeux de qui me reçoit. Pour lui, les romans de Loti sont de leur temps, son attachement au pays basque charmant, mais la qualité profonde qui le protégera de l’oubli littéraire reste la qualité de ses récits de voyage emprunts d’un sens certain de l’observation, d’un goût prononcé pour ses semblables et d’un sens aigu des enjeux futurs. Sa Mort de Philae, ses Dernier jours de Pékin, son Pèlerin d’Angkor n’en sont que quelques exemples parmi une pléthore d’autres. Pierre Loti aurait-il caché son jeu à ses contemporains pour mieux l’abattre devant le lecteur du XXIème s. ? Est-ce là une suprême ressemblance avec Alain Vaujany ? S’il paraît au premier abord cultiver un air taciturne, son œil qui parfois s’anime et s’égaie l’espace d’un instant cache mal un caractère aimable et tendre. Il y a d’ailleurs fort à parier que celle qui vient de nous rejoindre pour boire un verre de vin et parachever notre entretien y est pour beaucoup.